Call for projects Symposium 2020

 

Appel à projets Symposium 2020 Le Temps et les Choses

Georges Adamczyk

Saturday 3 August 4:30 p.m.

What Art Does to Architecture – Georges Adamczyk (in French)

Music, dance, literature, cinema, painting, sculpture and visual arts are often sources of inspiration, emulation and sometimes imitation when creating architecture.

Georges Adamczyk is a professor in the Écoled’architecture at the Université de Montréal, which he headed from 1999 to 2007. He is a member of the Laboratoired’étude de l’architecturepotentielle (LEAP).

Catherine Bolduc

Saturday 10 August, 4:30 p.m.

Encounter with Catherine Bolduc (in French)

Catherine Bolduc explores the way the psyche perceives and constructs reality by projecting onto it its own desires and transgressing it through the fabrication of fiction. Several exhibitions of her work have been held in Canada and abroad, and she has created several public artworks, including Les Généreuses, which was inaugurated in 2019 at the NouvelInstitutd’Hôtellerie in Longueuil.

Pierre Thibault

Thursday 15 August, 4:30 p.m.

And if Beauty Made You Happy – Pierre Thibault(in French)

A professor in the École d’architecture at Université Laval and a well-known architect, Pierre Thibault believes in a conceptual process which places human beings and the inhabited territory, both natural and urban, in constant interaction. Pierre Thibault is the spokesperson for this 37th edition of the Symposium.

Jean-Pierre Chupin

Saturday 17 August, 4:30 p.m.

Burning Man, or Snuffing Out Utopia – Jean-Pierre Chupin (in French)

Jean-Pierre Chupin, Ph.D., is a full professor at the Écoled’architecture of the Université de Montréal. and co-director of the Laboratoired’étude de l’architecturepotentielle (LEAP). He will speak about Black Rock City, the most common image of a utopian postmodern city.

Cinema at Symposium

Thursday August 1st, 20h: Brasilia : Life after Design. Documentary, Canada, 2017, 88 minutes. Director Bart Simpson.

Thursday August 8th, 20h: Elevated Thinking: The Highline in New York City, Documentary, USA, 2014, 56min-50sec.

Thursday August 15th, 20h: La modernité indienne – l’Architecture de Raj Rewal. Documentaire, France, 2017, 96 min. Réalisateur Manu Rewal.

Premiere screening + special tribute

August 16th, 20h. Premiere screening in Charlevoix of : La fille du cratère with a special tribute to Yolande Simard-Perreault, who passed away in July 2019.

Documentary, Canada, 2019, 76 min.

Directors: Nadine Beaudet, Danic Champoux

 

Thursday August 22nd, 20h: Anthropocène, l’Époque humaine. Documentary, Canada, 2018, 1h27 min. Directors : Jennifer Baichwal, Edward Burtinsky, Nicholas de Pencier.

Live streaming

Special Presentation – In the Artexte room

My Summer 77 with Gordon Matta-Clark, USA, 1977, 30 minutes.

Director : Cherica Convents.

Linda Covit – Honorary President

The Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, ispleased to welcome artist Linda Covit as its President of Honour for its 2019 edition Art, Architecture, Landscape and Environment.

Linda Covit lives and works in Montreal. She holds a bachelor’s degree in Science from McGill University. Numerous trips to Japan photographing temples, gardens and contemporary architecture have been influential in her practice. She has exhibited in numerous venues, in Canada, Italy, Japan and New York.

 

Among her many public artworks figure a gift from the Quebec government to Shandong Province, China; an installation on Montreal’s Mount Royal Park commemorating the 1969 Lennon-Ono bed-in (Les Arts et la Ville Prix Aménagement 2012; CSLA Regional Merit Award 2012); four garden rooms in the Shangri La Botanical Gardens and Nature Center, Orange, Texas (ASLA Honor Award, 2012). Her monumental sculpture for the MUHC was the CodaAwards 2017 winner in the healthcare category.

 

Her works are included in the collections of the Musée d‘art contemporain de Montréal, the Musée national des beaux-arts du Québec, the Collection Maurice A. Forget, the Cirque du Soleil, the Musée de Lachine, the Koffler Gallery, and the Concordia University.

 

ART PRACTICE

Creating large-scale installations for the public space is central to Covit’s practice. Her approach follows investigations into the overlapping areas of art, landscape art and architecture. Her concepts are elaborated through research closely linked to specific projects.

Her interest is in the development of site responsive work that lies in the challenge of rendering a site with new meaning or heightening what is already there; in creating a gesture that transforms a public space into a personal experience; in creating a work that instils a sense of place. Scale, acknowledgement of the viewer, a harmonious relationship of the built with the natural are some of her concerns.

Photo: Marc Cramer

Émile Proulx-Cloutier – Au coeur des Cités grises

Closing Concert with Émile Proulx-Cloutier

Sunday 25 August, 7:00 p.m.

Émile Proulx-Cloutier’s songs are like fairy tales, little films, express flights straight to the heart of bigger than life characters (children, old people, women, madmen . . .). Through them, the actor-singer-storyteller reveals himself. His words invite us to journey from tragedy to belly laughs, from the chaos of cities to the sea breeze.

Sylvie Lacerte, Artistic Director – Time and Things

38th Edition of the Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul

Theme for the 2020 Edition

Time and Thing

While exhibitions are conceived with ideas, imagination and recollections, with will or determination, with more or less manifest intentions and great or small utopias and a sum of propositions and a variety of artistic postures, they are always only ever constructed with space and a good tempo. The right distance between things and time[1] allotted to their reception, which is necessary for them to be understood, appear to be two fundamental qualities which enter into the elaboration of an exhibition [or a symposium] of contemporary art. Jean-Claude Rochefort, Ruines et météores, 2004.[2]

Time and Things paraphrases Michel Foucault’s book Les mots et les choses (published in English as The Order of Things) which, fifty-four years after its publication, in 1966, remains as relevant as it always was. In this foundational text, the philosopher and historian Foucault developed a precept on the origin of historical periods in the West, from the Renaissance to today. He proposed that historical periods do not carve up into sharp and completed sections in a chronological timeline, that eras do not end abruptly, but rather that they overlap, like a temporal palimpsest, giving rise to a gradual transition unfolding over a period of fifty to one hundred years.

Like Les mots et les choses, Time and Things could vividly evoke the intertwining of genres and disciplines today in the visual arts and the dilation of time. For example, in the early twentieth century two concurrent avant-garde movements existed side by side, each following its parallel path in a sometimes porous manner: the “Duchampians” (the ready-mades, Dada, Surrealists, etc.), the ancestors of contemporary artists; and the moderns (Cézanne and Picasso, and right up to Jackson Pollock and the Automatists in Quebec). This overlapping is a perfect illustration of what Foucault spoke about in his book: two concurrent tendencies overlapping within the same historical period. From the early twentieth century until today, artists have followed their respective itineraries by dissenting from or associating with currents, media, disciplines and aesthetics.

We are currently living through a transitional period in the history of art. Artistic canons are being transformed as never before, in ways involving digital and non-Western practices. Artistic practices are hybridising and criss-crossing or appropriating one another, not without friction and ontological concerns.

Why not transpose Foucault’s model to non-Western cultures? We could extrapolate Foucault’s definition and include in it the time and things of the artistic practices of diverse cultures around the world, including the cultures of First Nations peoples in the Americas.

Art is a work of time, on time. The expression time-based media defines video, film, performance, the spoken word, media and digital art, the stage arts and ephemeral art. In the more “concrete” and enduring arts, such as painting, drawing, sculpture and installation, the creative process, up to the completed work, is also a question of time. Time is a rare and finite commodity. Tempus fugit, time flies: we hurry to meet deadlines and the schedules of a hectic and frantic life. A life in which the conflict between public and private is never ceasing and in which death constantly lies in wait; a life in which illnesses keep vigil despite scientific progress. We are becoming chronophobes, fearing that we will not have enough time to accomplish everything, to do things, to not forget, to be able to observe the next generation, which could save the world from its foretold disasters.

For this final year of my mandate as artistic director, why not merge contemporary art currents and disciplines? Why not plan on playing with time and things in a way in which artists, in dialogue with visitors, devise this crossover of historical periods and art objects through the work in progress symbolised by the Symposium?

In this 2020 edition, we will pay tribute to the memory of Jean-Claude Rochefort, an art critic, art dealer and artist who died tragically ten years ago, in 2010. Born in Saint-Hilarion, Jean-Claude was the author of a doctoral dissertation entitled Ruines et météores, which attested to his love for and attachment to the Charlevoix region, but also to his passion for art off the beaten path. In this immense, rigorous and poetic work he demonstrated that art can move mountains and the landscape, introduced into the hollow of the Charlevoix Crater. His work reinterpreted four hundred million years through a journey across contemporary art, with the help of the time and things of art and nature.

Every visual and media art discipline is welcome. Here are some topics and objects (things) which could, among others, be a part of the project:

  1. Could time and things take us back to the Cabinet of curiosities, whatever the historical periods or cultures involved?

– “Physical” versions;

– 3.0 or digital versions.

  1. Time and things, understood as a reference to the everyday, which too often slips away from us between our fingers.

– We accumulate things, but we never have enough time, or we waste time.

  1. Invent a model for an ontology of art, inclusive of all cultures, with a view to the creation of new canons.

– Discuss and untangle these concepts: artistic and cultural hybridisation and appropriation.

  1. Illustrate what a palimpsest of different historical periods in art could be.- Literally or metaphorically create layers or strata representing different historical eras in art, but from a twenty-first-century perspective
  1. Use visual or textual archives as the material for the creation of a narrative thread. Archives are the things and essence of the memory of time.

Sylvie Lacerte, Ph.D.

Artistic Director, SIACBSP

3 September 2019

[1] My emphasis.

[2] Jean-Claude Rochefort, Ruines et météores, vol. 1, doctoral dissertation (Montreal: Université du Québec à Montréal, 2004), 81.

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Photo Jules Cloutier Lacerte

Bio

A historian of art and museums, Sylvie Lacerte is the author of La médiation de l’artcontemporain (2007), which draws on her doctoral dissertation. With Nathalie Bondil, director and chief curator of the MMFA, she was co-curator of La Balade pour la Paix in 2017. An independent curator, art critic, lecturer, author and instructor (UQAM, McGill and Université Laval), Sylvie Lacerte has occupied a variety of positions, including visual arts specialist for the government of Quebec’s policy of integrating artworks in architectural projects. The 2019 edition of the Symposium is her second as artistic director. 

Sylvie Bouchard

Born in Montreal (Quebec)

Lives and works in Montreal (Quebec)

Biography

Sylvie Bouchard’s work has been the subject of solo exhibitions at venues such as the Musée régional de Rimouski, the Southern Alberta Art Gallery in Lethbridge and the Musée d’art contemporain de Montréal. It has also been featured in several group exhibitions in Quebec and at the Art Gallery of Ontario, the Canadian Cultural Centre in Paris, the Contemporary Art Gallery in Vancouver, the Musée des Augustins in Toulouse, France and the Musée des Beaux-Arts in Mons, Belgium.

 

Artistic Practice

Sylvie Bouchard began creating of in situ painting installations in the 1980s. These installations led to an interest in scenography, taking into account human scale and establishing proximity with the viewer. Her artistic practice is tied up with the role her work can play in the discursive space around fiction, history, architecture, theatre, the memory of sites and present-day climate change. For Bouchard, today’s climate upheaval makes our memory of sites associated with industrialisation and the environment resonate more eloquently.

 

Distraction, 2014, oil on linen, 32,5 x 52 cm

Photo : Louis Lussier

Artist’s website

Project

 Rassembler le regard is made up of three partitions set up in such a way as to create a viewing angle suggestive of an imaginary point of view. The project will play on the perception of spaces inspired by things found in the Charlevoix region which will become part of a more theatrical and fictive representation. The project includes iconographic elements of the landscape and more abstract forms (incongruous objects, statuettes, geometric forms and others). Like museum attendants, these elements appear to indicate where to look in the work. For visitors, the studio will take on the appearance of a working laboratory, enabling them to see the stages of preparing and producing the project. Rassembler le regard conveys a will to see and to reconsider the status of the image in relation to a cultural memory open to new paradigms.

Sebastian Mügge

Born in Bonn (Germany)

Lives and works in Umeå (Sweden)

 

Bio

Sebastian Mügge received his MFA from Umeå Academy of Fine Arts. His drawing and installation projects often result in site-specific pieces and have been exhibited at Kalmar Konstmuseum (Sweden), The Koppel Project (United Kingdom), Kuntsi Museum of Modern Art (Finland), 126 Gallery (Ireland), DAS ESSZIMMER (Germany), Villa de Bank (Netherlands) and Survival Kit (Latvia).

 

Approach

To explore complex societal issues with the help of sensual, voluminous and multifaceted pieces has been Sebastian Mügge’s main focus for the last years. His goal is to combine theoretical concerns with an exploration of the distinct possibilities of architecture and landscape. An outspoken social perspective with an examination of issues such as unleashed urbanism, gentrification and survival of rural spaces are present. In times of segregation that divide cities in poor neighbourhoods and wealthy gated communities, there is certainly a tremendous need of radical solutions for a more sustainable lifestyle. What can one learn from the mistakes of the past, how can one prevent horrific excesses in the future and what kind of role can art play in the discussion?

How to Get More Likes in God´s Own Country, 2017, charcoal, tape, site-specific wall drawing at Galleri Gotland (Visby, Sweden)

Artist’s website

Project

Turning the studio into an experimental laboratory and construction site, the intense process of consistent life-drawing sessions will result into an expanding, multifaceted drawing piece in various techniques that grows like an unstoppable virus which will conquer the entire space including the floor. Eventually a thought-provoking and complex metropolis on paper will arise. The artist aims to create a spatial site that will allow the audience to dive into the work as in an alternative universe. Mügge also wishes to explore both similarities and differences between Quebec and Sweden that share a comparable climate, landscape, mentality and cultural references. Universal issues like urbanization and the survival of rural spaces will be investigated and great contrasts will be explored in a humorous and playful manner.

Richard Cloutier

Born in Quebec (Quebec)

Lives and works in Saint-Tite-des-Caps (Quebec)

 

Biography

Richard Cloutier holds bachelor’s degrees in architecture and visual arts and a master’s degree in visual arts (2006) from Université Laval. He was one of the founding partners of Les Ateliers du Trois Cinquième. His work has been exhibited in Canada and the United States. Four of his paintings have been acquired by Loto-Québec for its collection.

 

Artistic Practice

For the past twenty years, Richard Cloutier has devoted himself to exploring painting by revisiting geometric abstraction through the prism of his work as an architect. Several successive layers are placed on a primary structure to construct the surface, like a vibrating material. In a play of improvised interventions, this work of superimposition contradicts or underscores, reinforces or negates, swallows up or reactivates what lies beneath it. Between what is built and what arises, between intention and accident, the artist has the opportunity to bring opposites face to face and to introduce duality, even a dialectic. For Cloutier, the world is read in planes and cross sections, in axonometry and perspectives. Our constructions generate memory and we all carry within us the spaces we inhabit.

The Small Outdoors (overview), 2018, Acrylic on wood, 40 x 30 cm each

Artist’s website

Project

The project consists of large-format paintings assembled in the form of an installation, part way between painting and inhabited architecture. The works will suggest chromatic atmospheres, structural main elements, recurring motifs and many-layered surface patinas created through construction techniques such as sanding, scraping, varnishing and nailing. Treated as both pictorial abstractions and architectural fragments, the works will be inspired by buildings associated with the everyday labour and the agriculture of Baie-Saint-Paul. From the perspective of a critical confrontation between theoretical preservation directives and the affective reality of the owners of these buildings, the artist wishes to bring together their family history, the pleasures and constraints associated with the occupation, and the maintenance of this built heritage.

 

Martha Townsend

Bio

Since she received a Bachelor of Fine Arts from the Nova Scotia College of Art and Design in 1978, Martha Townsend’s work has been shown in numerous Canadian museums and galleries. She has created several public art pieces, notably at the McGill University Health Centre and the Montreal Museum of Fine Arts.

 

Approach

In Martha Townsend’s work, material, form, and volume are combined to create a meditative environment. Her works consist of simple forms whose symmetrical geometry is soothing and easily grasped. Though circles and spheres have been abiding motifs throughout her art practice, squares and rectangular prisms have become increasingly present in recent works. The artist’s process has often involved the participation of skilled collaborators such as experts for cabinetry, building, and finishing to help embody her concepts. As a sculptor, she is interested in how materials and forms influence the public spaces we use and the personal ones we inhabit. For her, far from being mute, objects in the built environment speak to our senses and intellect and hold an impact on the quality of our experience.

Laminoir : Martha Townsend chez Molinari, 2018 (view of the installation amongst paintings by Molinari)

Project

The artist plans to make two cumulative works, both based on the simple form of the square in order to create an interior space that feels personal, enveloping, and conducive to reflection. Sculpture is perceived as the viewer walks around it; in this project, however, the art wraps around the viewer. Arranging the drawing and sculptures around the periphery of the space emphasizes the experience of containment. A number of 5-inch plywood cubes are disposed along a narrow shelf completely surrounding the studio and defining its perimeter. The other work is a two-dimensional mural composed of recycled paper squares. The method is much like piecing a quilt. This traditional women’s craft carries connotations of comfort and creativity while being useful and accessible.

Hua Jin

Born in China

Lives and works in Montreal (Quebec)

Bio

Hua Jin received her MFA at Concordia University and her BFA at Emily Carr University of Art & Design. She has exhibited in Canada, USA, China, Mexico and the Netherlands. Her works are collected by museums in Montreal andShanghai. Shereceived the first Cultural Diversity Award in Visual Arts from The Conseil des arts de Montréal.

 

Approach

Originally trained as an artist with a focus on photography, Hua Jin is interested in the subject of Nature and Landscape. As a Chinese-Canadian artist, her way of thinking is inherently rooted in Eastern culture. Like the Taoists, who are dedicated to contemplating nature to gain wisdom and philosophical insights, the process and the purpose of her artistic practice is to achieve the same state of contemplation. The artist’s recent projects contemplate the evanescent quality of existence. From the perspectives of culture, history, geography, anthropology, and philosophy, her artistic practices aim to study Nature, to observe and document change, to trace the passing of time, to contemplate the cycle of life and death and ultimately to achieve the wisdom of understanding.

The Trees Want to Remain Quiet, But The Wind Won’t Stop, 2017, 8-channel video installation, videos on loop

Artist’s website

Project

A three-dimensional, interactive and playful installation work will be made of beads, the material from First Nations culture. By arranging the beads with different colours, the artist wishes to picture the images of local landscapes of Baie-Saint-Paul on beaded curtains. When people open the curtain, the movement disturbs the still images of nature. No matter how many times the passer disturbs the order of the image, the image of Nature will eventually calm down and returns to its origin. The dynamics of shaping and un-shaping the natural images suggests the constant changes and exchanges between yin and yang. This project addresses the question of inventing a new model for bringing together art, architecture, landscape and environment. Its aesthetic will be transparent, light, poetic and rhythmic.

Gillian Dykeman

Born in Saint-John’s (New Brunswick)

Lives and works in Fredericton (New Brunswick)

Bio

Gillian Dykeman’s work spans mediums and disciplines such as performance, sculpture, video, sound, installation, and art criticism. She has a Masters in Visual Culture from the University of Toronto, and a Bachelor of Fine Arts from NSCAD. Dykeman is an instructor in Foundation Visual Arts and Advanced Studio Practice at the New Brunswick College of Craft and Design.

 

Approach

Gillian Dykeman’s art has grown out of a personal connection to the act of chopping wood, a fascination with dark forests, her feminist politics, and an interest in both critiquing extraction technologies while positing ecologically sound alternatives. She is deeply concerned about the way extraction technologies are shaping our planet. The land is a witness and a sensitive surface, hosting strata of love, suffering, and ideological impulses. The practice of small woodlot operations has piqued her interest as an alternative proposition for resource sharing. These operators work through principles of renewal and sustainable harvest, create a high-quality wood product (more likely to be used in the making of furniture), and encourage biodiversity. Could we connect with this process and would it deepen our relationship to the forest?

Dispatches from the Feminist Utopian Future, 2016, video still

Artist’s website

Project

The artist is proposing to create a large-scale installation and durational performance work entitled Appetite. It engages the tradition of land art/earthworks but is instead ephemeral and tied to human survival cycles. This sculpture will take the form of a spiral, in particular emulating the shape of theSpiral Jetty. This work is at once a homage and critique directed at industrial-scale earthworks which treated vast areas of colonized land as tabula rasa. Her alternative spiral will instead dissolve as firewood. It endeavours to facilitate a dialogue around extraction industries and the tension between seeking to become stewards of the Earth and our shared ecology while also needing to eat, stay warm, and survive.

Georges Audet

Born in Jonquière (Quebec)

Lives and works in Montreal (Quebec)

Biography

Georges Audet holds a bachelor’s degree in architecture from Université Laval (1982). He has created a monumental mosaic for a primary school (2012) under the program to include artworks in architectural projects. His work has been exhibited at various venues in Quebec and in Europe, and he has taken up several artist residencies, particularly in Basel, Espoo/Helsinki and Rome.

 

Artistic Practice

Georges Audet explores and depicts the world of tales, legends and archetypes, as well as that of imaginary, uncertain and paradoxical architecture and topography. His artworks reveal and express a play of constructing and deconstructing forms and materials. His work is like a ritual, a trajectory at the end of which the material and spatial world is renewed and transformed. His process is one of the collection and transmutation of elements found in various milieux and environments he frequents or visits, elements which are called upon to undergo a number of manipulations and transformations. The result is a displacement, a surpassing, of their original forms or functions. In this way reality asserts itself differently: it connects us with an experience of enchantment.

The British School in Rome, 2015, installation, paper bricks, ink on paper (maps)

Artist’s website

Project

Georges Audet wishes to create an installation around the idea of the “site” with respect to the particular socio-geographical environment of the Charlevoix region: one that brings out threads and traces, motifs and structures. The installation will be based on an organic, dynamic and evolving topography/cartography: the flat and the craggy, individual and collective openness and turning inwardness. The work will consist of a two- and three-dimensional ensemble bringing together sculptures or objects made out of materials or elements used or cast out in ordinary, everyday life (things put out for recycling, trash). These materials will be assembled so as to create pieces on the theme of familiar and domestic objects. Here the object will take on a metaphorical, emblematic or symbolic dimension in which the familiar exists alongside the improbable and the everyday alongside the spectacular.

Erica Stoller

Born in New York (USA)

Lives and work in Rye, New York (USA)

 

Bio

Over time Erica Stoller’s two-dimensional paintings were bent, folded and moved right off the wall. Her recent work refers to the suspended d cables of the ever-present communication network. Industrial elements are repurposed into colourful hanging pieces, installed with consideration of the surroundings, indoors or out.

 

Approach

Erica Stoller has been paying close attention to the wires and cables from telephone pole to electrical pole, our ever-present roadside companions. Her new sculpture reflects these basic elements in configurations that include loops, knots, tangles, the confusions and bypasses that indicate repairs. For a number of years, she has built sculptures of repurposed industrial materials. These include plastic plumbing pipes, foam pipe insulation, cord, foam and rubber tubing, metal bead chain or window sash chain, wire cable, and other simple hardware connectors. Durable, colourful elements are used in simple, forthright manner. Nothing is hidden. The selected elements are assembled in an informal, unplanned manner. In many cases, the suspended sculptural pieces have moved off the wall and into three-dimensional space, hanging from and between walls.

Blue Tubes (détail) , 2017, mixed media, 50 x 240 x 100 cm

Artist’s website

Subject: Erica Stoller portrait 2007; Location: Mamaroneck NY; estoitem 2007SO01; New York.

Project

Her sculpture speaks to the conjunction of art and the built environment with reference to wires and communication cables. Running from pole to pole, the cables are essential for the transmission of power and information. They are vital and are in plain sight, yet they remain a nearly invisible part of the landscape. While the work is made of impersonal industrial materials and elements, the selection and assembly bear the mark of decision-making and handwork. One might see this as comparable to calligraphy or to map making – incremental, little by little, hand crafted, yet industrial and functional, with individual elements creating the whole. The artwork also points out how peculiar it is that these aggressive structures are so rarely noticed… until service is interrupted.

Denis Lanteigne

Born in Tracadie (New Brunswick)

Lives and works in Caraquet (New Brunswick)

Biography

Denis Lanteigne entered the Collège de Bathurst in 1973, where he studied graphic art, sculpture and photography. After working in advertising for a few years in Caraquet, he settled in Montreal in 1982. In 2003, he opened a studio in Caraquet, where he works on a variety of sculptural and photographic projects. He has been making outdoor installations since 2011.

 

Artistic Practice

Denis Lanteigne has been making ephemeral outdoor installations since 2011 in a field he owns on the main street of Caraquet. Thematically and in their manner of fabrication, some of his installations concern architecture. For his two most recent works, Lanteigne has used primarily wood, which he limes like paint. In the olden days people would limewash their farm buildings or fish storeroom because of its absorbent properties. Lime creates a velvety, chalky surface whose whiteness is a part of the visual memory of coastal villages. For Lanteigne, an architectural work is successful when it stands out for its originality and boldness, as long as it is in harmony with the landscape in which it is set.

Monter aux cieux, 2017, mixed materials

Artist’s website

Project

Denis Lanteigne will create an architectural project entitled La maison de Molinari. He will build a simple triangular structure with a roof attached to a platform, mounted on four columns. Its proportions will respect the golden ratio, widely used in bygone architecture. The work will be built with rough, unplaned boards, found in local watermills. Each plank will be limewashed in different bright colours on each side. The building will become the symbolic representation of a home or practical building. But it will also be a three-dimensional painting inspired by the work of Molinari, whose remarkable abstract paintings were simple yet highly complex and powerful by virtue of the effect produced by the interaction of their coloured bands.

Béchard Hudon

Born in Sept-Îles (Quebec) / Born in Saint-Jérome (Quebec)

Live and work in Montreal (Quebec)

Biography

Over the past few years, work by Béchard-Hudon has been exhibited at the Biennale nationale de sculpture contemporaine in Trois-Rivières, the International Digital Art Biennial, the Quebec Digital Art in NYC event in Brooklyn, the Device Art triennial in Zagreb and the National Museum of China.

 

Artistic Practice

Catherine Béchard and Sabin Hudon have worked together since 1999. They explore the acoustic potential of diverse objects and the sounds arising from ordinary activities and natural environments. The duo develops perfomative pieces out of selected materials and objects which generate living aural situations, creating spaces conducive to listening with an ear to dialogue with the visual. Silence also plays a leading role in their work. Sound and silence are the two poles of a single body, inseparable from and constantly in tune with one another. Silence is the interval which (re-)activates our attention to the world around us. Ausculter les espaces continues their explorations of gaps, in-between spaces, subtle temporal variations and the imperceptible.

La singularité du banal, 2018, sound installation, aluminum, wood door, corrugated sheet metal, plexiglas, glass shower door, transducers, amplifiers, audio interface, electronics, 400 x 400 x 350 cm.

Artist’s website

Project

With Ausculter les espaces, the artists explore the acoustic resonance of different architectures. Using micro-contacts and geophones, the duo records the vibrations caused by human activity or by the natural elements. Places hold specific acoustic impressions inherent to their surface and their materiality. A sculpture will also be created; in it we will hear an acoustic micro-world made up of fine noises, humming sounds and a variety of tones. Béchard and Hudon wish to share a listening experience of what makes Baie-Saint-Paul and its surroundings distinct. The acoustic realm is an important element of our relations with the world and carries with it a multitude of phenomena imperceptible to our ears which are constantly playing out unbeknownst to us.

Anne Ardouin

Born in Quebec City

Lives and works in Quebec City (Quebec)

Biography

The visual artist, filmmaker and scholar Anne Ardouin has carried out numerous scholarly and poetic projects which address the relations between humans and their environment, their landscape and their imaginary realms. She holds a Ph.D. in city planning (UdeM), a master’s degree in visual arts (Concordia), and a bachelor’s degree in visual arts and a certificate in cinema studies (Laval). She is an associate member of the Chaire en paysage et environnement (UdeM).

 

Artistic Practice

Much of Anne Ardouin’s work, in both cultural outreach and her scholarship, has taken place in schools where she investigates the connections between young people and the region by exploring the landscape elements they depict in their own creative work. She has established a hybrid work method to grasp, in elements of the video creation process, what pertains to nature and what pertains to society. It has emerged that enjoyment of places is manifested through close connection with ephemeral elements, with the weather and the colour of the sky, but especially with one’s home and immediate surroundings, as a kind of theatre where landscape sensibilities develop. In her research, Ardouin has also worked with several First Nations communities in Quebec.

Marcher sur le rivage d’automne à Baie-Saint-Paul  Photo : Anne Ardouin

Artist’s website

Project

In 1977, a text by Luc Bureau entitled “Des paysages, des idées et des hommes: le projet collectif de Charlevoix” appeared in Cahiers de géographie du Québec. Anne Ardouin’s project rereads this text’s four concepts (identification, modelling, signification, affectivity) by gauging them in the micro-region of Baie-Saint-Paul and its surroundings in the company of children and teenagers. The project will consist in creating a series of photographs made up of fifteen portraits and short narratives of the young participants in front of sites of interest to them in Baie-Saint-Paul, as well as a series of sketches which Ardouin will make of these valorised sites. She will also write short stories illustrating what comes out of explorations, strolls and syntheses.

Ann Karine Bourdeau Leduc

Born in Pointe-Claire, Quebec

Lives and works in Montreal, Quebec

 

Biography

Ann Karine Bourdeau Leduc holds a bachelor’s degree in visual and media art from UQAM (2016). The winner of the Albert Dumouchel award from young artists in 2015, she has carried out artistic residencies at the Bòlit Centre d’Art Contemporani in Girona, Catalonia, at Sagamie in Alma, Quebec, and at Imago in Moncton, New Brunswick. Her first solo exhibition, Structures temporaires: Unfinished wall work, was held at Engramme in Quebec City in April 2018.

 

Artistic Practice

Ann Karine Bourdeau Leduc’s installations depict architectural spaces and elements which draw from postmodernism through the juxtaposition and collage of architectural references. She takes up this artistic exploration through a blend of old and modern references within the same work. Employing materials and techniques derived from the fields of construction and renovation, her composite and incongruous assemblages create an interleaving of indoor and outdoor facings. These constructions depict incomplete architectural spaces, made up of manufactured materials such as wood and drywall and textures printed on paper. She frustrates building codes through the precariousness of the framework and the incongruous nature of her architectural compositions.

 

Pièces composantes, 2016, hardwood dowels, copper tees, inkjet printing on polypropylene, 183 x 152 x 25 cm

Artist’s website

Project

Ann Karine Bourdeau Leduc wishes to develop the project Il faut bâtir avec les roches que l’on a in the form of a laboratory. Her in situ installation brings together drawings and constructions of architectural elements made out of drywall. She wishes to draw on clapboard facings, rooftops with garrets, decorative window frames, decorative brickwork around windows and other elements to carry out her project. This ephemeral construction will be guided by the site. Through its drawings, the viewer will discover an incongruous quality by means of the juxtaposition of architectural references and of multiple vanishing points, a near absence of perspective and inconsistent scales. Nothing will be functional in the proper architectural sense; rather, the artist will propose an archetypal vision of architecture.

Hua Jin le Coup de cœur du public

Le prix Coup de cœur du public, présenté par le Casino de Charlevoix

Bravo à Hua Jin, Coup de Coeur du public et récipiendaire de la bourse de 3000$ remise par le Casino de Charlevoix, présentateur du 37e Symposium

Achetez vos billets pour le spectacle d’Émile Proulx-Cloutier

Le dimanche 25 août, 19h00

Spectacle de clôture Au cœur des Cités grises avec Émile Proulx-Cloutier 

Les chansons d’Émile Proulx-Cloutier se vivent comme des contes, des petits films, des vols express au cœur de personnages plus grands que nature (des enfants, des vieux, des femmes, des fous…). À travers eux, l’acteur-chanteur-raconteur se révèle. Ses mots nous invitent à voyager de la tragédie à la rigolade, du chaos des villes au souffle de la mer.

Billets en vente au MACBSP et sur Le point de vente.com au coût de 25$

Jean-Pierre Chupin

Samedi 17 août 16h30

Burning man : ou éteindre l’utopie 

Jean-Pierre Chupin, Phd, est professeur titulaire à l’École d’architecture de l’Université de Montréal et codirecteur du Laboratoire d’étude de l’architecture potentielle (Leap).Il prononcera une conférence sur Black Rock City qui offre, a priori, l’image la plus récurrente d’une cité utopique postmoderne.

Pierre Thibault Porte-parole du 37e Symposium

Merci à Pierre Thibault pour le touchant témoignage de son attachement à la beauté lors de sa conférence du 15 août.
Un moment fort du 37e Symposium!

Et si la beauté rendait heureux

Professeur à l’école d’architecture de l’Université Laval et architecte réputé, Pierre Thibault croit en une démarche de conception qui place en interaction constante l’être humain et le territoire à habiter, qu’il soit naturel ou urbain. Pierre Thibault est le porte-parole de cette 37e édition du Symposium.

Catherine Bolduc

Samedi 10 août 16h30

Rencontre avec Catherine Bolduc

Catherine Bolduc s’intéresse à la manière dont la psyché perçoit et construit la réalité en y projetant ses propres désirs, en la transgressant par la fabrication de fictions.  Elle compte plusieurs expositions au Canada et à l’étranger et a réalisé plusieurs œuvres publiques dont Les Généreuses inaugurée, en 2019, au Nouvel Institut d’Hôtellerie à Longueuil.

Georges Adamczyk

Samedi 3 août 16h30

Ce que l’art fait à l’architecture – 

Musique, danse, littérature, cinéma, peinture, sculpture, arts visuels sont souvent sources d’inspiration, d’émulation et parfois d’imitation pour la création en architecture.

Georges Adamczyk est professeur à l’École d’architecture de l’Université de Montréal. Il en a été le directeur (1999-2007). Il est chercheur au Laboratoire d’étude de l’architecture potentielle (Leap).

Du cinéma de qualité

Jeudi 1er août, 20h : Brasilia : Life after Design. Documentaire, Canada, 2017, 88 minutes. Réalisateur Bart Simpson.

Jeudi 8 août, 20h: Elevated Thinking: The Highline in New York City, Documentaire, États-Unis, 2014, 56min-50sec.

Jeudi 15 août 20h : La modernité indienne – l’Architecture de Raj Rewal. Documentaire, France, 2017, 96 min. Réalisateur Manu Rewal.

Jeudi 22 août, 20h : Anthropocène, l’Époque humaine. Documentaire, Canada, 2018, 1h27 min.

Réalisateurs : Jennifer Baichwal, Edward Burtinsky, Nicholas de Pencier.

Diffusion en continu

Présentation spéciale

My Summer 77 with Gordon Matta-Clark, États-Unis, 1977, 30 minutes.

Réalisatrice : Cherica Convents.

 

Le 16 août à 20h première charlevoisienne du film La fille du cratère précédée d’un hommage à Yolande Simard-Perreault, décédée en juillet 2019.

Documentaire, Canada, 2019, 76 min.

Réalisateurs Nadine Beaudet, Danic Champoux

Du cinéma de qualité

Linda Covit – Présidente d’Honneur

Le Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul est très heureux d’accueillir l’artiste Linda Covit, à titre de Présidente d’honneur, pour son édition Art, architecture, paysage et environnement.

Les œuvres de Linda Covit figurent dans les collections du Musée d‘art contemporain de Montréal, du Musée national des beaux-arts du Québec, du Cirque du Soleil, du Musée de Lachine, de la Koffler Gallery, de l’Université Concordia, et de Maurice A. Forget.

Parmi ses nombreuses œuvres d’art public figurent, notamment, un cadeau offert par le gouvernement du Québec à la province de Shandong, en Chine ; une installation au parc du Mont-Royal, Montréal, commémorant le bed-in Lennon-Ono de 1969 (prix Aménagement 2012 du réseau Les Arts et la Ville ; prix de Citation régionale 2012 de l’AAPC) ; et quatre espaces jardin pour le Shangri La Botanical Gardens and Nature Center à Orange, au Texas (Prix d’honneur ASLA, 2012). Sa sculpture monumentale pour le Centre universitaire de santé McGill, à Montréal, a remporté le prix de la catégorie soins de santé des CODAawards 2017.

DÉMARCHE ARTISTIQUE

La réalisation d’installations de grande échelle pour l’espace public est au cœur de la pratique artistique de Linda Covit. Elle privilégie une approche explorant des zones chevauchant l’art, l’architecture et l’architecture de paysage. Ses concepts s’élaborent au fil d’une recherche étroitement liée à chacun des projets.

Son intérêt pour la conception d’œuvres répondant à un site réside dans le défi de conférer au lieu une signification nouvelle ou de mettre en valeur ce qui est déjà là; de poser un geste pouvant transformer un espace public en une expérience personnelle. L’échelle, la reconnaissance du regardeur, une relation harmonieuse entre le bâti et la nature sont au nombre des préoccupations principales de Covit.

Photo Marc Cramer

Linda Covit vit et travaille à Montréal. Elle détient un baccalauréat en sciences de l’Université McGill. Les nombreux voyages qu’elle a effectués au Japon, où elle a photographié temples, jardins et architectures contemporaines, ont eu une influence déterminante sur sa pratique. Elle compte nombre d’expositions personnelles collectives à son compte, au Canada, en Italie, au Japon et à New York.

Sylvie Lacerte, Le Temps et Les Choses / 38e Symposium

38e édition du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul
Thématique 2020

Le temps et les choses

« Si l’on conçoit des expositions avec des idées, de l’imagination, des souvenirs, de la volonté ou du vouloir, des intentions plus ou moins manifestes, de petites et grandes utopies, une somme de propositions et une variété d’attitudes artistiques, on ne les construit jamais qu’avec de l’espace et un bon tempo. La bonne distance entre les choses et le temps , alloués à leur réception, et nécessaire à leur compréhension, semblent être deux données fondamentales qui entrent dans l’élaboration d’une exposition [ou d’un symposium] d’art contemporain. »

Le temps et les choses paraphrase l’ouvrage de Michel Foucault, Les mots et les choses, qui conserve toute son actualité cinquante-quatre ans après sa parution en 1966. Dans ce texte fondateur, Foucault a élaboré un précepte sur l’origine des périodes historiques en Occident, de la Renaissance à notre ère. Le philosophe et historien avançait que les cycles de l’histoire ne se découpaient pas en tranches nettes et finies dans la ligne du temps chronologique, qu’ils ne se terminaient pas de façon abrupte d’une ère à l’autre, mais plutôt, qu’un chevauchement s’insinuait, tel un palimpseste temporel suscitant une transition progressive se déroulant sur une durée de 50 à plus de 100 ans.

À l’instar de Les mots et les choses, Le temps et les choses pourrait évoquer de manière imagée l’entrelacement des genres et des disciplines d’aujourd’hui en arts visuels. Par exemple, au début du 20e siècle deux mouvements concurrents des avant-gardes se côtoyaient en parcourant chacun leur chemin parallèle et de façon parfois poreuse : les « duchampiens » (ready-mades, dada, surréalistes, etc.), ancêtres des artistes contemporains, et les modernes (Cézanne, Picasso, jusqu’à Jackson Pollock ou les Automatistes ici). Ce chevauchement illustre parfaitement ce dont Foucault nous entretenait dans son ouvrage ; deux tendances concurrentes dans une même ère historique qui se superposent. Dès le début du 20e siècle et jusqu’à maintenant, les artistes ont poursuivi leurs itinéraires respectifs à travers dissensions ou associations de courants, de médiums, de disciplines et d’esthétiques.
Nous vivons actuellement une période charnière de l’histoire de l’art. Les canons de l’art traversent une mutation sans précédent qui engage des pratiques numériques et des démarches non-occidentales. Les pratiques se métissent et s’entrecroisent ou s’approprient les unes les autres, non sans frictions et questionnements ontologiques.
Pourquoi ne pas transposer le modèle foucaldien aux cultures autres qu’occidentales ? Nous pourrions extrapoler la définition de Foucault en y incluant le temps et les choses des pratiques artistiques de diverses cultures à l’échelle de la planète, dont celles des premiers peuples des Amériques.

L’art est un travail du temps, sur le temps. En anglais, l’expression Time Based Media définit la vidéo, le cinéma, la performance, le spoken word, les arts médiatiques et numériques, de même que les arts de la scène, les arts de l’éphémère. Dans les disciplines plus « concrètes » et pérennes comme la peinture, le dessin, la sculpture et l’installation, le processus de création jusqu’à l’œuvre achevée est aussi affaire de temps. Le temps est une denrée rare et finie. Tempus fugit, les temps courent, nous sommes pressés par les échéances et par les calendriers d’une vie trépidante et agitée. Une vie où les conflits publics et privés sont incessants et où la mort guette constamment ; une vie où les maladies se tiennent à l’affut malgré les progrès de la science. Nous devenons chronophobes craignant de manquer de temps pour tout accomplir, faire les choses, pour ne pas oublier, pour pouvoir observer la prochaine génération qui pourrait sauver le monde des catastrophes annoncées.
Pour cette dernière année de mon mandat à la direction artistique, pourquoi ne pas fusionner courants et disciplines de l’art contemporain, pourquoi ne pas envisager de jouer avec le temps et les choses où, les artistes en dialogue avec les visiteurs, échafauderaient cet enjambement de périodes historiques et des objets de l’art, à travers le work-in-progress que symbolise le Symposium.

Dans cette édition 2020, nous rendrons hommage à la mémoire de Jean-Claude Rochefort, critique d’art, galeriste et artiste, disparu tragiquement il y a dix ans cette année. Natif de Saint-Hilarion, Jean-Claude avait rédigé une thèse de doctorat, intitulée Ruines et météores, faisant foi de son attachement et de son amour pour la région de Charlevoix, mais aussi de sa passion pour l’art hors des sentiers battus. Il présentait dans cet ouvrage immense, rigoureux et poétique, la preuve que l’art peut faire bouger les montagnes et le paysage, insérés au creux de l’Astroblème de Charlevoix. Ce sont quatre-cent-millions d’années qu’il réinterprétait à travers un parcours en art contemporain, avec l’apport du temps et des choses de l’art et de la nature.

Toutes les disciplines des arts visuels et médiatiques sont les bienvenues. Voici, parmi d’autres, des sujets ou objets (choses) pouvant être conjugués au projet :

1. Le temps et les choses pourrait-il nous ramener au dispositif des Cabinets de curiosités quelques soient les périodes historiques ou les cultures ?
a. En version « physique »;
b. En version 3.0 ou numérique.

2. Le temps et les choses, entendu comme une référence au quotidien, qui fuit trop souvent entre nos doigts.
a. Nous accumulons les choses, mais nous n’avons jamais assez de temps, ou bien nous perdons notre temps.

3. Inventer un modèle pour une ontologie de l’art, inclusive de toutes les cultures, vers la création de nouveaux canons.
– Discuter et démêler les concepts de métissages et d’appropriation artistiques et culturelles.

4. Illustrer ce que pourrait signifier un palimpseste de différentes périodes historiques en art.
a. Littéralement créer des couches ou des strates représentant différentes ères historiques en art, mais avec un œil du 21e siècle.

5. Utiliser les archives visuelles ou textuelles, comme matériau pour créer une trame narrative. Les archives, sont les choses et l’essence de la mémoire du temps

Sylvie Lacerte, Ph. D
Directrice artistique, SIACBSP

8 août 2019

Photo Jules Cloutier Lacerte

Bio

Historienne de l’art et des musées, Sylvie Lacerte est l’auteure de La médiation de l’art contemporain (2007), tirée de sa thèse de doctorat. Elle fut co-commissaire, avec Nathalie Bondil, directrice et conservatrice en chef du MBAM, de La Balade pour la Paix, en 2017. Commissaire indépendante, critique d’art, conférencière, auteure et enseignante (UQAM, McGill et Université Laval), Sylvie Lacerte a occupé divers postes dont celui de Spécialiste des arts visuels pour la politique d’intégration des arts à l’architecture du Gouvernement du Québec. L’édition 2019 du Symposium est sa deuxième à titre de Directrice artistique.

Sylvie Bouchard

Née à Montréal (Québec)

Vit et travaille à Montréal (Québec)

Démarche

Sylvie Bouchard a amorcé sa pratique dans les années 1980 avec la création d’installations picturales in situ. Ces installations lui ont permis de développer un intérêt pour la scénographie prenant en compte l’échelle humaine et instaurant une certaine proximité avec le spectateur. La démarche de l’artiste est liée au rôle que ses projets peuvent jouer dans la création d’un espace discursif autour de la fiction, de l’histoire, de l’architecture, du théâtre et de la mémoire des lieux et des changements climatiques actuels. Pour Sylvie Bouchard, les bouleversements climatiques actuels font résonner de façon plus éloquente la mémoire des lieux en lien avec l’industrialisation et l’environnement.

Projet

Rassembler le regard comporte trois partitions murales fixées de façon à créer un angle de vision suggérant un point de vue imaginaire. Le projet jouera sur la perception d’espaces inspirés de vues et d’éléments rattachés à la région de Charlevoix, lesquels feront partie d’une représentation plus théâtrale et fictive. Le projet inclut des éléments iconographiques du paysage et des formes plus abstraites (objets incongrus, statuettes, formes géométriques…). Ceux-ci, tels des gardiens, semblent indiquer où regarder dans l’œuvre. L’atelier se présentera au visiteur comme un laboratoire de travail lui permettant de voir les étapes de préparation et de production du projet. Rassembler le regard traduit une volonté de voir et revoir le statut de l’image en relation avec une mémoire culturelle ouverte sur de nouveaux paradigmes.

Site web de l’artiste

Distraction, 2014, huile sur toile de lin, 32,5 x 52 cm Photo : Louis Lussier

Photo Louis Lussier

Bio

Le travail de Sylvie Bouchard a fait l’objet d’expositions individuelles, notamment au Musée régional de Rimouski, à la Southern Alberta Art Gallery de Lethbridge et au Musée d’art contemporain de Montréal. Elle a participé à de nombreuses expositions collectives au Québec ainsi qu’au Musée des beaux-arts de l’Ontario, au Centre culturel canadien de Paris, à la Contemporary Art Gallery de Vancouver, au Musée des Augustins de Toulouse en France et au Musée des Beaux-Arts de Mons en Belgique.

Sebastian Mügge

Né à Bonn (Allemagne)

Vit et travaille à Umeå (Suède)

Démarche

Au cours des dernières années, Sebastian Mügge s’est principalement intéressé à l’exploration d’enjeux sociétaux complexes en réalisant des œuvres sensuelles, volumineuses et à multiples facettes. Son objectif est d’allier des préoccupations théoriques et l’étude des possibilités distinctes de l’architecture et du paysage. Son travail est marqué par un ancrage social affirmé et par un examen de questions comme l’urbanisme débridé, l’embourgeoisement et la survie des espaces ruraux. À une époque où la ségrégation divise les villes en quartiers pauvres et en riches communautés clôturées, il existe certainement un grand besoin de solutions radicales afin d’atteindre un mode de vie plus durable. Que peut-on apprendre des erreurs du passé, comment prévenir d’horribles abus à l’avenir et quelle sorte de rôle l’art peut-il jouer dans cette discussion ?

Projet

Transformant l’atelier en un laboratoire expérimental et un chantier de construction, le processus intense et continu de séances de dessin sur le vif résultera en une œuvre dessinée à multiples facettes, utilisant diverses techniques, qui prendra de l’expansion comme un virus conquérant tout l’espace, y compris le sol. Finalement, il en émergera une métropole sur papier stimulante et complexe. L’artiste vise à créer un site spatial qui permettra au public de plonger dans l’œuvre comme dans un univers parallèle. Mügge souhaite également explorer les similitudes aussi bien que les différences entre le Québec et la Suède puisqu’ils ont un climat, un paysage, une mentalité et des références culturelles semblables. Des enjeux universels comme l’urbanisation et la survie des espaces ruraux seront investigués et les grands contrastes seront explorés de manière humoristique et ludique.

Site web de l’artiste

How to Get More Likes in God´s Own Country, 2017, fusain, ruban adhésif, dessin mural in situ à la Galleri Gotland (Visby, Suède). Photo courtoise de l’artiste

SAMSUNG CSC

Bio

Sebastian Mügge détient une maîtrise en beaux-arts de l’Académie des beaux-arts d’Umeå. Ses projets en dessin et en installation prennent souvent la forme d’œuvres in situ et ont fait l’objet d’expositions au Kalmar Konstmuseum (Suède), au Koppel Project (Royaume-Uni), au Kuntsi Museum of Modern Art (Finlande), à la 126 Gallery (Irlande), à DAS ESSZIMMER (Allemagne), à la Villa de Bank (Pays-Bas) et à Survival Kit (Lettonie).

Richard Cloutier

Né à Québec (Québec)

Vit et travaille à Saint-Tite-des-Caps et à Québec (Québec)

Démarche

Depuis une vingtaine d’années, Richard Cloutier se consacre à une recherche picturale qui revisite l’abstraction géométrique à travers le prisme de sa pratique d’architecte. Sur une architecture première, de multiples couches successives se superposent construisant la surface, telle une matière vibrante. Ce travail de superposition contredit ou souligne, renforce ou nie, avale ou réactive ce qui est sous-jacent dans un jeu d’interventions improvisées. Entre ce qui se construit et ce qui survient, entre l’intention et l’accident, s’offre à l’artiste la possibilité de confronter des opposés, d’introduire une dualité, voire une dialectique. Pour Richard Cloutier, le monde se lit en plans et en coupes, en axonométrie et en perspectives. Nos constructions sont génératrices de mémoire et nous transportons en nous nos espaces habités.

Projet

Le projet se compose de tableaux grand format assemblés sous forme d’installation, à mi-chemin entre peinture et architecture habitée. Les œuvres suggèreront des atmosphères chromatiques, des lignes de force structurales, des motifs récurrents, des patines riches des nombreuses couches d’intervention sur la surface grâce à des techniques de construction telles que sablage, grattage, vernissage, clouage. Traitées à la fois comme des abstractions picturales et des fragments architecturaux, elles seront inspirées par les bâtiments associés au labeur quotidien et à l’agriculture de Baie-Saint-Paul. Dans une optique de confrontation critique entre les directives théoriques de conservation et la réalité affective vécue par les propriétaires de ces immeubles, l’artiste désire colliger leur histoire familiale, les plaisirs et les contraintes associées à l’occupation et à l’entretien de ce patrimoine bâti.

Site web de l’artiste

The Small Outdoors (vue d’ensemble), 2018, Acrylique sur bois, 40 x 30 cm chaque

Photo : Mike Carroll

Bio

Richard Cloutier est titulaire d’un baccalauréat en architecture, d’un baccalauréat en arts plastiques ainsi que d’une maîtrise en arts visuels (2006) de l’Université Laval. Il a été l’un des partenaires fondateurs des Ateliers du Trois Cinquième. Ses œuvres ont été présentées au Canada et aux États-Unis. Loto-Québec a ajouté à sa collection quatre tableaux de l’artiste

Martha Townsend

Née à Ottawa (Ontario)

Vit et travaille à Montréal (Québec)

Démarche

Dans l’œuvre de Martha Townsend, le matériau, la forme et le volume se combinent pour créer un environnement méditatif. Ses œuvres sont faites de formes simples dont la géométrie symétrique est apaisante et facile à comprendre. Même si les cercles et les sphères ont été des motifs récurrents dans sa pratique artistique, les carrés et les prismes rectangulaires sont devenus de plus en plus présents dans ses travaux récents. Le processus de l’artiste fait souvent appel à la participation de collaborateurs qualifiés, par exemple des experts en ébénisterie, en construction et en finition pour contribuer à incarner ses concepts. En tant que sculpteure, elle s’intéresse à la manière dont les matériaux et les formes influencent les lieux publics que nous utilisons et les espaces privés où nous habitons. Pour elle, loin d’être muets, les objets dans le cadre bâti interpellent nos sens et notre intellect, et ils ont un impact sur la qualité de notre expérience.

Projet

L’artiste compte réaliser deux œuvres cumulatives, toutes deux à partir de la forme simple du carré, de manière à créer un espace intérieur qui donne l’impression d’être personnel, enveloppant et propice à la réflexion. La sculpture est habituellement perçue au fur et à mesure des déplacements de la personne qui visite ; dans ce projet-ci, cependant, l’art s’enroule autour du visiteur. Organisant le dessin et les sculptures tout autour de l’espace accentue l’expérience d’être contenu. Plusieurs cubes en contreplaqué de 12,7 centimètres sont disposés le long d’une étroite tablette qui entoure complètement l’atelier et en définit le périmètre. La deuxième œuvre est une mural bidimensionnelle composée de carrés en papier recyclé. La méthode s’apparente à l’assemblage d’une courtepointe. Cet artisanat féminin traditionnel porte des connotations de confort et de créativité, tout en étant utile et accessible.

Laminoir: Martha Townsend chez Molinari, 2018 (vue de l’installation parmi des tableaux de Molinari)

Crédit photo: Guy L’Heureux

Photo Gabriel Townsend Darriau

Bio

Depuis l’obtention d’un baccalauréat en beaux-arts du Nova Scotia College of Art and Design en 1978, Martha Townsend a présenté ses œuvres à maintes reprises dans des musées et des galeries au Canada. Elle a réalisé plusieurs œuvres d’art public, notamment au Centre universitaire de santé McGill et au Musée des beaux-arts de Montréal

Hua Jin Coup de Coeur du Public

Née en Chine

Vit et travaille à Montréal (Québec)

Démarche

D’abord formée comme artiste avec une concentration en photographie, Hua Jin s’intéresse à la nature et au paysage comme sujets. En tant qu’artiste sino-canadienne, sa manière de penser est intrinsèquement enracinée dans la culture orientale. Comme les taoïstes qui se consacrent à la contemplation de la nature pour atteindre la sagesse et une perspective philosophique, le processus et l’objectif de sa pratique artistique sont d’en arriver au même état de contemplation. Les plus récents projets de l’artiste contemple la qualité évanescente de l’existence. Des points de vue de la culture, de l’histoire, de la géographie, de l’anthropologie et de la philosophie, ses pratiques artistiques visent à étudier la nature, à observer et à documenter le changement, à marquer le passage du temps, à contempler le cycle de la vie et de la mort et, ultimement, d’arriver à la sagesse de la compréhension.

Projet

Une installation tridimensionnelle, interactive et ludique se composera de perles, ce matériau issu de la culture des Premières Nations. En organisant des perles de différentes couleurs, l’artiste souhaite illustrer, sur des rideaux perlés, des images des paysages locaux de Baie-Saint-Paul. Quand les gens ouvrent le rideau, le mouvement brouille les images fixes de la nature. Peu importe le nombre de fois que le passant brouille l’ordre de l’image, l’image de la nature finira par se calmer et retournera à son origine. La dynamique consistant à former et à déformer les images naturelles sous-entend les changements et les échanges constants entre le yin et le yang. Ce projet aborde la question de l’invention d’un nouveau modèle pour réunir l’art, l’architecture, le paysage et l’environnement. Son esthétique sera transparente, légère, poétique et rythmique.

Bio

Hua Jin détient une maîtrise de l’Université Concordia et un baccalauréat en beaux-arts de l’Emily Carr University of Art & Design. Elle a présenté son travail dans des expositions au Canada, aux États-Unis, en Chine, au Mexique et aux Pays-Bas. Ses œuvres font partie de collections muséales à Montréal et à Shanghai. Elle a reçu le premier Prix de la diversité culturelle en arts visuels du Conseil des arts de Montréal

Site web de l’artiste

The Trees Want to Remain Quiet, But The Wind Won’t Stop, 2017, installation vidéo à 8 canaux, vidéos en boucle

Photo : Courtoisie de l’artiste

 

Bravo à Hua Jin, Coup de Coeur du public et récipiendaire de la bourse de 3000$ remise par le Casino de Charlevoix, présentateur du 37e Symposium.

 

 

 

Gillian Dykeman

Démarche

La démarche de Gillian Dykeman résulte d’un lien personnel avec le geste de couper du bois, d’une fascination pour les forêts sombres, de sa politique féministe et d’un intérêt pour la critique des technologies d’extraction tout en proposant des alternatives écologiquement sensées. La manière dont les technologies d’extraction sont en train de transformer notre planète la préoccupe énormément. Le sol est un témoin et une surface sensible, l’hôte de couches d’amour, de souffrance et d’élans idéologiques. La pratique de petites opérations de terre boisée a piqué sa curiosité comme proposition de nature différente favorisant le partage des ressources. Ces opérateurs travaillent à partir de principes de renouvellement et de récolte durable, créent un produit forestier de grande qualité (qui servira probablement à fabriquer des meubles) et encouragent la biodiversité. Pouvons-nous nous connecter avec ce processus et cette connexion approfondira-t-elle notre relation avec la forêt ?

Projet

L’artiste propose la création d’une œuvre, composée d’une installation à grande échelle et d’une performance de longue durée, intitulée Appetite. Elle renvoie à la tradition du land art et des earthworks, mais est éphémère et reliée aux cycles de survie humaine. La sculpture prendra la forme d’une spirale, imitant en particulier la forme de la Spiral Jetty. Cette œuvre est à la fois un hommage et une critique des earthworks à échelle industrielle qui ont traité de grandes zones de terre colonisée comme une tabula rasa. Sa spirale alternative se dissoudra plutôt sous forme de bois à brûler. Elle tente de favoriser un dialogue sur les industries d’extraction et sur la tension entre chercher à devenir les intendants de la Terre et d’une écologie de partage, tout en répondant au besoin de se nourrir, de rester au chaud et de survivre.

Site web de l’artiste

Dispatches from the Feminist Utopian Future, 2016, photogramme video

Photo : Courtoisie de l’artiste

Photo Jesse Boles

Bio

La pratique de Gillian Dykeman fait appel à divers médiums et disciplines comme la performance, la sculpture, la vidéo, le son, l’installation et la critique d’art. Elle détient une maîtrise en culture visuelle de l’Université de Toronto et un baccalauréat en beaux-arts du NSCAD. Dykeman enseigne au New Brunswick College of Craft and Design, dans les programmes Foundation Visual Arts et Advanced Studio Practice.

Georges Audet

Né à Jonquière (Québec)

Vit et travaille à Montréal (Québec)

Démarche

Georges Audet explore et représente l’univers des contes, des mythes, des archétypes, de même que celui des architectures et topographies imaginaires, incertaines et paradoxales. Les œuvres s’expriment et s’articulent comme des jeux de construction et de déconstruction des formes et de la matière. Son travail s’établit comme un rituel, un parcours au bout duquel se renouvelle et se transforme le monde matériel et spatial. Il s’agit d’un processus de collection et de transmutation d’éléments trouvés dans les divers milieux et environnements qu’il fréquente ou visite, et appelés à subir un ensemble de manipulations et de transformations. Il y a alors déplacement, dépassement des formes ou des fonctions d’origine. Le réel s’affirme ainsi autrement : il nous positionne en relation avec une expérience de l’enchantement.

Projet

L’artiste souhaite réaliser une installation autour de l’idée de « lieu », en référence à l’environnement sociogéographique particulier de Charlevoix : dégager des trames et des traces, des motifs et des structures. L’installation s’articule en une topographie/cartographie organique, dynamique et évolutive : le plat et l’escarpé, l’ouverture et le repli individuel et collectif. L’œuvre consistera en un ensemble bi- et tridimensionnel réunissant des sculptures ou objets fabriqués à partir de matières ou d’éléments utilisés ou rejetés dans la vie courante et quotidienne (éléments mis au recyclage, rebuts). Ces matériaux seront assemblés de façon à réaliser des pièces sur le thème des objets familiers et domestiques. L’objet prendra ici une dimension métaphorique, emblématique ou symbolique, le familier côtoyant l’improbable et le banal, le spectaculaire.

Site web de l’artiste

 

The British School Room in Rome, 2015, installation, briques de papier, encre sur papier (cartes géographiques)

Photo : Courtoisie de l’artiste

 

Bio

Georges Audet est bachelier en architecture de l’Université Laval (1982). Dans le cadre de la politique d’intégration des arts à l’architecture, il a réalisé une mosaïque monumentale pour une école primaire (2012) et a exposé ses œuvres à divers endroits au Québec et en Europe. Il a aussi fait plusieurs séjours à titre d’artiste en résidence, notamment à Bâle, à Espoo/Helsinki et à Rome.

Erica Stoller

Née à New York (États-Unis)

Vit et travaille à Rye, New York (États-Unis)

Démarche

Erica Stoller porte une attention particulière aux fils et aux câbles des poteaux téléphoniques aussi bien qu’électriques, nos omniprésents compagnons de route. Son nouveau travail en sculpture reflète ces éléments de base dans des configurations qui comprennent boucles, nœuds, entortillements, mélanges et détours indiquant des réparations. Depuis plusieurs années, elle construit des sculptures à partir de matériaux industriels réutilisés. Ceux-ci comprennent : tuyau, isolant mousse pour tuyau, corde, tuyau en mousse et caoutchouc, chaînette en métal ou pour châssis de fenêtre, fil métallique et autres simples raccords de quincaillerie. Des éléments colorés et durables sont utilisés de manière simple et directe. Rien n’est caché. Les éléments choisis sont assemblés de façon informelle, spontanée. Dans plusieurs cas, les œuvres sculpturales suspendues ont été déplacées du mur pour entrer dans l’espace tridimensionnel où elles vont d’un mur à l’autre.

Projet

Son œuvre traite de la rencontre de l’art et du cadre bâti avec des renvois aux fils métalliques et aux câbles de communication. Courant de poteau en poteau, les câbles sont essentiels pour la transmission de l’énergie et de l’information. Ils jouent un rôle vital et sont bien en vue, mais ils demeurent une partie presque invisible du paysage. Même si l’œuvre se compose de matériaux industriels et d’éléments impersonnels, la sélection et l’assemblage portent la marque de prises de décision et d’un travail manuel. On pourrait comparer cela à une approche calligraphique ou cartographique : progressive, graduelle, faite à la main, mais industrielle et fonctionnelle, avec des éléments individuels qui créent l’ensemble. L’œuvre signale aussi à quel point il est étrange que ces structures agressives soient si rarement remarquées… jusqu’à une interruption de service.

Site Web de l’artiste

Blue Tubes (détail) , 2017, technique mixte, 50 x 240 x 100 cm

 

Photo : Courtoisie de l’artiste

Photo Susan Oristaglio

Bio

Au fil du temps, les tableaux bidimensionnels d’Erica Stoller ont été courbés, pliés et carrément sortis du mur. Ses œuvres récentes renvoient aux câbles de réseau suspendus de l’omniprésent réseau de communication. Des éléments industriels sont réutilisés pour devenir des œuvres colorées en suspension, à l’intérieur ou à l’extérieur.

Denis Lanteigne

Né à Tracadie (Nouveau-Brunswick)

Vit et travaille à Caraquet (Nouveau-Brunswick)

Démarche

Depuis 2011, Denis Lanteigne construit à Caraquet des installations extérieures éphémères dans un champ qui lui appartient et qui longe la rue principale. Certaines des installations présentent une facture et une thématique portant sur l’architecture. Pour ses deux dernières œuvres, l’artiste utilise principalement du bois qu’il enduit de chaux comme peinture. Les anciens appliquaient de la chaux sur les bâtiments de ferme ou les entrepôts de pêcherie en raison de ses propriétés absorbantes. La chaux offre une surface veloutée calcaire et une blancheur qui fait partie de la mémoire visuelle le long des villages côtiers. Pour l’artiste, une œuvre architecturale est réussie lorsqu’elle se démarque par son originalité et son audace, dans la mesure où elle s’intègre harmonieusement au paysage qui l’accueille.

Projet

L’artiste propose un projet architectural intitulé La maison de Molinari. Il construira une structure triangulaire simple avec une toiture fixée à une plateforme, montée sur quatre piliers. Ses proportions respecteront le nombre d’or, largement utilisé en architecture ancienne. L’ensemble sera construit avec des planches rugueuses non planées, trouvées dans les moulins locaux, chaque planche étant enduite de chaux teintée de différentes couleurs vives en recto-verso. L’édifice deviendra la représentation symbolique d’une demeure ou d’un bâtiment utilitaire. Mais il sera aussi un tableau tridimensionnel, inspiré des œuvres de Molinari, peintre remarquable pour ses œuvres abstraites et simples, mais fort complexes et puissantes par l’effet produit par l’interaction des bandes chromatiques.

Site Web de l’artiste

Monter aux cieux, 2017, bois et chaux teintée

Photo : Courtoisie de l’artiste

Bio

Denis Lanteigne entre au Collège de Bathurst en 1973 où il poursuit des cours d’arts graphiques, de sculpture et de photographie. Après quelques années à Caraquet dans le domaine de la publicité, il s’installe à Montréal en 1982. En 2003, il ouvre un atelier à Caraquet et travaille à divers projets sculpturaux et photographiques. Il réalise des installations extérieures depuis 2011.

Béchard Hudon

Née à Sept-Îles (Québec)  /  Né à Saint-Jérôme (Québec)

Vivent et travaillent à Montréal

Démarche

Catherine Béchard et Sabin Hudon forment un duo d’artistes depuis 1999. Ils s’intéressent aux potentiels acoustiques d’objets divers, aux sonorités issues d’activités de la vie ordinaire ou d’environnements naturels. Le duo élabore des dispositifs performatifs à partir de matériaux et d’objets choisis qui génèrent des situations sonores vivantes, créant des espaces propices à l’écoute dans un souci de dialogue avec le visuel. Le silence occupe également une place prépondérante dans leur travail. Le son et le silence sont les deux pôles d’un même corps, inséparables l’un de l’autre et en constante résonance. Le silence est l’intervalle qui (ré)active notre attention au monde qui nous entoure. Ausculter les espaces s’inscrit dans leurs recherches qui s’attarde aux écarts, aux entre-espaces, aux variations subtiles du temps et à l’imperceptible.

Projet

Avec Ausculter les espaces, les artistes s’intéressent à la résonance acoustique de différentes architectures. À l’aide de microcontacts et de géophones, le duo enregistre les vibrations induites par les activités humaines ou par les éléments de la nature. Les lieux détiennent des empreintes acoustiques spécifiques inhérentes à leurs surfaces, à leurs matérialités. Une sculpture sera aussi réalisée ; nous y entendrons un micro-monde acoustique composé de bruits délicats, de bourdonnements et de tonalités variées. Béchard et Hudon désirent partager une expérience d’écoute de ce qui constitue les spécificités de Baie-Saint-Paul et de ses environs. L’acoustique représente un aspect important de notre relation au monde et elle comporte une multitude de phénomènes imperceptibles à l’oreille qui se jouent à notre insu en permanence.

Site web des artistes

La singularité du banal, 2018, installation sonore, aluminium, porte en bois, tôle ondulée, plexiglas, porte de douche en verre, transducteurs, amplificateurs, interface audio, électronique, 400 x 400 x 350 cm. 

Photo Béchard-Hudon

Bio

Au cours des dernières années, les œuvres de Béchard Hudon ont été vues à la Biennale nationale de sculpture contemporaine à Trois-Rivières, dans le cadre de la Biennale internationale d’art numérique, à Brooklyn dans le cadre de l’événement Québec Digital Art in NYC, à la triennale Device Art à Zagreb et au Musée national de Chine.

Anne Ardouin

Née à Québec

Vit et travaille à Québec (Québec)

Démarche

Une grande part des travaux d’Anne Ardouin, en médiation culturelle comme en recherche, s’est déroulée dans des écoles où elle investiguait les liens des jeunes au territoire en explorant les dimensions paysagères qu’ils représentaient dans leurs propres créations. L’artiste a mis en place une méthodologie hybride pour saisir, dans les éléments du processus de création vidéo, ce qui appartient à la nature ou à la société. Il en ressort que les appréciations des lieux se traduisent par des rapports intimes aux éléments éphémères, au temps, aux couleurs du ciel, mais surtout à la maison et ses alentours, sorte de théâtre où se développent les sensibilités paysagères. Aussi, dans le cadre de ses recherches, Ardouin a travaillé avec plusieurs communautés des Premières Nations du Québec.

Projet

En 1977, paraissait dans les Cahiers de géographie du Québec le texte de Luc Bureau intitulé « Des paysages, des idées et des hommes : le projet collectif de Charlevoix ». Le projet d’Anne Ardouin propose une relecture des quatre concepts de ce texte (identification, modélisation, signification, affectivité) en les jaugeant dans le micro-territoire de Baie-Saint-Paul et ses alentours en compagnie d’enfants et d’adolescents. Il consistera en la réalisation d’une série photographique composée d’une quinzaine de portraits et de courts récits des jeunes devant leurs lieux d’intérêts à Baie-Saint-Paul, ainsi qu’en une série de croquis que l’artiste fera sur ces sites valorisés. Elle écrira également des nouvelles illustrant ce qui ressort des explorations, des promenades et des synthèses.

Site web de l’artiste

Marcher sur le rivage d’automne à Baie-Saint-Paul  Photo : Anne Ardouin

Bio

Artiste en arts visuels, réalisatrice et chercheure, Anne Ardouin a mené de nombreux projets en élaborant une réflexion scientifique et poétique, portant sur les liens entre les humains et leurs environnements, leurs paysages, leurs imaginaires. Elle détient un doctorat en aménagement, Chaire en paysage et environnement, (UdM), une maîtrise en arts visuels, (Concordia), un baccalauréat en arts visuels et un certificat en études cinématographiques, (Laval).

Ann Karine Bourdeau Leduc

Née à Pointe-Claire (Québec)

Vit et travaille à Montréal (Québec)

Bio

Ann Karine Bourdeau Leduc détient un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’UQAM (2016). Lauréate du prix Albert-Dumouchel pour la relève artistique en 2015, elle a effectué des résidences de création au Bolìt Centre d’Art Contemporani de Girona (Catalogne), à Sagamie (Alma, Québec) et à Imago (Moncton, Nouveau-Brunswick). Elle a présenté sa première exposition individuelle, Structures temporaires : Unfinished wall work, à Engramme (Québec) en avril 2018.

Démarche

Les installations ’Ann Karine Bourdeau Leduc représentent des espaces et des éléments architecturaux qui s’inspirent du postmodernisme par la juxtaposition et le collage de références architecturales. Elle aborde cet angle de recherche par le mélange de références anciennes et modernes au sein d’une même œuvre. Convoquant des matériaux et des techniques issus des domaines de la construction et de la rénovation, ses assemblages composites et incongrus proposent un entremêlement de revêtements intérieurs et extérieurs. Ces constructions représentent des espaces architecturaux incomplets, composés de matériaux manufacturés, tels que le bois et le gypse, et de textures imprimées sur papier. L’artiste déjoue les codes du bâtiment par la précarité des charpentes et le caractère incongru de ses compositions architecturales.

Pièces Composantes, 2016, Matériaux mixtes

Photo: courtoisie de l’artiste

Projet

C’est sous la forme d’un laboratoire que l’artiste souhaite développer le projet Il faut bâtir avec les roches que l’on a. Son installation in situ regroupe des dessins et des constructions d’éléments architecturaux réalisés en gypse. Elle souhaite s’inspirer des revêtements de bardeaux, des toits mansardés, des chambranles, des jeux de briques qui entourent les fenêtres, entre autres, pour réaliser son projet. Celui-ci se veut une construction éphémère qui se laisse guider par le lieu. À travers ses dessins, on découvre un aspect incongru par la juxtaposition de références architecturales, par les points de fuite multiples, une quasi-absence de perspective et des échelles incohérentes. Rien n’est alors fonctionnel au sens propre de l’architecture, l’artiste proposant plutôt une vision archétypale de l’architecture.

Site web de l’artiste

Homepage

Conditions for participation

  • CONDITIONS FOR PARTICIPATION
    The Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul (MACBSP) is designated as the organization that manages the event entitled International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul. Twelve artists will be selected on the following basis : Six artists originating from the province of Québec, one of whom is from the Montmorency Charlevoix-Côte-Nord federal district, three Canadian artists, and three international artists. All projects are to be approved by the committee.
    The MACBSP agrees to:
    – Pay the amount of $4,500 CAD to cover the costs of the materials and copyright fee for the use of the artwork for promotional purposes (in two (2) separate payments).
    – Provide lodging.
    – Pay for round-trip transportation between the residence of the Artist and Baie-Saint-Paul.
    – Provide studio space on the site of the Symposium.
    The ARTIST agrees to:
    – Be present at the site five (5) days a week, Wednesday to Sunday, from 12 noon to 5PM, for the entire duration of the Symposium.
    – Create a work on site and to finish it by the conclusion of the Symposium.
    – Interact and converse with the visitors.
    – Participate in parallel activities.
    – Present his or her work at the “Encounters with the artist”.
    – Provide one’s own transportation during the stay in Baie-Saint-Paul.
    The selection comittee will choose the participants based on the quality of the projects and their relevance to the theme of the symposium. Files deemed incomplete will not be retained for consideration.
    The MACBSP may acquire for its collection one or several works, upon agreement with the artist, either in monetary terms (up to $1,000 CAN), or through the issuance of a tax credit, or a combination of both.

 

Information
Sandra Lavoie, Programming Assistant
418-435-3681
s.lavoie@macbsp.com
www.symposiumbsp.com

Conditions de participation au 37e Symposium

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Le Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul (MACBSP) est désigné comme étant l’organisme qui gère l’événement nommé Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul.

 

Douze dossiers seront retenus de la façon suivante : Six du Québec dont un du district fédéral Montmorency-Charlevoix-Côte-Nord, trois du Canada, trois de l’international. Tous les projets sont approuvés par le comité.

 

Le MACBSP s’engage à :

– Verser un cachet de 4500 $CAN incluant les matériaux et les droits d’auteur (payable en deux versements)

– Offrir l’hébergement

– Défrayer le transport aller-retour du lieu de résidence de l’artiste jusqu’à Baie-Saint-Paul.

– Fournir l’aménagement de l’espace/atelier sur le site du Symposium.

 

L’ARTISTE s’engage à :

– Être présent(e) sur le site 5 jours/semaine, soit du mercredi au dimanche de 12h à 17h et ce, pendant toute la durée du Symposium

– Réaliser une oeuvre sur place et la compléter pour la fin du Symposium.

– Interagir et échanger avec les visiteurs.

– Participer aux activités parallèles.

– Assurer son moyen de transport lors de son séjour à Baie-Saint-Paul.

 

Le comité de sélection choisira les participants en fonction de la qualité des projets et de sa relation avec le thème de l’édition. Tout dossier jugé incomplet ne sera pas considéré.

 

Le MACBSP pourra acquérir une ou plusieurs oeuvres pour sa collection, moyennant une entente avec l’artiste, soit sous forme monétaire (jusqu’à concurrence de 1000 $CAN), soit par l’émission d’un crédit d’impôt ou encore une combinaison des deux.

 

Pour information

Sandra Lavoie, adjointe exécutive à la programmation et aux opérations

418-435-3681

s.lavoie@macbsp.com

www.symposiumbsp.com

Communiqués

COMMUNIQUÉ DE PRESSE
Pour diffusion immédiate

37e Symposium
international
d’art contemp
orain
de Baie-Saint-Paul

Baie-Saint-Paul, le 8 juillet 2019 –   Le MACBSP vous convie du 26 juillet au 25 août 2019 à la 37e édition du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul (SIACBSP), qui se tiendra sous le thème « Art, architecture, paysage et environnement ». L’événement se déroulera pour une seconde année au Pavillon Jacques St-Gelais Tremblay du MACBSP. Ce site privilégié, acquis par le Musée en 2018, propose une expérience inédite aux artistes et aux visiteurs grâce à sa formule d’ateliers ouverts et de création en direct, éprouvée et unique au Canada.

Selon la directrice artistique Sylvie Lacerte, qui assure sa seconde conception de l’événement: « Pour sa 37e édition, le SIACBSP avance la thématique Art, architecture, paysage et environnement, qui se positionne naturellement dans le sillage des enjeux abordés lors de l’édition précédente: L’Art et le politique. […] L’idée principale étant d’offrir aux artistes une occasion de s’approprier la nouvelle maison du Symposium, avec comme objectif premier de réaliser des œuvres in situ. »

Cette thématique, large et actuelle, entend aborder des thèmes appartenant à des enjeux sociaux tels que l’environnement et l’appartenance du territoire aux communautés diverses, en plus de souligner les liens entre l’art et l’architecture.

Pendant un mois, treize artistes en résidence à Baie-Saint-Paul seront invités à créer une œuvre inspirée de ce thème dans leur atelier ouvert au public. Les artistes choisis pour cette 37e édition du Symposium proviennent du Québec, du Canada, des États-Unis et d’Europe. Anne ArdouinGeorges Audet, le duo Béchard HudonSylvie BouchardAnn Karine Bourdeau LeducRichard CloutierHua Jin (originaire de Chine) et Martha Townsend (originaire de l’Ontario) participeront en tant qu’artistes du Québec; Gillian Dykeman et Denis Lanteigne proviennent du Nouveau-Brunswick, Erica Stoller (originaire de New York) représente les États-Unis et finalement, Sebastian Mügge (originaire de l’Allemagne) provient de Suède.

Les artistes vous invitent à venir les rencontrer, les questionner, discuter avec eux au fil de la création. Les ateliers seront ouverts du mercredi au dimanche, de 12h à 17h. et des médiateurs artistiques offriront tout au long de la journée des visites commentées.

Pour compléter la programmation, Sylvie Lacerte et son équipe vous propose des présentations d’artiste et des conférences de divers invités en lien avec la thématique, en plus d’une sélection cinématographique de documentaires projetés sur place. Finalement, le 37e SIACBSP proposera également une version abrégée de l’exposition Inside/Outside: Images du TERRITOIRE dans la collection d’Artexte, en partenariat avec le centre d’exposition montréalais Artexte.

Le public est invité à participer à l’ouverture officielle, le vendredi 26 juillet 2019 à partir de 19h30.

Le Symposium prendra fin avec la visite commentée de la directrice artistique Sylvie Lacerte, le dimanche 25 août 2019 à partir de 14h. Suivra le spectacle de clôture offert par nul autre qu’Émile Proulx-Cloutier, auteur, compositeur et interprète, qui présentera son spectacle Au cœur des cités grises. Les billets sont en vente au coût de 25$ au MACBSP et à l’accueil du Symposium.

Nous vous invitons à consulter notre site internet symposiumbsp.com, et à vous abonner à nos pages Facebook et Instagram pour suivre quotidiennement les activités du Symposium. L’entrée unique au coût de 5$ donne accès au site du Symposium, à la visite des ateliers, et aux conférences et projections offertes dans la programmation de l’événement. À noter que les personne à mobilité réduite ont accès au rez-de-chaussée uniquement, et bénéficient d’une médiation artistique adaptées et personnalisées selon leurs besoins.

En parallèle, le MACBSP, producteur de l’événement, propose une programmation estivale autour de deux expositions d’artistes québécois majeurs: Le mur des rapaces de René Derouin, ainsi que l’exposition Quand la lumière s’éteint elle revient en noir, de Jacques HurtubiseIl sera possible pour les visiteurs de se procurer avec la formule d’entrée au musée un accès illimité au Symposium.

Bon Symposium!

37e Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul
Art, architecture, paysage et environnement

Du 26 juillet au 25 août 2019.
Du mercredi au dimanche, de 12h à 17h en présence des artistes.
Des guides assurent l’animation auprès du public,
de l’ouverture à la fermeture.

Pavillon Jacques St-Gelais Tremblay du MACBSP
27, rue Ambroise-Fafard, Baie-Saint-Paul

Billet: 5$

Appel à projets pour le 37e Symposium international d’art contemporain

(Baie-Saint-Paul le 20 septembre 2018) Le MACBSP lance un appel à projets afin de recruter les artistes qui participeront au 37e Symposium sous le thème Art, Architecture, Paysage & Environnement, du 26 juillet au 25 août 2019.

La directrice artistique du Symposium, Sylvie Lacerte explique ainsi la thématique de la prochaine édition « Le déplacement, en 2018, du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, vers l’École Thomas-Tremblay, a marqué un tournant important dans l’évolution de l’événement annuel devenu maintenant incontournable dans le paysage artistique québécois. Pour sa 37ème édition, le SIACBSP met de l’avant la thématique Art, architecture, paysage et environnement, sujet qui se positionne tout naturellement dans le sillage des enjeux abordés lors de l’édition précédente : L’Art et le politique.  Il est conséquent d’avoir de la suite dans les idées afin de tisser le fil d’Ariane qui puisse relier les éditions d’une même direction artistique.

Déjà, au début de mon mandat, en 2017, j’avais pressenti les enjeux de Art, architecture, paysage et environnement se dessiner. L’idée principale étant d’offrir aux artistes une occasion de s’approprier la nouvelle maison du Symposium, avec objectif premier de réaliser des œuvres in situ autant à l’intérieur de l’immeuble qu’hors-les-murs de l’École. Cela constituerait un geste, une impulsion artistique, politique et sociale, une « création collective », en quelque sorte, dans la communauté-même de Baie-Saint-Paul. Bien sûr, ce ne sera pas la première fois que des artistes investissent l’espace public avec des œuvres spécifiques à un site, mais de composer un objectif collectif tout en respectant les démarches individuelles de chacun représentera, à mon sens, un nouveau défi et une aventure des plus stimulantes. Une aventure qui s’éloigne des commandes du « complexe de l’art et de l’architecture »[1] L’Art, l’architecture, le paysage et l’environnement peuvent indéniablement illustrer la représentation du pouvoir, selon le contexte préconisé par les commanditaires. »

« Le succès de l’édition 2018 présentée pour la première fois à  l’école Thomas-Tremblay démontre bien que le Symposium attire des artistes de talent qui proposent une expérience exceptionnelle au public qui visite leur atelier. J’anticipe que les artistes seront nombreux à répondre à l’appel lancé par la directrice artistique Sylvie Lacerte » mentionne Martin Ouellet  le directeur général du MACBSP.

Le formulaire d’inscription, les indications pour la préparation des dossiers ainsi que les conditions de participation sont accessibles en ligne à l’adresse www.symposiumbsp.com.

Notez bien : La date limite pour le dépôt des dossiers est fixée au 15 novembre

 [1] Hal Foster (2011) The Art and Architecture Complex

Source :

Martin O

Responsable communication et  marketing

MACBSP

(418) 435-3681

communications@macbsp.com

 

Events Calendar

LAST WEEK TO VISIT THE SYMPOSIUM

Wednesday to Sunday, between 12 :00 pm and 5 :00 pm
The Artist Gabrielle Lajoie-Bergeron from La Malbaie arrived last week to join the other artists.

All activities are at the « Pavillon du MACBSP (Thomas-Tremblay school, behind the museum).

Wednesday – August 22
4 :30 pm

Presentation LIANNE HO in her workshop

Thursday – August 23
4:30 pm  
Presentation GABRIELLE LAJOIE-BERGERON
in her workshop
8:00 pm  
Film PROJECTION PERSEPOLIS
of Marjane Satrapi and Vincent Paronnaud
Animation   2007, France, 95 min.

Friday – August 24
4 :30 pm
Presentation EDDY FIRMIN & FRED LAFORGE
in their workshop

Saturday – August 25
4 :00 pm
Presentation of the winner of the Grant Jean-Claude Rochefort
FLORENCE-AGATHE DUBÉ-MOREAU

7 :30 pm   Film PROJECTION CE SILENCE QUI TUE
of Kim O’Bomsawin
Documentary 2017, Quebec, 70 min
Discussion with the director following the screening

Sunday the closing of the Symposium – August 26
2:00 pm 
GUIDED TOUR with
Sylvie Lacerte, Artistic Director, shares her views of the works the artists have produced during the four weeks of the Symposium.

5 :00 pm
CLOSING SHOW
Nathasha Kanapé Fontaine
“Bleuets et abricots”

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Calendrier du Symposium

DERNIÈRE SEMAINE POUR VISITER LE SYMPOSIUM 

Du mercredi au dimanche, entre 12h et 17h, les ateliers en présence des artistes, sont ouverts au public.
L’artiste Gabrielle Lajoie-Bergeron originaire de La Malbaie, s’est ajoutée aux artistes présents.

Toutes les activités se font au Pavillon du MACBSP (école Thomas-Tremblay, située derrière le musée).

Mercredi – 22 août
16h30 
Présentation LIANNE HO dans son atelier

Jeudi – 23 août
16h30   
Présentation GABRIELLE LAJOIE-BERGERON
dans son atelier
20h 
PROJECTION du film PERSEPOLIS
de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud
Dessin animé / Animation   2007, France, 95 min.

Vendredi – 24 août
16h30

Présentation EDDY FIRMIN & FRED LAFORGE
dans leur atelier

Samedi – 25 août
16h
Lauréate de la bourse Jean-Claude Rochefort
FLORENCE-AGATHE DUBÉ-MOREAU

19h30   PROJECTION du film CE SILENCE QUI TUE
de Kim O’Bomsawin
Documentaire 2017, Québec, 70 min
Discussion après, avec la réalisatrice

Dimanche de clôture – 26 août
14h 
VISITE COMMENTÉE
Sylvie Lacerte, directrice artistiquepartage sa vision du travail des artistes

17h
SPECTACLE DE CLÔTURE
Nathasha Kanapé Fontaine
“Bleuets et abricots”

Téléchargez ou ouvrir le calendrier ici

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Movie Inch’Allah, Thursday August 2 at 8:00 pm

The Symposium is proud to collaborate with Les Filmanthropes to present on Thursdays at 8:00 P.M. a selection of movies in relation with the 36th Symposium’s theme: Art & Politics

Thursday August 2, at 8:00 pm.

Inch’Allah

Director: Anaïs Barbeau-Lavalette

2012

Quebec/France

 

Chloé, a Quebecois obstetrician, lives in Israel but works in a nearby Palestinian camp. She makes friends with her neighbour Ava, an Israeli soldier who works as a border guard, and also with Rand, a pregnant Palestinian woman who visits the clinic where Chloé works. She becomes close to Rand and her family, and she spends time with them. While suicide attempts in Israel and army retaliations are increasing, tensions on the border mount. For Chloé, the situation becomes unbearable.

Duration: 1 hour and 41 min.

Movie Les ordres, Thursday August 9 at 8:00 pm

The Symposium is proud to collaborate with Les Filmanthropes to present on Thursdays at 8:00 P.M. a selection of movies in relation with the 36th Symposium’s theme: Art & Politics

 

Thursday August 9, at 8:00 pm

Les ordres

Director: Michel Brault

1974

Quebec

 

October 1970. Following the kidnapping of Richard Cross and Pierre Laporte, in reaction to sympathy expressed for the “terrorists” after the televised reading of their manifesto and its publication in all the newspapers, four hundred and fifty people were arrested, most of them in the middle of the night, and kept in prison for varying lengths of time before being released without any charges made against them. Midway between a fiction and a documentary film, Les Ordres is based on the testimony of fifty or so people imprisoned following the adoption of the War Measure’s Act in October 1970. We follow five characters (three men and two women), whose roles are constructed using these testimonies, from their arrest to their being freed. Prize for direction at the Cannes Film Festival in 1975.

Duration: 1 hour and 47 min.

Movie Human Flow, Thursday August 16 at 8:00 pm

The Symposium is proud to collaborate with Les Filmanthropes to present on Thursdays at 8:00 P.M. a selection of movies in relation with the 36th Symposium’s theme: Art & Politics

 

Thursday August 16, at 8:00 pm

Human Flow

Director: Ai Weiwei

 

More than 65 million people around the world have been forced to leave their homes, fleeing famine, climate change and war in the greatest human displacement since World War II. The Chinese documentary filmmaker, artist and activist, Ai Weiwei, throws light on both the spreading refugee crisis and its deeply personal, human impact. Filmed during a turbulent year in twenty-three countries, Human Flow is a testimony to these human beings and their desperate search for safety, shelter and justice: from teeming refugee camps to dangerous journeys on the high seas, to the barbwire fences at the borders; from dispersion and disillusion to courage, endurance and adaptation.

Duration: 2 hours and 21 min.

Movie Persepolis, Thursday August 23 at 8:00 pm

The Symposium is proud to collaborate with Les Filmanthropes to present on Thursdays at 8:00 P.M. a selection of movies in relation with the 36th Symposium’s theme: Art & Politics

Thursday August 23, t 8:00 pm

Persepolis

Directors: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud

Animation

2007

France

 

Teheran 1978: Marjane, eight years old, thinks about the future and dreams of becoming a prophet and saving the world. Cherished by her progressive and cultivated family, she excitedly follows the events that will lead to the revolution and the fall of the Shah of Iran’s regime. With the establishment of the Islamic Republic, the “religious police” begin their control of people, the clothes they wear and their behaviour. Marjane now must wear a veil but she dreams of becoming a revolutionary. Soon, the war against Iraq will lead to bombings, deprivation and the disappearance of people close to her. Each day the inner repression becomes more severe. In this increasingly difficult context, being rather outspoken and having a rebellious nature becomes problematic. So for her safety, her parents decide to send her to Austria. In Vienna, Marjane, fourteen years old, experiences her second revolution: adolescence, freedom, the intoxication of love, but also exile, loneliness and difference.

Duration: 1 hour and 35 min.

Film Persepolis, jeudi 23 août 20h

Le Symposium est heureux de s’associer avec Les Filmanthropes pour vous présenter, les jeudis soirs à compter de 20h00, une sélection de films en lien avec la thématique du 36e Symposium : L’Art et le Politique

Jeudi 23 août, 20h00

Persepolis

Réalisation : Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud

Dessin animé

2007

France

Téhéran 1978 : Marjane, huit ans, songe à l’avenir et rêve de devenir une prophète sauvant le monde. Choyée par des parents modernes et cultivés, elle suit avec exaltation les évènements qui vont mener à la révolution et provoquer la chute du régime du Chah d’Iran. Avec l’instauration de la République islamique débute le temps des « commissaires de la révolution » qui contrôlent tenues vestimentaires et comportements. Marjane qui doit porter le voile, se rêve désormais en révolutionnaire.
Bientôt, la guerre contre l’Irak entraîne bombardements, privations, et disparitions de proches. La répression intérieure devient chaque jour plus sévère. Dans un contexte de plus en plus pénible, sa langue bien pendue et ses positions rebelles deviennent problématiques. Ses parents décident alors de l’envoyer en Autriche pour la protéger. À Vienne, Marjane vit à quatorze ans sa deuxième révolution : l’adolescence, la liberté, les vertiges de l’amour mais aussi l’exil, la solitude et la différence.

Durée : 1h35

Film Human Flow, jeudi 16 août 20h

Le Symposium est heureux de s’associer avec Les Filmanthropes pour vous présenter, les jeudis soirs à compter de 20h00, une sélection de films en lien avec la thématique du 36e Symposium : L’Art et le Politique

 

Le jeudi 16 août, 20h00

Human Flow

Réalisation: Ai Weiwei

Documentaire

2017

États-Unis

Plus de 65 millions de personnes dans le monde ont été forcées de quitter leur foyer pour échapper à la famine, aux changements climatiques et à la guerre dans l’un des plus grands déplacements humains depuis la Seconde Guerre mondiale. Le documentaire, de l’artiste et activiste chinois Ai Weiwei, élucide à la fois l’échelonnement de la crise des réfugiés et son impact humain profondément personnel. Tourné au cours d’une année mouvementée dans vingt-trois pays, Human Flowest un témoin de ces êtres et de leur recherche désespérée de sécurité, d’abri et de justice : des camps de réfugiés grouillants à des passages dangereux sur des océans, jusqu’à des frontières barbelées ; de la dislocation et de la désillusion au courage, à l’endurance et à l’adaptation.

Durée : 2h21

Film Les ordres, jeudi 9 août 20h

Le Symposium est heureux de s’associer avec Les Filmanthropes pour vous présenter, les jeudis soirs à compter de 20h00, une sélection de films en lien avec la thématique du 36e Symposium : L’Art et le Politique

 

Jeudi 9 août, 20h00

Les ordres

Réalisation : Michel Brault

1974

Québec

Octobre 1970. Suite aux enlèvements de Richard Cross et de Pierre Laporte, en réaction à la sympathie pour les « terroristes » après la lecture télévisée et la publication dans tous les journaux de leur manifeste, quatre-cent-cinquante personnes sont arrêtées, la plupart en pleine nuit, et demeurent en prison, pour des durées variables, avant d’être relâchées sans qu’aucune accusation ne soit portée contre elles.

À mi-chemin entre la fiction et le documentaire, Les Ordres est basé sur le témoignage d’une cinquantaine de personnes emprisonnées à la suite de l’adoption de la Loi sur les Mesures de guerre en octobre 1970. Nous suivons cinq personnages (trois hommes et deux femmes) construits à partir de ces témoignages, de leur arrestation à leur libération. Prix de la mise en scène au Festival de Cannes en 1975.

Durée : 1h47

Film Inch’Allah, Anaïs Barbeau-Lavalette, jeudi 2 août 20h

Le Symposium est heureux de s’associer avec Les Filmanthropes pour vous présenter, les jeudis soirs à compter de 20h00, une sélection de films en lien avec la thématique du 36e Symposium : L’Art et le Politique

Jeudi 2 août, 20h00

Inch’Allah

Réalisation : Anaïs Barbeau-Lavalette

2012

Québec / France

Chloé, une obstétricienne québécoise, habite en Israël mais travaille dans un camp palestinien situé à proximité. Elle se lie d’amitié avec sa voisine Ava, une soldate israélienne chargée de la surveillance de la frontière, mais aussi avec Rand, une Palestinienne qui va bientôt accoucher et qui fréquente la clinique où elle travaille. Elle se rapproche même de sa famille et vit quelque temps auprès d’eux. Alors que les attentats-suicides en sol israélien et les représailles de l’armée dans le camp s’accumulent, la tension monte à la frontière. Pour Chloé, la situation devient insoutenable.

Durée : 1h41

Closing Show with Natasha Kanapé Fontaine Bleuets et abricots

Bleuets et abricots (Poetry and Music)

“A cry rises up in me and changes me. The world expects a woman to reappear like she is born: woman standing up, woman power, woman resurgence. A call rises up in me and I decided to say yes to my birth.”

Natasha Kanapé Fontaine, writer and actor

Sound design: Tomas Furey

Born in 1991, Natasha is an Innu poet, painter, actor and an activist concerned with the environment and the rights of Indigenous people. She was born in Pessamit, Quebec and since 2012, has sparked attention in Quebec with her “territorial” poetry slams. She has published three collections of poetry that have been critically acclaimed. They are N’entre pas dans mon âme avec tes chaussures (Mémoire d’encrier, 2012), English translation, Do Not Enter My Soul in Your Shoes and Manifeste Assi (Mémoire d’encrier, 2014) English translation Assi Manifesto, as well as Bleuets et abricots (Mémoire d’encrier, 2016) English translation Blueberries and Apricots.

In the fall of 2017, she made a dramatic entrance in the Quebec TV series Unité 9, where she plays a young Indigenous woman condemned to fifteen years in prison.

Spectacle de clôture de Natasha Kanapé Fontaine Dimanche 26 août 17h

«Un cri s’élève en moi et me transfigure. Le monde attend que la femme revienne comme elle est née : femme debout, femme puissance, femme résurgence. Un appel s’élève en moi et j’ai décidé de dire oui à ma naissance. »

Natasha Kanapé Fontaine, auteure et interprête

Conception sonore : Tomas Furey

Natasha Kanapé Fontaine  est une poète, peintre, comédienne, militante en environnement et droits autochtones née en 1991. Elle est originaire de Pessamit et a d’abord marqué le Québec par ses slams «territoriaux» dès 2012. Elle a publié trois recueils de poésie salués par la critique, intitulés N’entre pas dans mon âme avec tes chaussures (Mémoire d’encrier, 2012), Manifeste Assi (Mémoire d’encrier, 2014) ainsi que Bleuets et abricots (Mémoire d’encrier, 2016).

À l’automne 2017, elle a fait une entrée fracassante dans la série télé Unité 9, où elle incarne une jeune autochtone marquée par la vie, condamnée à quinze ans de prison.

Kim O’Bomsawin Saturday, August 25 at 4:30 pm

The documentary, Ce silence qui tue, and a discussion with the director Kim O’Bomsawin following the screening.

Since 2014, more than 1,181 Indigenous women in Canada have been murdered or have gone missing,according the RCMP… and this number is constantly increasing. How can a situation such as this endure in a country that likes to think of itself as a model of human rights? This is the theme of this documentary in which women and men testify to a disturbing reality and sound a heartfelt cry to break Ce silence qui tue (this silence that kills).

A member of the Abenaki community, Kim O’Bomsawin has written and directed the following documentaries: La ligne rouge, 2014, Kirano, 2015, Ce silence qui tue, 2017 and Du Teweikan à l’électro, 2017.

Film duration: 70 minutes

 

KIM O’BOMSAWIN & CE SILENCE QUI TUE Le samedi 25 août à 16h30

Visionnement du documentaire Ce silence qui tue, suivi d’une discussion avec sa réalisatrice, Kim O’Bomsawin.

On comptait plus de 1181 femmes autochtones assassinées ou disparues au Canada en 2014  selon la GRC … et ce nombre ne cesse d’augmenter. Comment cette situation peut-elle perdurer dans un pays qui se veut un modèle en matière de droits humains? C’est le thème de ce documentaire où des femmes et des hommes témoignent d’une réalité troublante et lancent un cri du cœur pour briser Ce silence qui tue.

D’origine abénakise, Kim O’Bomsawin a écrit et réalisé les documentaires La ligne rouge (2014), Kirano (2015), Ce silence qui tue (2017) et Du Teweikan à l’électro (2017).

Durée : 70 minutes

Kim O’Bamsawin photo Charles Martel

Shelley Miller

Born in Melville (Saskatchewan).   Lives and works in Montreal (Quebec).

BIO

Shelley Miller creates site-specific projects in public spaces, both with ephemeral and permanent materials. She also produces impermanent street installations using sugar. These ephemeral murals have been published in several anthologies about the history of sugar, street art, graffiti and installation art. She received her BFA from the Alberta College of Art and Design and her MFA from Concordia University.

APPROACH

Her sugar murals are site-specific, in that she creates each one taking into account the history of a place and creating the work on site. Documentation of the process of erosion is integral to the work. The photos become the final document since they show the full story; wealth and power as it evolves (devolves) into decay. The erasure is a comment on history, and the way that history is forgotten, erased, or fades in photos or in people’s memories.

In the past, most of her murals depicted historical imagery and referencing. In recent years, the artist has decided to incorporate more contemporary imagery into her murals. She creates murals that look like painted ceramic murals, blue azulejo style, but are made entirely of sugar, and hand-painted with edible inks These ephemeral murals address the history of sugar, its links to colonization and slavery, and ideas about consumption and power.

PROJECT

The sugar mural the Symposium will address new forms of slavery and oppression, and the contrast of global wealth distribution. Instead of caravels and slave ships in the central image, her mural will depict luxury cruise ships navigating the Mediterranean Sea, as dinghy boats overflowing with Syrian refugees pass them. It’s not so simple as “developed” and “undeveloped” countries anymore; autocrats profit while the masses starve. A new element for Miller will be to keep the mural indoors. In the past, rain always washed the image away, but now the artist wants to “wash” away the image with a sponge and water. Hence, the work becomes performative, where the artist takes control of the frustration she feels from seeing a world in chaos. Although the artist presents many social problems in her mural, her aim is to show hope at the end of this darkness.

Miller works

 

Cargo (detail) hand made sugar tiles, hand painted, photos courtesy of the artist

Shelley Miller

Née à Melville (Saskatchewan).   Vit et travaille à Montréal (Québec).

BIO

Shelley Miller crée des projets in situ dans des lieux publics à l’aide de matériaux à la fois éphémères et permanents. Elle produit des installations dans la rue avec le sucre comme matière. Ses œuvres murales éphémères ont été reproduites dans plusieurs anthologies portant sur l’histoire du sucre, de l’art de la rue, du graffiti et de l’installation. Elle détient un baccalauréat en beaux-arts de l’Alberta College of Art and Design ainsi qu’une maîtrise en beaux-arts de l’Université Concordia.

DÉMARCHE

Ses murales en sucre sont in situ, puisque Miller crée chacune d’elles en tenant compte de l’histoire du lieu et en créant l’œuvre sur place. La documentation du processus d’érosion fait partie de l’œuvre. Les photos deviennent le document final puisqu’elles illustrent l’histoire en entier : la richesse et la puissance avançant (ou reculant) vers la déchéance. L’effacement est un commentaire sur l’histoire et sur la manière dont elle est oubliée, effacée, ou dont elle s’évanouit sur les photos ou dans la mémoire des gens.

Par le passé, la plupart de ses murales ont porté sur des images et des références historiques. Récemment, l’artiste a décidé d’incorporer des images plus contemporaines dans ses murales. Elle crée des murales qui ressemblent à celles en céramique peinte, dans le style azulejo bleu, mais qui sont entièrement faites de sucre et peintes à la main à l’aide d’encres comestibles. Ces murales éphémères abordent l’histoire du sucre, ses liens à la colonisation et à l’esclavage de même que des notions liées à la consommation et au pouvoir.

PROJET

La murale de sucre du Symposium abordera de nouvelles formes d’esclavage et d’oppression ainsi que le contraste dans la répartition de la richesse mondiale. Plutôt que des caravelles et des négriers dans l’image centrale, sa murale montrera des bateaux de croisière de luxe voguant sur la Méditerranée et croisant des canots pneumatiques débordant de réfugiés syriens. On ne peut plus simplement parler de pays « développés » et « sous-développés » ; les autocrates font des profits pendant que les masses meurent de faim. À Baie-Saint-Paul, un nouvel élément consistera, pour Miller, à garder les murales à l’intérieur. Par le passé, la pluie a toujours effacé l’image, mais l’artiste veut maintenant « effacer » elle-même l’image avec une éponge et de l’eau. Ainsi, l’œuvre devient performative, l’artiste prenant le contrôle de la frustration qu’elle ressent face à un monde chaotique. Bien qu’elle présente plusieurs problèmes sociaux dans sa murale, son but est d’exprimer de l’espoir au bout du tunnel obscur.

Site de l’artiste

 

Cargo (détail) 2008, tuiles en sucre faites et peintes à la main, photos courtoisies de l’artiste

Michael Love

Born in Chilliwack (British Columbia).  Lives and works in Vancouver (British Columbia).

BIO

Michael Love attended both the University College of the Fraser Valley and Emily Carr University of Art + Design and received his MFA in photography from Concordia University in 2009. He was a founder and co-curator of Gallery 295. In addition to his artistic production, Love is also an arts educator at the University College of the Fraser Valley and Emily Carr University.

APPROACH

Love’s work is invested in research of history and conflict. The philosopher and historian Susan Buck-Morss describes the effect of media images leaving viewers in a constant state of shock; she champions synesthetic, an “aesthetic system of sense consciousness” that restores the original meaning of aesthetics, to perceive by feeling, and to see the world as a shared nervous system.

Love pulled away from the traditional use of photography, and instead used digital collage to create new pieces. This use of collage has allowed the artist to explore architectural language and ideas through the juxtaposition of various architectural styles and forms, creating new possibilities for dialogues around the built environment. Interested in historical narratives, Love’s practice has been invested in the documentation and unpacking of various sites related to the Cold War conflict. The artist is interested in the remains of this conflict as indicators of human potential and failure.

PROJECT

Love uses photography as a means of recording and understanding both the historical, and the repurposed uses of these significant sites. The images reveal traces of their Cold War past and draw together their politically-charged origins with their current states of use or decay. From fallout shelters in Canada, a children’s camp established by Lenin in Crimea and among others, bunkers built by a paranoid government in Albania, the legacy of this struggle has left its mark physically around the globe. The underlying themes of control and aggression in Love’s subject matter, aim to construct visual representations from what remains. He is interested in creating links between different sites and their inherent ideological viewpoints. Seeing the work of various locations, the artist has photographed will allow the viewer to draw some of the same connections which Love will be producing with the new images.

Love works

Photo Karen Zalamea

Conference Room, 2011, inkjet print, photo courtesy of the artist

Michael Love

Né à Chilliwack (Colombie-Britannique).   Vit et travaille à Vancouver (Colombie-Britannique).

BIO

Michael Love a étudié au University College of the Fraser Valley et à l’Emily Carr University of Art + Design ; il détient une maîtrise en beaux-arts (photographie) de l’Université Concordia, 2009. Il a été fondateur et co-conservateur de la Gallery 295. En plus de sa production artistique, Love est également enseignant en art au University College of the Fraser Valley et à l’Emily Carr University of Art + Design.

DÉMARCHE

Love se livre à une recherche sur l’histoire et les conflits. La philosophe et historienne Susan Buck-Morss écrit que les images médiatiques mettent les regardeurs en état de choc constant ; elle fait l’apologie d’un « système esthétique de conscience sensorielle » synesthésique qui rétablirait le sens original de l’esthétique, soit percevoir avec les sensations et voir le monde comme un système nerveux que nous avons en commun.

 

Love s’écarte de l’usage traditionnel de la photographie pure, utilisant plutôt le collage numérique pour créer ses œuvres. Cet usage du collage lui permet d’explorer les idées et le langage architecturaux par la juxtaposition de divers styles et formes, créant de nouvelles possibilités de dialogue autour d’un environnement bâti. S’intéressant aux récits historiques dans sa pratique, Love s’est penché sur la documentation et l’analyse de divers sites liés à la guerre froide. L’artiste pose un regard sur les vestiges de ce conflit comme indicateurs du potentiel et de l’échec humains.

PROJET

L’artiste utilise la photographie comme mode d’enregistrement et de compréhension des usages historiques et réorientés de ces sites signifiants. Les images révèlent les traces de leur passé de Guerre froide et rassemblent leurs origines politiquement chargées et leurs états actuels d’utilisation ou de déchéance. Allant d’abris antiatomiques au Canada à un camp pour enfants établi par Lénine en Crimée, en passant, notamment, par des bunkers construits par un gouvernement paranoïaque en Albanie, ce combat a laissé son héritage et sa marque physique partout dans le monde. Les thèmes sous-jacents de contrôle et d’agression chez Love visent à construire des représentations visuelles à partir de vestiges. Love s’intéresse à la création de liens entre différents sites et leurs points de vue intrinsèquement idéologiques. Voir les différents endroits que l’artiste a photographiés permettra au regardeur de faire les mêmes connexions que celles produites par Love dans ses nouvelles images.

Site de l’artiste

Photo Karen Zalamea

Conference Room, 2011, impression jet d’encre, photo courtoisie de l’artiste

Marie-Hélène Parant

Born in Quebec City. Lives and works in Quebec City.

BIO

Marie-Hélène Parant is a visual artist working with media and digital means. She holds an MFA in Arts visuels et médiatiques from UQAM and has developed an artistic language, having created interactive digital tools for the participatory environments of installations and performances. She has coordinated digital events in Canada and abroad through SHARE MTL, an organization that she co-founded in 2005.

APPROACH

Parant’s artistic work is concerned with interactive programing that plays on the semantics of transitional. Her work presents a poetic focus on the precarious balance defining our relationship with the environment. Her installations and performative works invite us into worlds that just seem to come to life and encompass us, and which are created through the visitors’ presence and the attention they give to it.

For seven years, Parant has been involved in a fascinating journey, merging art, technology, the exploration of territories and communities, the information and the environmental activism that she depicts in Fluxus. This is a work that questions the concept of a distancing between nature and culture. The artist likes to include the visitor in her artwork in various ways, in particular through an increased presence of citizens speaking up and taking action on social media, as well as making an impact on our society’s position in relation to environmental issues.

PROJECT

Can art change the world? The artist dares to believe that her commitment to the Anticosti cause (the creation of a Facebook page and two petitions against “fracking” for oil and gas) has helped to influence the course of things and raise the population’s awareness. In some regions of Quebec, in Gaspé, Lac Saint-Jean, Lotbinière and the Saint Lawrence valley, citizens are worried and divided about hydrocarbon development projects.

For the Symposium, Parant will follow relevant news about environmental concerns each day and will participate in related discussions on social media. She will carry out interviews with visitors on the subject of their perception of climate change and those who would like to talk to her about the concept of solastalgia (the psychological impact caused by deterioration of the environment).

Parant works

 

Transit, 2009-2012, installation landscape, pictures of the installation, courtesy of the artist

Marie-Hélène Parant

Née à Québec

BIO

Artiste des arts visuels, médiatiques et numériques, Marie-Hélène Parant détient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’UQAM et développe un langage artistique à travers la création d’outils numériques et interactifs pour des environnements participatifs d’installations ou de performances. Elle a coordonné des événements numériques au Canada et à l’étranger à travers SHARE MTL, un organisme qu’elle a cofondé en 2005.

DÉMARCHE

Le travail de Parant investit la programmation interactive jouant sur une sémantique du transitoire. Sa démarche présente un axe poétique portant sur l’équilibre précaire marquant notre relation avec l’environnement. Ses œuvres performatives et installatives nous convient à des mondes qui apparaissent, s’animent, nous englobent, et qui se créent à travers la présence et l’attention des visiteurs.

Pendant sept ans, Parant s’est engagée dans un voyage fascinant mariant l’art, la technologie, l’exploration du territoire et des communautés, l’information et le militantisme environnemental qu’elle a dépeints dans Fluxus∞. Cette œuvre explore la conception d’une distanciation entre nature et culture. L’artiste inclut le visiteur dans sa création de différentes manières, notamment par une présence accrue de la prise de parole et de l’action citoyenne sur les médias sociaux, en plus de contribuer à un impact dans le positionnement de nos sociétés par rapport aux enjeux de l’environnement.

PROJET

L’art change-t-il le monde ? L’artiste ose croire que son engagement pour la cause d’Anticosti (création d’une page Facebook et dépôt de deux pétitions contre la fracturation du pétrole et du gaz de schiste) a participé à influencer le cours des choses et à conscientiser la population. Dans certaines régions du Québec (en Gaspésie, au Lac Saint-Jean, dans Lotbinière et la vallée du Saint-Laurent), des citoyens sont inquiets et divisés par des projets d’exploitation des hydrocarbures.

Pour le Symposium, Parant suivra les actualités environnementales signifiantes du jour et participera aux discussions connexes dans les réseaux sociaux. Elle réalisera des entrevues avec les visiteurs qui le souhaitent au sujet de leur perception des changements climatiques avec de courtes questions autour du concept de solastalgia (impact psychologique entraîné par la dégradation de l’environnement).

Site de l’artiste

 

Transit, 2009-2012,installation paysage interactif – photo de l’installation, Courtoisies de l’artiste

Maryse Goudreau

Born in Campbellton (New-Brunswick).   Lives and works in Escuminac (Quebec).

BIO

Maryse Goudreau works with images, photographic collections and participatory art, and has developed thematic archives that provide a range of sociological, political and anthropological perspectives. She attempts to free images
from their static relationship to official history. In 2017, she became the first recipient of the Lynne-Cohen Award, offered in partnership with the Musée national des beaux-arts du Québec.

APPROACH

Goudreau’s practice most often leads her to use photography, archives and video, and to make participatory and performative art. Through this combination of approaches, she frees images from their static relationship to official history in order to create narrative, pictorial and literary spaces. Her recent projects are distinguished by an undertaking in which the process presents what was off-camera or unseen.

The Archives de la Côte-du-Sud, La Pocatière, enabled her to produce assemblages from images taken from the archive collection, documenting theatre presentations of students (circa 1940) and beluga hunting at the mouth of Rivière-Ouelle (circa 1920). The encounter with this collection of images has been important for constructing her deep-sea project on the social history of the Beluga whale. From this time on in her work, the artist would knowingly include the encounter of two levels of history and temporality: the archive’s fixed gaze and direct participation.

PROJECT

The artist realizes that for each image she shows, a box exists with more images waiting to be reactivated, to be used and put in a position that can no longer feign neutrality. She would like to present a participatory reading of her book Histoire sociale du béluga (Social History of the Beluga). This is the play that she wrote, copying and pasting words that ministers and deputies used in their debates in the Quebec National Assembly from 1929 to 2015, concerning the beluga whale throughout the period. These speeches become above all a history to be brought out of oblivion and placed again at the heart of our collective history. The artist will invite the public to discuss the social history of the beluga and the political symbol that it has become. Goudreau wishes to replay the picture and the political debates in a participatory mode, creating a warm, inviting place for an encounter.

Goudreau works

Photo : Mathieu Bouchard-Malo

Conversation 2012, photomontage, inkjet 1/5 PA, photo courtesy of the artist

Maryse Goudreau

Née à Campbellton (Nouveau-Brunswick).  Vit et travaille à Escuminac (Québec).

BIO

Maryse Goudreau travaille l’image, les fonds photographiques et l’art participatif en élaborant des archives thématiques qui offrent des regards croisés, tant sociologiques que politiques et anthropologiques. Elle cherche à affranchir les images de leurs relations statiques à une histoire officielle. En 2017, elle fut la première lauréate du Prix Lynne-Cohen offert en partenariat avec le Musée national des beaux-arts du Québec.

DÉMARCHE

La pratique de Goudreau l’amène souvent à utiliser les procédés de la photographie, de l’archive, de la vidéo et à mobiliser un art performatif et participatif. À travers cette combinaison d’approches, elle libère les images de leur relation statique à une histoire officielle pour créer des espaces narratifs, picturaux et littéraires. Ses projets récents sont marqués par un engagement dont les opérations mettent sur scène ce qui était jusqu’alors hors-champ.

 

Les Archives de la Côte-du-Sud, à La Pocatière, lui ont permis de réaliser des assemblages à partir d’images extraites de fonds d’archives, documentant des présentations théâtrales d’étudiants (vers 1940) et la chasse aux bélugas à l’embouchure de la Rivière-Ouelle (vers 1920). La découverte du fonds d’images fut fondatrice pour échafauder son projet au long cours sur l’histoire sociale du béluga. Dès ce moment il y aura dans le travail de l’artiste, la rencontre de deux niveaux d’histoire et de temporalité : l’archive figée et la participation directe.

PROJET

L’artiste a réalisé que, pour chaque image qu’elle montre, une boîte existe comme un possible en attente de réactivation pour apprivoiser et adopter une position qui ne peut plus feindre la neutralité. Goudreau aimerait faire une lecture participative de son livre intitulé Histoire sociale du béluga. La pièce de théâtre qu’elle a écrite en copiant et en collant des paroles utilisées entre 1929 à 2015 par les ministres et députés dans leurs débats de l’Assemblée législative du Québec aborde le béluga à travers les époques. Ces allocutions deviennent une histoire à sortir de l’oubli et à installer à nouveau au cœur d’une histoire collective. Elle invitera le public à discuter autour de l’histoire sociale du béluga et du symbole politique qu’il est devenu. En somme, Maryse Goudreau désire rejouer une photographie et des débats politiques avec un mode participatif en créant un lieu de rencontre chaleureux.

Site de l’artiste

Photo Mathieu Bouchard-Malo

Conversations, 2012, photomontage, jet d’encre 1/5 EA,  photo courtoisie de l’artiste

 

Marie-Christiane Mathieu

Born in Montreal.    Lives and works in Quebec City and Montreal (Quebec).

BIO

From 2012 to 2016, Marie-Christiane Mathieu’s fields of research and creative activity were Highway 20 and the Trans-Canada Highway in the context of her project “Musique de char” (Car Music).  Her works have been the subject of exhibitions in various museums and galleries in the United States, Germany and Austria as well as in Mexico and Brazil. In 2008, she was appointed a professor at the École des arts visuels at Université Laval.

APPROACH

Mathieu makes the road her area of research. She explores the idea of the communicating bubble in which each individual lives what she calls L’aître (aire + être) (area + being). The works that Mathieu creates are imbued with phenomena linked to mobility and migrations of all kinds. She travels through the landscape and investigates visual and sound forms, provoking unexpected meetings between often-incompatible elements.

Usually, her projects appear through the construction of devices. These include the place where she sets up the work, the daily activities that she elaborates within it, the tools and equipment that she brings with her or fabricates, her collaborators and, the publics who give their point of view about her work. This ensemble helps generate issues related to matters of a social, economic, political and aesthetic nature, conducive to the context and situation created.

PROJECT

Using her laboratory on wheels, Mathieu takes on the role of the ethnologist who will analyse invisible, peripheral elements present in the area in order to find signs of an alternative if not fictive archaeology of Baie-Saint-Paul. Each day, in her truck, on foot or on a bicycle, she will travel the surroundings with a panoply of equipment: radio frequency scanners, camera obscura, tape recorder, photographic printer and so on.

Along the way, the space will become documentation. All the drawings, photographs, geographical and topographical maps, ephemeral documents and collected or constructed objects will be displayed on the walls around her space for working and greeting the public. The project will conclude with the creation of a limited-edition artist’s book/box. This will take on the modalities of Marcel Duchamp’s Boîte verte (Green Box), integrating notes, photographs, sketches, captured sounds and objects that will contribute to this archaeological fiction.

Mathieu works

Courtesy of the artist

Musique de char / toujours plus à l’ouest, 2016, projections vidéos on wood screen, photo Richard Max Tremblay

Marie-Christiane Mathieu

Née à Montréal.   Vit et travaille à Québec et Montréal (Québec).

BIO

De 2012 à 2016, dans le cadre du projet « Musique de char », l’autoroute 20 et la Transcanadienne furent les terrains de recherche et de création de Marie-Christiane Mathieu. Ses œuvres ont fait l’objet d’expositions dans différents musées et galeries aux États-Unis, en Allemagne et en Autriche ainsi qu’au Mexique et au Brésil. Depuis 2008, elle est professeure à l’École d’art de l’Université Laval.

DÉMARCHE

Mathieu fait de la route son terrain de recherche. Elle explore l’idée de la bulle communicante dans laquelle chaque individu vit ce que Mathieu nomme l’aître (aire + être). Les œuvres qu’elle crée s’imprègnent des phénomènes liés à la mobilité et aux migrations de toutes sortes. Elle parcourt et étudie le paysage à travers ses formes visuelles et sonores en provoquant des rencontres inattendues entre des éléments souvent incompatibles.

En général, ses projets se manifestent à travers la construction de dispositifs. Ceux-ci incluent le lieu où elle s’installe, les activités quotidiennes qu’elle y développe, les outils et les appareils qu’elle apporte ou fabrique, les collaborateurs et finalement le public qui offre son point de vue sur le travail qui s’élabore. Cet ensemble contribue à générer des enjeux reliés à des questions d’ordres social, économique, politique, esthétique, propres au contexte et à la situation créés.

PROJET

En utilisant son laboratoire sur roue, l’artiste revêt le rôle de l’ethnologue qui analysera les éléments périphériques invisibles présents sur le terrain pour trouver les indices d’une archéologie alternative voire fictive de Baie-Saint-Paul. À bord de son camion, mais aussi à pied ou à bicyclette, elle parcourra chaque jour les alentours avec une panoplie d’appareils : scanneur de fréquences radio, camera obscura, magnétophone, imprimante photo, etc.

Au fur et à mesure, l’espace deviendra documentaire. Tous les dessins, photographies, cartes géographiques et topographiques, documents éphémères, objets glanés ou construits seront disposés sur les murs autour de son espace de travail et d’accueil du public. Le projet se conclura par la création d’une boîte/livre d’artiste à édition limitée. Celle-ci reprendra les modalités de la Boîte verte de Marcel Duchamp en y intégrant notes, photos, croquis, captures sonores et objets qui contribueront à induire cette fiction archéologique.

Site de l’artiste

Courtoisie de l’artiste

Musique de char / toujours plus à l’ouest, 2016, projection vidéo sur écran de bois, photo Richard Max Tremblay

Leila Zelli

Born in Teheran (Iran). Lives and works in Montreal (Quebec).

BIO

Leila Zelli is completing her MFA in Arts visuels et médiatiques at UQAM. Having lived through the war and imposed religion as a child in Iran, she attempts to question the connection between war and religion. With in situ digital installations, she creates visual and sound experiences that provoke reflection on the state of the world.

APPROACH

Zelli uses existent media images and videos found on the Internet to create visual and sound experiences that provoke reflection about the promises of religion and its actual impact on humanity. The paradox of life in countries at war particularly interests her. The people there oscillate between the immense bleakness that terror creates and small moments of joy or hope, between the violent acts of destruction and the will to survive, to live. Any interpretation of images depends on our point of view, on our experience in life, on our beliefs, our desire to see and even on our wish not to know about what is happening.

The artist would like to reduce the distance between cultures and break down boundaries. Her intention is to have us look at the world without prejudices, and to increase our empathy and understanding towards the other.

PROJECT

Zelli’s intent is to create a dialogue between fixed and moving images illustrating times in the life of children, living during a war. From small moments of shared pleasure, such as having fun in the water and playing soccer with friends, to the children’s reality that tells quite another story. Each image is decontextualized so that we never know which period it comes from.

The in situ installation should give the viewer the impression of being in a “playground,” the real one of children’s games and of the political play of the image. The artist’s aim is to question our reaction in front of what we are given to see. This is why she questions the relationship between the visible and the invisible, the field of vision and the off-camera, the context of the image and our mental state stemming from beliefs and prejudices.

Zelli works

 

Éclipse, 2015, animation video – extract , Courtesy of the artist

Leila Zelli

Née à Téhéran (Iran). Vit et travaille à Montréal (Québec).

BIO

Finissante à la maîtrise en arts visuels et médiatiques à l’UQAM, ayant vécu la guerre et la religion imposée en tant qu’enfant en Iran, Leila Zelli cherche à interroger le lien entre la guerre et la religion. Par des installations numériques in situ, elle crée des expériences visuelles et sonores qui suscitent un moment de réflexion sur l’état du monde

DÉMARCHE

Zelli crée, à l’aide d’images médiatiques existantes et de vidéos trouvées sur Internet, des expériences visuelles et sonores qui suscitent un moment de réflexion sur les promesses de la religion et sur sa portée effective sur l’humanité. Le paradoxe de la vie dans les pays en guerre l’intéresse particulièrement.

Les individus y valsent entre l’immense tristesse générée par la terreur et les petits moments de joie ou d’espoir, entre le constat violent de la destruction et la volonté de survivre et de vivre. Toute interprétation des images dépend du point de vue qu’on occupe, de notre expérience de vie, de nos croyances, de notre volonté de voir ou de notre désir d’ignorer ce qui est. L’artiste souhaite réduire la distance entre les frontières et les cultures avec l’intention de regarder le monde sans idées préconçues, et pour augmenter l’empathie et la compréhension envers l’autre.

PROJET

L’intention de Zelli est de créer un dialogue entre des images fixes et en mouvement illustrant des moments dans la vie d’enfants, vécus dans une situation de guerre. Des instants de joie partagés – s’amuser dans l’eau, jouer au soccer avec des amis –, à la différence près que la réalité des petits raconte une tout autre histoire. Chaque image est décontextualisée, c’est-à-dire qu’elle ne laisse jamais savoir d’où ni de quelle période elle provient.

L’installation in situ devrait offrir au spectateur l’impression de se trouver dans un « terrain de jeux », celui du jeu réel des enfants et du jeu politique de l’image. Le but de l’artiste est d’interroger notre réaction devant ce qu’il nous est donné à voir. C’est pourquoi le rapport entre le visible et l’invisible, le champ et le hors-champ, le cadre de l’image et le cadre mental issus des croyances et des préjugés est remis en question.

Site de l’artiste

 

Éclipse, 2015, vidéo d’animation – extrait, Courtoisies de l’artiste

Lianne Ho

Born in Hong Kong.  Lives and works in Toronto (Ontario).

BIO

Trained as an architect, cultural analyst and scientist at the University of Toronto, Ryerson University and McGill University, Lianne Ho is an artist with a burgeoning practice. Having first shown at the Museum of Contemporary Canadian Art in 2002, Distorted Political Spheres marks the renaissance of her artistic career.

APPROACH

Lianne Ho’s practice currently deals with themes of simulation and reality. Specific topics pertaining to this binary include: (1) the fictions of the monetary system, such as the speculative, unreal aspects of credit, the stock market and global currency, and (2) the distorted political climate as a result of digital platforms like Twitter, Facebook. The internet and related digital technologies have played a major role in determining those who occupy seats of power.

This exploration began by posing the question, what does pictorial space look like today? The representation of space is highly inflected by the digital milieu, and our understanding of space through digital avenues is largely discordant from our understanding of space in the flesh.  The result of this exploration is an archiving of the disjuncture and interplay between the propositions of the real and the digital, a reified metaphor for the condition of politics today.

PROJECT

Ho examines the disjuncture between real, found, photographic representations and their digital 3D model representations of political monuments. It does so by recording on film a process of morphing the former representation into the latter to underscore their difference. The in-between image is printed, and then traced onto canvas. These paintings are a record, an archiving of an intermediary state of metamorphosis. The technique emphasizes the interplay between the real and the digital, as well as the mercurial and elusive nature of the truth in a world with propositions of both the real and the virtual. The paintings are illustrations of our current contemporary condition, one in which our tangible reality is inflected by the pervasiveness of the immaterial and largely unregulated digital medium.

HO works

Photo Shih-i Liu

Capitol Hill, 2017, oil on birch wood, Courtesy of the artist

Lianne Ho

Née à Hong Kong.  Vit et travaille à Toronto (Ontario).

BIO

Formée comme architecte, analyste culturelle et scientifique à l’Université de Toronto, à l’Université Ryerson et à l’Université McGill, Lianne Ho est une artiste dont la pratique est en plein essor. Ayant d’abord présenté son travail au Museum of Contemporary Canadian Art en 2002, l’artiste accomplit un retour artistique avec Distorted Political Spheres.

DÉMARCHE

Dans sa pratique, Lianne Ho s’intéresse présentement aux thèmes de la simulation et de la réalité. Les sujets précis liés à cette dualité comprennent : 1) les fictions du système monétaire, comme les aspects spéculatifs irréels du crédit, la bourse et les devises mondiales ; 2) le climat politique déformé résultant des plateformes numériques Twitter et Facebook. Internet et les technologies numériques connexes ont joué un rôle important dans la sélection de ceux qui détiennent le pouvoir.

Cette exploration a commencé en posant la question suivante : À quoi ressemble l’espace pictural aujourd’hui ? La représentation de l’espace est fortement infléchie par le milieu numérique, et notre compréhension de l’espace par des moyens numériques est grandement incompatible avec la compréhension physique, en chair et en os, que nous en avons. Il résulte de cette exploration un archivage de la disjonction et de l’interaction entre les propositions du réel et du numérique, une métaphore réifiée de la condition actuelle du politique.

PROJET

Ho examine la disjonction entre des représentations photographiques réelles, trouvées, et leurs représentations sous forme de maquettes 3D de monuments politiques. Elle accomplit cet examen en filmant le processus de transformation de la représentation d’origine à sa forme finale pour en souligner la différence. L’image entre les deux est imprimée puis tracée sur une toile. Ces tableaux sont un document, l’archivage d’un état intermédiaire d’une métamorphose. Cette technique souligne l’interaction entre le réel et le numérique, de même que la nature versatile et insaisissable de la vérité dans un monde contenant des propositions à la fois réelles et virtuelles. Les tableaux illustrent notre condition contemporaine, où la réalité tangible est infléchie par l’invasion du médium numérique immatériel et non réglementé.

Site de l’artiste

Photo Shih-i Liu

Capitol Hill, 2017, huile sur bois de bouleau, Courtoisie de l’artiste

Laurent Gagnon

Born in Quebec City.  Lives and works in Quebec City.

BIO

Laurent Gagnon holds an MFA in visual arts from Université Laval (2002). He is a sculptor who also works with printmaking techniques. He has presented numerous solo and group exhibitions in Quebec, Canada and on the international scene. The artist has a particular interest in public art in all its forms and has produced several works for the Integration of art in architecture program of the Quebec Government.

APPROACH

Gagnon’s approach to politics in art lies within the perspective of showing allegorical objects. These objects create a gap, a hazy area in relation to our expectations: the artist presents their malleable, aesthetic qualities, which elevate them to the state of symbols. In looking again at everyday objects, the artist encourages us to reflect about the world around us. Through the accumulation of found objects, he broaches the subject of consumption and its alienating processes.

Political issues alternately fascinate and disgust him. Faced with the current politics, he often has the feeling of being deprived of any power to take action about the way things are. To counter this lethargy, his work produces symbolic effects to open a gap. The game creates a distance that allows us a detachment in relation to established forms of domination.

PROJECT

Gagnon wishes to create various interventions in which the main theme is the game. The trigger can be found in a play on words or in an existent game transposed into sculpture or installation. Thus, Baliser l’arène (Mark Out the Arena) proposes an extension of surveyor’s equipment while L’échiquier mondial (World Chessboard) embodies a map of the world in which all the continents are represented as squares of various colours.

D’inextricables enjeux (Inextricable Stakes) reproduces a game of Jackstraws. Each inordinately large stick is transformed into a javelin. Engaging in new stick compositions, the public recreates – metaphorically – the complex issues of this world. Subsequently, the sticks are removed one by one as if to resolve the situation.

Gagnon works

Photo: Stéphanie Jones

Fireworks, 2017, steel and items found, Courtesy of the artist

Laurent Gagnon

Né à Québec. Vit et travaille à Québec.

BIO

Laurent Gagnon détient une maîtrise en arts visuels de l’Université Laval (2002). Sculpteur, il travaille aussi avec les techniques d’impression. Il a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives au Québec, au Canada et à l’échelle internationale. L’artiste démontre un intérêt marqué pour l’art public sous toutes ses formes et réalise plusieurs œuvres dans le cadre du Programme d’intégration des arts à l’architecture et à l’environnement du Gouvernement du Québec.

DÉMARCHE

L’approche du politique en art chez Gagnon s’inscrit dans une perspective de mise en vue d’objets allégoriques. Ces objets opèrent un décalage, une zone floue par rapport à nos attentes, en présentant des qualités plastiques et esthétiques qui les transfigurent et les élèvent au rang de symboles. En revisitant les objets du quotidien, l’artiste incite à poursuivre une réflexion sur le monde qui nous entoure. Par l’accumulation d’objets trouvés, il aborde le thème de la consommation et des processus aliénants qui s’y rattachent.

Les enjeux politiques le fascinent et le dégoûtent. Face à la politique actuelle, il y a souvent ce sentiment d’être dépossédé d’un quelconque pouvoir d’action sur le cours des choses. C’est pour contrer cette léthargie que l’action symbolique opérée par le jeu ouvre une brèche. Le jeu crée une mise à distance qui nous offre un détachement par rapport aux formes de dominations établies.

 

PROJET

Gagnon souhaite réaliser diverses interventions dont le fil conducteur est le jeu. Le déclencheur peut se trouver dans un jeu de mots ou dans un jeu existant transposé en sculpture ou en installation. Ainsi, Baliser l’arène propose le prolongement d’un équipement d’arpenteur-géomètre alors que L’échiquier mondial incarne une mappemonde où les continents sont représentés par des carrés de différentes teintes.

D’inextricables enjeux reproduit un jeu de Mikado. Chaque bâtonnet surdimensionné se transforme en javelot. En engageant de nouvelles compositions de bâtons, le public recrée – métaphoriquement – les enjeux enchevêtrés de ce monde. Par la suite, les bâtons sont retirés un à un comme pour dénouer la situation.

Site de l’artiste

Photo Stéphanie Jones

Fireworks, 2017, acier et objets trouvés, Courtoisie de l’artiste

 

Jean Brillant

BIO

The family of this sculptor was living in the south of France when Brillant discovered stone carving in the Vaucluse region. This led him to the École des Beaux-Arts, Aix-en-Provence then to the Beaux-Arts, Dijon before he attended UQAM upon his return to Canada. Since 1994, Brillant has produced sculptures for exterior environments, among others at Parc de Sculptures Al-Maaden in 2012 where he installed an impressive diptych.

APPROACH

At the core of Brillant’s practice, is a weaving of nature and culture. The artist uses materials such as stone and steel that he transforms to emphasize their resilience, but also to show objects marked by history, that are found in circulation again in our societies. These sculptures propose a physical experience in which nature, the work and the viewer jointly create the vocabulary and the meaning of this hybrid boundary between nature and culture.

At the Symposium, Brillant’s work will find a wider response and accentuate the contemporary political issues linked to nature. Politicians also use these concerns in their electoral campaigns. Faced with the ambient cynicism of the political class, Brillant would like to stress the importance and engagement of each person in society and, consequently, in the artwork itself.

PROJECT

Brillant’s project is to create a corpus of small and medium sized pieces that will be installed in an immersive structure, recalling bookshelves of a library. Each of these sculptures will propose a reflection on politics. Thus, the power plays, wealth sharing, population movements and gender problems, among others, will be presented in assemblages made of raw materials and objects shaped by history.

Such plays of materials and origins will have the effect of locating and at times contrasting various economies, as well as proposing interactive possibilities among them. The artist’s objective is to create a dialogue between Quebec and Canadian society with the rest of the world and to emphasize exchange, points of discord and regulations that concern the public and have a political pertinence. The artist would like the viewer to consider the social and political spheres as opportunities to access knowledge.

Brillant works

 

Porter la nature, 2016, steel and fieldstones,  photos Nathalie Ermont

Jean Brillant

Né à Rimouski (Québec).   Vit et travaille à Montréal (Québec).

 

BIO

La famille de ce sculpteur s’installe dans le sud de la France où Brillant découvre la taille de la pierre du Vaucluse. Cela le conduira à l’école des Beaux-Arts d’Aix-en-Provence, puis aux Beaux Arts de Dijon avant d’intégrer l’UQAM à son retour au Canada. Depuis 1994, Brillant réalise des sculptures d’extérieur, notamment au Parc de Sculptures Al-Maaden en 2012 où il installe un impressionnant diptyque.

DÉMARCHE

Il y a, au cœur de la démarche de Brillant, ce tissage entre nature et culture. L’artiste utilise des matières comme l’acier et la pierre qu’il transforme afin de souligner leur résilience, mais aussi de présenter des objets marqués par l’histoire, qui se retrouvent en circulation dans nos sociétés. Ses sculptures préconisent une expérience concrète où la nature, l’œuvre et le spectateur construisent conjointement le vocabulaire et le sens de cette frontière hybride entre nature et culture.

Au Symposium, le travail de Brillant trouvera un écho plus large et soulignera les enjeux politiques contemporains liés à la nature. Les politiciens utilisent ces préoccupations, mais à des fins électoralistes. Devant le cynisme ambiant de la classe politique, Brillant souhaiterait mettre l’accent sur l’importance et l’engagement de chacun dans la société et, conséquemment, dans l’œuvre d’art même.

PROJET
Ce projet consiste à créer un corpus de petites et moyennes pièces qui seront ensuite installées dans une structure immersive rappelant les rayons d’une bibliothèque. Chacune de ces sculptures propose une réflexion sur le politique. Ainsi, jeux de pouvoir, partage des richesses, mouvements de population, problématiques de genre, entre autres, seront articulés dans des assemblages constitués de matériaux bruts et d’objets façonnés par l’histoire.

De tels jeux de matières et de provenances auront pour effet de positionner et mettre en opposition des économies différentes en plus de proposer des possibilités d’interactions entre elles. L’objectif de l’artiste est de créer un dialogue entre la société québécoise et canadienne et le reste du monde en plus de souligner certains échanges, points de discorde et réglementations qui relèvent de la sphère publique et qui détiennent une pertinence politique. L’artiste proposera au spectateur de considérer les sphères sociales et politiques, autant d’occasions d’accéder au savoir.

Site de l’artiste

 

 

Porter la nature, 2016,acier et pierres des champs, Photos Nathalie Ermont

 

 

Gali Blay

Born in New York City (United States).   Lives and works in the Netherlands and Israel.

BIO

Gali Blay’s practice is at the intersection of documentary storytelling and speculative design. She researches this in-between world created by images and designs her scenarios within the narrative. The artist uses storytelling in design to tackle complex political structures, and to investigate how their power influence different narratives developing in society.

APPROACH

Never has the perception of reality been more influenced by images than today. And never has there been a higher risk for viewers to be manipulated. As a researcher, the artist is curious about the fictional elements which are created from broadcasting the news and the influence it has on the society who watches it. When Blay consulted the news archive from an Israeli channel from one military operation Israel initiated in Gaza in 2014, she noticed that a narrative of panic and safety had been created.

PROJECT

Blay’s project aims to highlight the complex relationship between fiction and reality which is created by media broadcasters. In her work space, the connection between the displayed scaled models and the video will create a friction between fiction, reality, dystopia and utopia. In recent years the relationship between contemporary measures for safety and the rise of social and community isolation became stronger than ever. Panicutopia will be a documentary video which uses fiction and animation to explore the origins of the induced state of panic embedded in Israeli society through the artificial sense of security and its corresponding unspoken fears. Collected experiences and stories begin to create a picture where panic and utopia collide into a dystopic image.

To better explain or interact with the fictional feeling of safety created in the Israeli reality, the artist will create a fictional community that has chosen to isolate itself from the rest of society and from governmental infrastructure, defense systems.

Blay works

Photo Moranne Mintz

The News Channel, 2017, documentation of performance, Photo Angeline Swinkels

Gali Blay

Née à New York (États-Unis). Vit et travaille aux Pays-Bas et en Israël.

BIO

La pratique de Gali Blay se situe à la croisée du récit documentaire et de la conception spéculative. Elle fouille cet entre-deux créé par les images et conçoit ses scénarios au sein de cette narration. Elle a recours au récit pour s’attaquer à des structures politiques complexes et explorer leur influence sur différents récits qui s’élaborent dans la société.

DÉMARCHE

Jamais la perception de la réalité n’a-t-elle été aussi influencée par les images qu’aujourd’hui. Et jamais n’y a-t-il eu un risque de manipulation aussi élevé pour les regardeurs. Comme chercheure, l’artiste s’intéresse aux éléments fictionnels créés par la diffusion des actualités et à leur influence sur la société qui les consomme. Quand Blay a consulté des archives d’actualités diffusées sur un réseau israélien documentant une opération militaire initiée par Israël à Gaza en 2014, elle a remarqué qu’un récit de panique et de sécurité avait été créé.

PROJET

 

Son projet vise à mettre en lumière la relation complexe entre fiction et réalité qui est créée par les diffuseurs médiatiques. Dans son espace de travail, le lien entre les modèles réduits et la vidéo créera une friction entre fiction, réalité, dystopie et utopie. Au cours des dernières années, la relation entre les mesures de sécurité contemporaines et la montée de l’isolement social et collectif est plus forte que jamais. Panicutopia sera un documentaire vidéo qui utilisera la fiction et l’animation afin d’explorer les origines de l’état de panique qui a été intégré à la société israélienne par un faux sentiment de sécurité et par les peurs tacites qui l’accompagnent. Une collection d’images et de récits trace un portrait où la panique et l’utopie se heurtent pour produire un tableau dystopique.

 

Pour mieux expliquer le faux sentiment de sécurité créé par la réalité israélienne et interagir avec lui, l’artiste créera une communauté fictive ayant choisi de s’isoler du reste de la société, de l’infrastructure gouvernementale et de ses systèmes de défense. Cette communauté émerge d’un collage hybride de cultures existant dans l’État israélien.

Site de l’artiste

Photo Moranne Mintz

The News Channel, 2017, documentation de la performance, Photo Angeline Swinkels

Fred Laforge et Eddy Firmin

Né à Saguenay. Né en Guadeloupe.   Vivent et travaillent à Montréal (Québec).

BIO

Fred Laforge a terminé un doctorat en études et pratiques des arts à l’UQAM en 2016. Son travail a été diffusé au Canada et à l’étranger lors de plusieurs expositions individuelles et collectives, et a récemment été présenté au Musée National de l’estampe à Mexico. Laforge a également réalisé divers projets d’art public au Canada.

Eddy Firmin est diplômé de l’École supérieure d’art du Havre et de l’Institut régional d’art visuel de la Martinique. Il est actuellement doctorant en études et pratiques des arts à l’UQAM. En 2011, Firmin se voyait confier la refonte visuelle des vitraux de la cathédrale Notre-Dame de la Guadeloupe. Sa pratique amalgame sculpture, dessin, arts numériques et performance et interroge le récit d’art dans les fondements de sa culture caribéenne.

DÉMARCHE

La démarche du duo Laforge/Firmin s’articule autour de la rencontre entre l’artiste guadeloupéen, québécois d’adoption, et l’artiste québécois. Les deux partagent une même sensibilité envers les questions relatives à l’identité et à la diversité. D’un point de vue disciplinaire, leurs pratiques englobent le dessin, les arts imprimés, la sculpture et l’installation.

La Guadeloupe et le Québec ont subi le colonialisme de diverses manières. Chacune de ces cultures s’est vue, à différents moments de son histoire, confrontée à des questions d’appropriation, de censure ou d’assimilation. Les interrogations du duo portent sur les notions de pouvoir, d’identité, de diversité et sur les rapports entre groupes dominants et minoritaires. L’enjeu de l’appropriation culturelle leur apparaît d’ailleurs trop souvent instrumentalisé, au profit d’une vision colonialiste ou, au contraire, au bénéfice d’un discours où l’individu est enfermé dans sa dimension ethnoculturelle.

PROJET

Laforge et Firmin souhaitent poursuivre leur réflexion sur l’identité et la diversité. Leurs préoccupations portent sur les rapports tendus et complexes entre ces deux notions. Ils envisagent de travailler à partir d’objets issus de leurs cultures respectives, des objets d’allure artisanale normalement réalisés à partir des procédés industriels. Ceux-ci seront réinterprétés afin d’en ouvrir le sens. Ils seront notamment déformés ou mis en relation avec d’autres pour créer une forme d’hybridation culturelle. Les artistes projettent aussi de créer une installation inspirée des boutiques de souvenirs, dans laquelle seront intégrés les objets créés à quatre mains. Ce dispositif remettra en question le concept d’appropriation culturelle à travers les notions d’exotisme, d’altérité et de mondialisation. L’intérêt d’une telle manipulation est d’explorer l’héritage du colonialisme puisque la boutique de souvenirs s’inscrit dans une continuité de récit, celle du cabinet de curiosités exotiques.

Site de l’artiste Firmin             Site de l’artiste Laforge

Photos Frédéric Laforge

 Fred Laforge, Vénus grecque africaine, 2016, encre sur papier

Eddy Firmin, Lapin meuble, 2016, céramique, meuble, feuille d’or, Photo Guy L’Heureux

Fred Laforge & Eddy Firmin

Born in Saguenay. Born in Guadeloupe.   Live and work in Montreal (Quebec).

BIO

Fred Laforge completed his doctorate in Études et pratiques des arts at UQAM in 2016. His work has been shown in Canada and abroad in several group and solo exhibitions, and he recently presented work at the National Print Museum in Mexico City. This artist has also produced various public art projects in Canada.

Eddy Firmin has a diploma from the École supérieure d’art du Havre and from the Institut régional d’art visuel de la Martinique. He is currently a doctoral student in Études et pratiques des arts at UQAM. In 2011, Firmin was entrusted to visually remodel the stain-glass windows of Notre-Dame de la Guadeloupe Cathedral. His art practice combines sculpture, drawing, digital art and performance, and questions the art narrative of his traditional Caribbean culture.

APPROACH

The practice of the Laforge/Firmin duo is linked to the meeting of the Guadeloupian artist, Quebecois by adoption and the Quebecois artist. The two artists share a similar sensibility concerning identity and diversity. From the perspective of their disciplines, their practices include drawing, printmaking, sculpture and installation.

Both Guadeloupe and Quebec have been subjected to colonialism in various ways. In fact, each of these cultures has been confronted, at various times in history, with issues of appropriation, censure and assimilation. The duo’s questioning focuses on notions of power, identity and diversity and on relations between dominant and minority groups. The issue of cultural appropriation often appears exploited to the advantage of a colonialist vision, or a contrario, to benefit a discourse in which the individual is enclosed in his or her cultural ethnicity.

 

PROJECT

Laforge and Firmin wish to continue their reflection on aspects of identity and diversity. Their concerns will focus on the complex and tensed relations between these two notions. They plan to work with objects stemming from their respective cultures, objects that look like handicrafts but are usually mass-produced. These objects will be reinterpreted in order to unlock their meanings. Hence, they will be distorted or combined to create a form of cultural hybridization. The artists also plan to create an installation inspired by souvenir shops, where they will integrate hand-made objects produced by their four hands. This display will enable the artists to question the concept of cultural appropriation through notions of exoticism, otherness and globalization. Their interest in such experimenting is to explore the heritage of colonialism because the souvenir shop is a continuation of this narrative, such as the curiosity cabinet of exotic objects.

Firmin works                Laforge works

Courtesy of the artists

Fred Laforge, Vénus grecque africaine, 2016, ink on paper

Eddy Firmin, Lapin meuble, 2018, ceramic, furniture, golden leaf, Photo Guy L’Heureux

Ari Bayuaji

Born in Indonesia.  Lives and works in Montreal (Quebec) and Bali (Indonesia).

PROJECT

Bayuaji wants to build a strong body of work, for the Symposium, in with doors that not only focus on the brighter sides of immigration but also illuminate some of the many challenges that we are still facing in our embrace of diversity. He wishes to transform his contemporary sculpture practice into a discourse on adaptation, using the potency of the materials to create a language.

Drawings, paintings and some original door parts collected from various places in the world will be attached to three imitations of door panels. The ready-made objects he will integrate on the panels’ surfaces will be displayed in the studio to look like an installation. They are objects that can attract the visitor’s attention and might trigger a conversation. Through his “doors” the artist wants to share stories he and the visitors have experienced.

 

APPROACH

Bayuaji grew up in a country where people believe that doors provide security and protection but also function as important reminders for people. In some parts of his country, doorways were constructed so that people had to bend down and bow their head as they enter the home, thereby showing respect to the hosts. Many people all over the world are moving, immigrating and being displaced from their homes as the result of global political and climatic issues. There are so many doors people have to go through in life before they find a safe haven behind doors of their own. The artist wants to focus on the doors that connect people rather than the walls that divide them. Bayuaji feels that we are living in a most inspiring time and that it is important for him to open up discussions on these important issues through his artwork.

BIO

Since 2005, Ari Bayuaji has been living between Montreal and Bali (Indonesia) where he has installed his studios, from which he criss-crosses the world to accomplish artist residencies and present exhibitions. Ari Bayuaji’s works represent his response to what is happening today from the perspectives of global political, social, and environmental issues in a most contemporary manner. He has exhibited extensively in Europe, Asia and Montreal.

Bayuaji works

Courtesy of the artist

Voisins 2017,Notre-Dame-du-Bon-Secours Chaptel, mixed media installation

Ari Bayuaji

Né en Indonésie.   Vit et travaille à Montréal (Québec) et à Bali (Indonésie).

PROJET

Pour le Symposium, Bayuaji souhaite construire un corpus d’œuvres prenant la forme de portes qui évoquent non seulement les bons côtés de l’immigration, mais qui mettent aussi en lumière certains des défis à relever dans notre acceptation de la diversité. Il veut transformer sa pratique de sculpteur contemporain en discours sur l’adaptation, en interpellant la puissance des matériaux pour créer un langage.

Dessins, peintures et parties de portes d’origine, glanées à différents endroits du monde, seront attachés à trois faux panneaux de porte. Les objets ready-made qu’il intégrera à ces surfaces seront présentés dans l’atelier de façon à ressembler à une installation. Il s’agit d’objets pouvant attirer l’attention du visiteur et susciter une conversation. Par ces « portes », l’artiste souhaite partager des récits vécus par lui-même et par les visiteurs.

 

DÉMARCHE

Bayuaji a grandi dans un pays où l’on croit que les portes offrent sécurité et protection, mais évoquent aussi le souvenir des gens. Dans certains coins du pays, les embrasures de portes étaient construites de façon à se pencher et à baisser la tête pour entrer dans la maison, manifestant ainsi du respect envers les hôtes. Partout dans le monde, nombreuses sont les personnes qui se déplacent, immigrent et sont forcées de quitter leurs demeures pour des raisons politiques et climatiques. Aujourd’hui, les gens doivent franchir énormément de portes avant de trouver refuge derrière leurs propres portes. Bayuaji s’intéresse aux portes qui réunissent les gens plutôt qu’aux murs qui les séparent. Il pense que nous vivons une époque inspirante et qu’il se doit d’initier des discussions sur ces questions importantes.

 

BIO

Depuis 2005, Ari Bayuaji partage son temps entre ses ateliers à Montréal et à Bali (Indonésie) d’où il rayonne dans le monde au fil de résidences d’artiste et d’expositions. Les œuvres de Bayuaji manifestent généralement une réaction très actuelle à des enjeux politiques, sociaux et environnementaux se déroulant dans le monde. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions en Europe, en Asie et à Montréal.

Site de l’artiste

Photos courtoisies de l’artiste

 

Visions 2017, installation de techniques mixtes, Chapelle Notre-Dame-de-Bon-Secours

Atelier ouvert / Gabrielle Lajoie-Bergeron / August 15th to 26th

 

APPROACH

Lajoie-Bergeron investigates the divisions and interpretations of the world, the body and of history – both large and small. The project “La Noyée – Tremate, tremate, le streghe son tornate” (the drowned woman – shake, shake, the witch is back) inspired by a slogan from the Italian women’s movement of the 1970s, reused in 2017-2018 in several marches for the rights of women, notably in Rome and Washington, and is also from a Charlevoix Metis legend: La Noyée.  With a series of paintings, drawings, small sculptures and installations, she explores the myths and rituals of the figures of witches and shamans. How do embody subversive elements in today’s society and counterculture? How do they illustrate our creativity and resistance, to act as new figures of emancipation? For a longtime persecuted, seen as hysterical or sullied, today they are presented in a better light. Although this return of those who claim to be “witches/shamans” is widespread; these mythologies are nevertheless still disturbing and stimulate heated debates.

PROJECT

Lajoie-Bergeron probes the mechanisms that construct images and history, their reproduction and circulation and the way they become part of everyday life. This expresses a need to reflect on collective and individual narratives through intergenerational discourse. Using a feminist approach, her explorations focus on notions of territory – private, public, uninhabited – and of belonging. What do we think about the notion of conquest and appropriation today? How do we enter it, get out of it, destroy it? Her works broach the relationships of sex, power and animality. Working the normative codes that archetypes of the female figure convey, she tries to fill the void left by images, whether they are feminist, political, social or form the media. She questions how the same representation can be both a source of domination and emancipation.

BIO

Gabrielle Lajoie-Bergeron holds a MFA in Arts visuels et médiatiques from UQAM. Her paintings have been presented in Canada, Europe and Africa, and she has received numerous prizes and grants. She has exhibited her work at the Maisons de la culture de l’île de Montréal’s network. In 2017, she was part of the CALQ delegation (section painting) to the 8th Jeux de la Francophonie in Abidjan, Côte d’Ivoire.

Courtesy of the artist

 

Atelier ouvert / Gabrielle Lajoie-Bergeron / 15 au 26 août

Lajoie-Bergeron remet en question les découpages et interprétations du monde, du corps et de l’histoire – les petites et grandes histoires. Le projet de recherche « La Noyée – Tremate, tremate, le streghe son tornate »  s’inspire d’un slogan du mouvement féministe italien des années 1970 (réutilisé plus récemment (2017-18) dans nombreuses marches pour les droits des femmes – entre autre à Rome et à Washington) et d’une légende métisse de Charlevoix : La Noyée.   Avec une série de peintures, de dessins, de petites sculptures et d’installations, elle s’intéresse aux mythes et aux rituels entourant les figures de la sorcière et de la chamane. Comment ces figures représentent-elles aujourd’hui des éléments subversifs de la société et la contre-culture ? Comment investissent-elles les sphères de la créativité et de la résistance agissant comme de nouvelles figures d’émancipation ? Longtemps persécutées, hystérisées ou souillées, elles se présentent aujourd’hui sous un éclairage plus glorieux. Si ce retour à celles qui se réclament “sorcières/chamanes” est désormais répandu, il n’en reste pas moins que ces réservoirs de mythologies dérangent toujours et soulèvent les passions.

Lajoie-Bergeron sonde les mécanismes de construction des images et de l’histoire, leur reproduction, leur circulation ainsi que leur banalisation, manifestant un besoin de réfléchir aux récits collectifs et individuels à travers une parole intergénérationnelle. Par une approche féministe, ses explorations portent sur les notions de territoire – sauvage, intime, public – et d’appartenance. Comment penser aujourd’hui la notion de conquête du territoire et son appropriation ? Comment y entrer, en sortir, le défoncer ? Ses peintures, dessins, collages et petites sculptures abordent les rapports entre sexe, pouvoir et animalité. Travaillant les codes normatifs véhiculés à travers les archétypes de la figure féminine, l’artiste cherche à combler le vide laissé par les images, que celles-ci soient d’ordre féministe, politique, médiatique ou social. Elle s’intéresse à la manière dont une même représentation peut à la fois être source de domination et d’émancipation.

Gabrielle Lajoie-Bergeron détient d’une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’UQAM. Son travail a été diffusé au Canada, en Europe et en Afrique. Lauréate de nombreux prix et bourses, son travail a été présenté, entre autres, dans le réseau des maisons de la culture de l’île de Montréal. En 2017, elle était de la délégation du CALQ (volet peinture) aux 8e Jeux de la Francophonie à Abijdan, en Côte d’Ivoire.

Photos courtoisie de l’artiste

 

 

Art & Politics FILM projection Thursday Night

The Symposium is proud to collaborate with Les Filmanthropes to present on Thursdays at 8:00 P.M. a selection of movies in relation with the 36th Symposium’s theme: Art & Politics

Thursday August 2, at 8:00 pm.

Inch’Allah

Director: Anaïs Barbeau-Lavalette

2012

Quebec/France

 

Chloé, a Quebecois obstetrician, lives in Israel but works in a nearby Palestinian camp. She makes friends with her neighbour Ava, an Israeli soldier who works as a border guard, and also with Rand, a pregnant Palestinian woman who visits the clinic where Chloé works. She becomes close to Rand and her family, and she spends time with them. While suicide attempts in Israel and army retaliations are increasing, tensions on the border mount. For Chloé, the situation becomes unbearable.

Duration: 1 hour and 41 min.

Thursday August 9, at 8:00 pm

Les ordres

Director: Michel Brault

1974

Quebec

 

October 1970. Following the kidnapping of Richard Cross and Pierre Laporte, in reaction to sympathy expressed for the “terrorists” after the televised reading of their manifesto and its publication in all the newspapers, four hundred and fifty people were arrested, most of them in the middle of the night, and kept in prison for varying lengths of time before being released without any charges made against them. Midway between a fiction and a documentary film, Les Ordres is based on the testimony of fifty or so people imprisoned following the adoption of the War Measure’s Act in October 1970. We follow five characters (three men and two women), whose roles are constructed using these testimonies, from their arrest to their being freed. Prize for direction at the Cannes Film Festival in 1975.

Duration: 1 hour and 47 min.

 

Thursday August 16, at 8:00 pm

Human Flow

Director: Ai Weiwei

 

More than 65 million people around the world have been forced to leave their homes, fleeing famine, climate change and war in the greatest human displacement since World War II. The Chinese documentary filmmaker, artist and activist, Ai Weiwei, throws light on both the spreading refugee crisis and its deeply personal, human impact. Filmed during a turbulent year in twenty-three countries, Human Flow is a testimony to these human beings and their desperate search for safety, shelter and justice: from teeming refugee camps to dangerous journeys on the high seas, to the barbwire fences at the borders; from dispersion and disillusion to courage, endurance and adaptation.

Duration: 2 hours and 21 min.

 

Thursday August 23, t 8:00 pm

Persepolis

Directors: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud

Animation

2007

France

 

Teheran 1978: Marjane, eight years old, thinks about the future and dreams of becoming a prophet and saving the world. Cherished by her progressive and cultivated family, she excitedly follows the events that will lead to the revolution and the fall of the Shah of Iran’s regime. With the establishment of the Islamic Republic, the “religious police” begin their control of people, the clothes they wear and their behaviour. Marjane now must wear a veil but she dreams of becoming a revolutionary. Soon, the war against Iraq will lead to bombings, deprivation and the disappearance of people close to her. Each day the inner repression becomes more severe. In this increasingly difficult context, being rather outspoken and having a rebellious nature becomes problematic. So for her safety, her parents decide to send her to Austria. In Vienna, Marjane, fourteen years old, experiences her second revolution: adolescence, freedom, the intoxication of love, but also exile, loneliness and difference.

Duration: 1 hour and 35 min.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Soirées cinéma «L’Art et Le Politique» jeudi 20h

Le Symposium est heureux de s’associer avec Les Filmanthropes pour vous présenter, les jeudis soirs à compter de 20h00, une sélection de films en lien avec la thématique du 36e Symposium : L’Art et le Politique

Jeudi 2 août, 20h00

Inch’Allah

Réalisation : Anaïs Barbeau-Lavalette

2012

Québec / France

Chloé, une obstétricienne québécoise, habite en Israël mais travaille dans un camp palestinien situé à proximité. Elle se lie d’amitié avec sa voisine Ava, une soldate israélienne chargée de la surveillance de la frontière, mais aussi avec Rand, une Palestinienne qui va bientôt accoucher et qui fréquente la clinique où elle travaille. Elle se rapproche même de sa famille et vit quelque temps auprès d’eux. Alors que les attentats-suicides en sol israélien et les représailles de l’armée dans le camp s’accumulent, la tension monte à la frontière. Pour Chloé, la situation devient insoutenable.

Durée : 1h41

Jeudi 9 août, 20h00

Les ordres

Réalisation : Michel Brault

1974

Québec

Octobre 1970. Suite aux enlèvements de Richard Cross et de Pierre Laporte, en réaction à la sympathie pour les « terroristes » après la lecture télévisée et la publication dans tous les journaux de leur manifeste, quatre-cent-cinquante personnes sont arrêtées, la plupart en pleine nuit, et demeurent en prison, pour des durées variables, avant d’être relâchées sans qu’aucune accusation ne soit portée contre elles.

À mi-chemin entre la fiction et le documentaire, Les Ordres est basé sur le témoignage d’une cinquantaine de personnes emprisonnées à la suite de l’adoption de la Loi sur les Mesures de guerre en octobre 1970. Nous suivons cinq personnages (trois hommes et deux femmes) construits à partir de ces témoignages, de leur arrestation à leur libération. Prix de la mise en scène au Festival de Cannes en 1975.

Durée : 1h47

Le jeudi 16 août, 20h00

Human Flow

Réalisation: Ai Weiwei

Documentaire

2017

États-Unis

Plus de 65 millions de personnes dans le monde ont été forcées de quitter leur foyer pour échapper à la famine, aux changements climatiques et à la guerre dans l’un des plus grands déplacements humains depuis la Seconde Guerre mondiale. Le documentaire, de l’artiste et activiste chinois Ai Weiwei, élucide à la fois l’échelonnement de la crise des réfugiés et son impact humain profondément personnel. Tourné au cours d’une année mouvementée dans vingt-trois pays, Human Flow est un témoin de ces êtres et de leur recherche désespérée de sécurité, d’abri et de justice : des camps de réfugiés grouillants à des passages dangereux sur des océans, jusqu’à des frontières barbelées ; de la dislocation et de la désillusion au courage, à l’endurance et à l’adaptation.

Durée : 2h21

Jeudi 23 août, 20h00

Persepolis

Réalisation : Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud

Dessin animé

2007

France

Téhéran 1978 : Marjane, huit ans, songe à l’avenir et rêve de devenir une prophète sauvant le monde. Choyée par des parents modernes et cultivés, elle suit avec exaltation les évènements qui vont mener à la révolution et provoquer la chute du régime du Chah d’Iran. Avec l’instauration de la République islamique débute le temps des « commissaires de la révolution » qui contrôlent tenues vestimentaires et comportements. Marjane qui doit porter le voile, se rêve désormais en révolutionnaire.
Bientôt, la guerre contre l’Irak entraîne bombardements, privations, et disparitions de proches. La répression intérieure devient chaque jour plus sévère. Dans un contexte de plus en plus pénible, sa langue bien pendue et ses positions rebelles deviennent problématiques. Ses parents décident alors de l’envoyer en Autriche pour la protéger. À Vienne, Marjane vit à quatorze ans sa deuxième révolution : l’adolescence, la liberté, les vertiges de l’amour mais aussi l’exil, la solitude et la différence.

Durée : 1h35

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bourse Jean-Claude-Rochefort of UQAM August 25th, 4:00 pm

The Grant, created in memory of this important figure in Quebec contemporary art, is awarded to students studying art history at Université du Québec à Montréal who are outstanding in their research in contemporary art.

Visitors to the Symposium are invited to meet the winner of the 2018 Bourse Jean-Claude-Rochefort on Saturday, August 25th at 4:00 pm.

Jean-Claude-Rochefort was born in Saint-Hilarion de Charlevoix in 1957. He lived in Charlevoix and in Montreal, where he worked as an art critic at Le Devoir, Spirale, Vie des Arts and as an independent curator. He was a gallery director and curator, a key figure and an inspiration to the Montreal contemporary art scene. He died tragically in June 2010. This grant reminds us that his spirit is still alive in the mountains and valleys of the Charlevoix region that he so loved.

Aydin Matlabi Humanitarian Artist: Voice of the Marginalized / Saturday August 18, 4:30 pm

The humanitarian photographer, Aydin Matlabi will share his views of the world: he who has travelled the planet to show us human crises, conflicts and upheavals. His photographs embody accounts of suffering but also represent the inherent strength of human nature.

 

Aydin Matlabi holds a BFA and an MFA. His work explores the way that art can be communicated from one culture to another. Having worked in Southern Asia, Afghanistan, Haiti, Iran and Iraq as well as in many other war zones, Aydin is interested mainly in the ability of communities to overcome violence. In collaboration with the people living in the locality he visits, Aydin constructs a visual narrative that can be understood on an international level.

Photo Richard-Max Tremblay

Aydin Matlabi Artiste humanitaire : La voix des marginalisés / 18 août 16h30

Le photographe humanitaire Aydin Matlabi partagera son point de vue sur le monde, lui qui parcourt la planète pour témoigner des crises, conflits et bouleversements humains. Ses photos incarnent des récits de souffrance mais aussi de force inhérente à la nature humaine.

Aydin Matlabi détient un baccalauréat et une maîtrise en art. Son exploration porte sur la manière dont l’art peut se communiquer d’une culture à l’autre. Ayant travaillé en Asie du Sud, en Afghanistan, en Haïti, en Iraq, en Iran et dans plusieurs autres zones de guerre, Aydin s’intéresse principalement à la capacité des communautés à surmonter la violence. Œuvrant en collaboration avec les gens qu’il rencontre, Aydin construit un récit visuel qui peut être compris à l’échelle internationale.

Photo Richard-Max Tremblay

Historical facts in the Practice of Carl Trahan / Saturday August 11, 4:30 pm

The Symposium welcomes Carl Trahan, winner of the Prix MNBAQ in contemporary art for 2016. He will present his work, which explores the twisted links between writing and politics.

Carl Trahan’s multidisciplinary art practice is concerned with the period between the industrial revolution and the Second World War. Dwelling on certain events and historical texts, he broaches in particular, the spiritual crisis tied to the advanced sciences and technologies in the 19th century and their repercussions in European culture and politics that led to important world conflicts. He has had many solo and group exhibitions in Montreal, Quebec City, Toronto, Berlin, Rome and Créteil (France). And he has been artist in residence at Espoo (Finland), in Paris, Rome and Berlin. In 2017, the MNBAQ presented his first museum exhibition.

Courtesy of the artist

Données historiques dans la pratique de Carl Trahan Samedi 11 août 16h30

Le Symposium accueille Carl Trahan, lauréat du Prix MNBAQ en art actuel de 2016. Il présentera sa démarche d’exploration des liens tordus entre l’écriture et la politique.

La pratique multidisciplinaire de Carl Trahan traite de la période comprise entre la révolution industrielle et la deuxième guerre mondiale. En s’attardant à certains événements et textes historiques, il aborde notamment la crise spirituelle liée aux avancées scientifiques et technologiques du 19e siècle et ses répercussions dans la culture et la politique européenne ayant mené aux grands conflits mondiaux. Il compte plusieurs expositions individuelles et collectives à son actif, entres autres à Montréal, Québec, Toronto, Berlin, Rome et Créteil (France). Il a été artiste en résidence à Espoo (Finlande), Paris, Rome et Berlin. En 2016, le MNBAQ lui consacrait sa première exposition muséale en 2017.

Photo courtoisie de Carl Trahan

Meet Anaïs Barbeau-Lavalette Friday August 3, 4:30 pm

The Symposium proposes a meeting with Anaïs Barbeau-Lavalette, prolific Quebec filmmaker, scriptwriter, and novelist.

Anaïs Barbeau-Lavalette has a terribly clear perspective of the world around her, but it is both tender and balanced. Named the Artist for Peace in 2012, she has directed some fifteen documentary films, most notably, SI J’AVAIS UN CHAPEAU, LES PETITS GÉANTS (with Émile Proulx-Cloutier), (Prix Gémeaux Best Documentary), SE SOUVENIR DES CENDRES (Prix Gémeaux Best Documentary), LE PLANCHER DES VACHES (with Émile Proulx-Cloutier) and MA FILLE N’EST PAS À VENDRE; two feature films, LE RING and INCH’ALLAH, (prix FIPRESCI international critics’ award), and several short films of fiction that have also received acclaim (INA LITOVSKI, and PRENDS-MOI). She has published two novels, JE VOUDRAIS QU’ON M’EFFACE and LA FEMME QUI FUIT (the Booksellers Prize, the Grand Montréal Prize, the France-Québec Prize), and a column about her travels in Palestine (EMBRASSER YASSER ARAFAT).

Photo Eva-Maude Tessier

 

Rencontre avec Anaïs Barbeau-Lavalette 3 août 16h30

Le Symposium vous propose une rencontre avec Anaïs Barbeau-Lavalette, prolifique réalisatrice, scénariste et romancière québécoise.

Anaïs Barbeau-Lavalette porte un regard terriblement lucide, mais à la fois tendre et équilibré sur le monde qui l’entoure. Artiste pour la paix de l’année 2012, elle  a réalisé une quinzaine de documentaires notamment SI J’AVAIS UN CHAPEAU, LES PETITS GÉANTS (avec Émile Proulx-Cloutier), (Prix Gémeaux Meilleur Documentaire), SE SOUVENIR DES CENDRES  (Prix Gémeaux Meilleur Documentaire), LE PLANCHER DES VACHES (avec Émile Proulx-Cloutier) et  MA FILLE N’EST PAS À VENDRE ; deux long-métrages de fiction, LE RING et INCH’ALLAH,  (prix FIPRESCI de la critique internationale). Elle signe aussi plusieurs court-métrages de fiction à leurs tours acclamés (dont INA LITOVSKI, et PRENDS-MOI). Elle a également publié deux romans , JE VOUDRAIS QU’ON M’EFFACE et LA FEMME QUI FUIT (prix des Libraires, Prix du Grand Montréal, Prix France-Québec), et des chroniques de voyage en Palestine (EMBRASSER YASSER ARAFAT).

Photo Eva-Maude Tessier

 

 

Dominique Blain Saturday July 28, at 3:00 pm

The 36th Symposium is pleased to welcome Dominique Blain, our first speaker who will share with us her views on Art and Politics. Social history and politics is the focus of her work, which concerns her need to understand where she comes from and the position that she occupies in this world in constant upheaval.

 

Her work is not a representation of politics but rather a place she creates to question politics through art. She has presented her work in many cities across North America, Europe and Australia. Ms. Blain has produced numerous public art works in Quebec, in particular, at the CHU Ste-Justine pour enfants (2006), Le Théatre du Nouveau Monde, (2011); the Montreal Museum of Fine Arts, Bourgie Pavilion (2011) and the Montreal Symphony Orchestra concert hall (2011). She was awarded the Prix Paul-Émile-Borduas, Prix du Québec in 2014.

Photo MCCQ

Conférence de Dominique Blain, samedi 28 juillet 15h

Le samedi 28 juillet à 15h

DOMINIQUE BLAIN, Présidente d’honneur

Le 36e Symposium accueille, pour amorcer sa série de conférences, Mme Dominique Blain. L’histoire sociale et politique est au cœur de son travail qui est porté par un besoin de comprendre d’où elle vient et de la position qu’elle occupe dans un monde en constant bouleversement.

Sa démarche n’est pas une représentation du politique, mais plutôt le lieu d’un questionnement artistique sur le politique. Elle a exposé dans plusieurs villes nord-américaines, européennes ainsi qu’en Australie. Elle a également réalisé plusieurs œuvres  publiques au Québec, dont, notamment, pour le CHU Ste-Justine pour enfants,(2016), Le Théâtre du Nouveau Monde, (2011) ; le Musée des beaux-arts de Montréal, Pavillon Bourgie (2011) ; l’Adresse symphonique de Montréal (2011). Elle a reçu le prix Paul-Émile-Borduas, Prix du Québec, en 2014.

Photo MCCQ

Sylvie Lacerte, Artistic Director Art and Politics

 

We are very happy to welcome you to the 2018 Art and Politics edition of the 36th International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul. Throughout its existence, the event has been presented repeatedly while remaining faithful to its identity and leitmotif, that of bringing art to the public, which at the beginning, was an audacious stance. In the early 1980s, making artists work in front of the public was not easy, for either the artists or the public or the contemporary art milieu. In 1982, at the height of the postmodern era, art discourse often took precedence over the art itself. Discourse that at times was hermetic. Making creative people work in front of visitors was seen as a heresy. Some detractors criticized the Symposium for caging the artists to perform like dogs in a zoo or circus. Time has passed; the discourse and the art practices have changed particularly with the arrival of cultural mediation, reaching us in a wave from France. Straightaway, one began taking the viewer into account. Later with the introduction of digital and interactive works that require the contribution of “manipulators,” viewers became “participants.” This said, one must not forget to mention that several art movements in the 1960s and 1970s were concerned with an exchange between the public and the artworks in which the creative processes became as important as the resulting work if not more so.

The philosopher Bernard Stiegler stated the following: “Art is political: aesthetics is political and the political is aesthetic.” This notion dates back to Antiquity[1] and remains even more incisive today. The 2018 International Symposium of Contemporary Art will be a response to the G7 Summit, another type of symposium, which will be held a short distance from Baie-Saint-Paul. This is no ordinary situation. At the G7, it is a matter of, among other things, “the advancement of gender equality, the fight against climate change and the promotion of respect for diversity and inclusion.” What will one really remember about this a few weeks later? Are today’s most powerful Heads of State really ready to engage in resolving these major issues?

The situation and political dynamics in the world have completely changed since the fall of the Berlin wall, the events in Tiananmen Square, the attacks of September 11, 2001, and closer to us, since the laborious and painful process of reconciliation with Indigenous peoples and the reception of refugees. We are the quasi-powerless witnesses to the upheavals and armed conflicts to which many regions of the planet are subjected. Nation-States need to be redefined, theocracies and repressive regimes are taking over the geopolitical scene, but resistance is already being expressed. The globalised and relocated economy has completely transformed the labour market and (over)consumption, unrestrained capitalism rules, accentuating the gap between the rich and the poor. The United Kingdom’s departure from the European Union (Brexit) produces political and economic uncertainty in Europe and for refugees. The election of Donald Trump’s in the U.S.A. makes us fear the worst, encouraging fake news, lies and the rise of populism. What will happen to the Paris Accord now that the U.S.A. and its climate sceptics have withdrawn from it? Terrorism and the radicalization of young people are happening increasingly closer to us. This is no longer a distant phenomenon that doesn’t concern us. How do we grasp a new version of the world without falling into the paranoia that propaganda is stirring up?

Artists have the capacity to imagine ways of getting out of this very real chaos, and the key to helping us emerge from the stagnation. They possess clear-sightedness and intuitive-ness that few of us have. For the younger generations, cynicism no longer seems an option. While we are brooding, without minimizing the situation that the world is now in, could we not, naively perhaps, bring “imagination to those in power”? I adopted this slogan from May ’68 in the call for projects for the 2018 Symposium. It has been used recently for the Nuits des Idées (Night of Ideas) at UQAM.

We are delighted to present the artists who have been selected for the 2018 edition of the ISCABSP. They are of diverse origins and work in multiple mediums, materials and disciplines. These artists, each in his or her way, are engaged in this year’s proposed theme. I know that they have in common this impetus to share their ways of working and thinking about their art with the visitors. I am convinced that they have audacious surprises in store for us with their art projects. Although the concept of the Symposium itself requires working in front of the public, this “method” is still unusual for the majority of artists. In a group dynamics, the Symposium often gives rise to fruitful exchanges among the artists themselves and brings about very enriching discussions with the public. This enables, among other things, the demystifying of art making. This approach of mediating between the art’s creation and the public’s reception of it represents in itself a resolutely political gesture.

In parallel with the Symposium, we are offering a series of fascinating activities, such as artists’ presentations, concerning the projects they are working on during the month of August, invited artists’ talks in which they speak about the political process of their practice, screenings of films, performances, a paper given by the winner of the Jean-Claude-Rochefort Prize and surprise-entertainment at the close of the Symposium that will leave no one indifferent!!

Welcome to Art and Politics at the Symposium, have a good time and a great visit, and I hope you have many captivating exchanges!

 

Sylvie Lacerte, Ph.D.

Artistic Director

[1] In particular, The Banquet by Plato (banquet: symposion in Greek and symposium in Latin)

Photo Jules Cloutier Lacerte

 

Historian of art and museums, Sylvie Lacerte is the author of La médiation de l’art contemporain (2007), taken from her doctoral thesis. She was the co-organizer with Nathalie Bondil, Director and Head Curator at the Montreal Museum of Fine Arts of La Balade pour la Paix: An Open-Air Museum, an immense public art exhibition on Sherbrooke Street in 2017. Independent curator, art critic, lecturer, author and teacher (UQAM, McGill University and Laval University), Sylvie Lacerte has held various other positions such as artistic director of Spirale magazine and as a visual arts specialist for the Quebec Government in its policy of integrating art into architecture.

Mot de Sylvie Lacerte, directrice artistique

Nous sommes très heureux de vous accueillir à l’édition L’Art et le Politique, du 36e Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul. Au fil de son existence, l’événement a su se renouveler tout en restant fidèle à son identité et son leitmotiv, celui de rapprocher l’art du public – ce qui était, pour l’époque, une posture audacieuse. Faire travailler les artistes, au début des années 1980, devant le public, n’a pas été chose facile, tant pour les artistes que pour le public et le milieu de l’art contemporain. En 1982, en pleine ère postmoderne, le discours sur l’art primait souvent sur l’art lui-même. Faire œuvrer des créateurs devant des visiteurs était perçu comme une hérésie. Certains détracteurs reprochaient au Symposium d’encager les artistes, à l’image de chiens savants dans un cirque. Le temps a passé, les discours et les pratiques artistiques se sont transformés notamment avec l’arrivée d’une déferlante parvenue de la France : la médiation culturelle. On a, dès lors, commencé à tenir compte des regardeurs. Plus tard, avec l’arrivée du numérique et des œuvres interactives les regardeurs sont devenus des « participants ». Plusieurs courants artistiques des années 1960 et 1970 préconisaient aussi un échange entre les publics et les œuvres, où les processus de création étaient plus importants que le résultat de l’œuvre elle-même.

Selon le philosophe Bernard Stiegler « L’art est politique : l’esthétique est politique et le politique est esthétique. » Cette notion qui remonte à l’Antiquité[1] demeure on ne peut plus percutante aujourd’hui. Le SIACBSP de 2018 fait écho au Sommet du G7, autre type de symposium, tenu à quelques encablures de Baie-Saint-Paul. Cette conjoncture n’est pas banale. Au G7, il aura été question, entre autres, de « faire avancer l’égalité des sexes, de lutter contre les changements climatiques et de promouvoir le respect de la diversité et de l’inclusion ». Qu’en retiendra-t-on vraiment quelques semaines plus tard ? Les Chefs d’État les plus puissants d’aujourd’hui sont-ils prêts à s’engager véritablement dans la résolution de ces enjeux majeurs ?

La donne et la dynamique politiques planétaires se sont complètement transformées depuis la chute du mur de Berlin, les évènements de la place Tian’anmen, les attentats du 11-Septembre et chez nous notamment, depuis l’amorce du laborieux et douloureux processus de réconciliation avec les Premiers Peuples et l’accueil des réfugiés. Nous sommes les témoins quasi impuissants des bouleversements et des conflits armés subis par une partie de la planète. Les États-nations sont à se redéfinir, les théocraties et les régimes répressifs prennent l’avant de la scène géopolitique, mais la résistance commence déjà à s’exprimer. L’économie globalisée et délocalisée a métamorphosé le marché de l’emploi et de la (sur)consommation, le capitalisme sauvage fait sa loi, accentuant l’écart entre les riches et les pauvres. La sortie du Royaume-Uni de l’Union européenne (Brexit) crée une incertitude politique et économique pour l’Europe et pour les réfugiés. L’élection de Donald Trump aux États-Unis fait craindre le pire en encourageant les faits alternatifs, les mensonges et la montée des populismes. Qu’arrivera-t-il de l’accord de Paris alors que les États-Unis et ses climato-sceptiques s’en sont retirés ? La radicalisation des jeunes adultes et le terrorisme frappent de plus en plus près de nous. Ce n’est plus un phénomène lointain qui ne nous touche pas. Comment appréhender un nouveau modèle sans tomber dans la paranoïa qui attise la propagande ?

(more…)

Photo Jules Cloutier Lacerte

Historienne de l’art et des musées, Sylvie Lacerte est l’auteure de La médiation de l’art contemporain (2007), tirée de sa thèse de doctorat. Elle fut co-commissaire, avec Nathalie Bondil, directrice et conservatrice en chef du Musée des beaux-arts de Montréal, de La Balade pour la Paix, une exposition d’art public sur la rue Sherbrooke en 2017. Commissaire indépendante, critique d’art, conférencière, auteure et enseignante (UQAM, Université McGill et Université Laval), Sylvie Lacerte a occupé divers postes dont Directrice artistique de la revue Spirale et spécialiste des arts visuels pour la politique d’intégration des arts à l’architecture pour le Gouvernement du Québec.

Marc Séguin, Symposium Spokesperson

 

Portrait. Courtesy of the artist.

Marc Séguin was born in Ottawa on March 20, 1970. He received a BFA from Concordia University and presently lives and works in Montreal and New York City. Right away in 1996, his first solo exhibition presented large-format paintings that were of an arresting calibre. This exhibition attracted the favourable attention of critics and collectors.

A talented printmaker as well as a prolific painter, Marc Séguin’s work was selected by curators at the Musée d’art contemporain de Montréal for inclusion in the now celebrated De fougue et de passion group exhibition of 1997. Then in 2000, they invited him to present a solo exhibition of his large paintings on the theme of a medieval rose window. This exhibition also was shown in France at the Canadian Cultural Centre in Paris during the summer of 2001, and travelled to various Canadian cities in 2003.

Since 2000, the Musée d’art contemporain de Montréal, the Montreal Museum of Fine Arts and the Musée national des beaux-arts du Québec have acquired major works. And Marc Séguin’s prints and paintings are found in numerous corporate and private collections in Quebec, Canada and the United States. To date, Marc Séguin has had more than twenty solo exhibitions and participated in as many group exhibitions and international art fairs in Madrid, Barcelona, Venice, Berlin, Cologne, New York, Miami, Chicago, Brussels and Namur.

Marc Séguin is also a novelist and in 2009, he published La foi du braconnier for which he received the 2010 Prix littéraire des Collégiens. In 2012, Hollywood, his second novel, was a finalist for the 2013 Governor General’s Literary Award in the category of French-language fiction.

In 2002, Marc Séguin participated in the International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul. And in 2013, the Musée d’art contemporian de Baie-Saint-Paul presented an exhibition of his work La Foi du collectionneur. For a second consecutive year, Marc Séguin is the spokesperson for the International Symposium of Contemporary Art.

Option Diaz – Visit the Symposium with Marc Séguin and Sébastien Diaz

Option Diaz – Sébastien Diaz interviews Marc Séguin at the Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul

La Fabrique culturelle – Marc Séguin, Dan Brault and Sara A. Tremblay on their experience at the Symposium

Artexte

Photo : Artexte.

Artexte

July 28 to august 27

The Future is Created in the Past: Science Fiction in Contemporary Art from 1967 to Now.

Artexte presents an exhibition of documents from their collection exploring the theme of science fiction in contemporary art. Posters, artists’ books, exhibition catalogues and images, showcase artistic projects from the late 1960’s to the present. The exhibition reflects on the ways in which artists examine and perceive of the universe. They explore the social, political and environmental realities of the past and present temporalities, to imagine possible worlds of the future.

Artexte

Documents tirés de la collection d’Artexte. Photo: Artexte.

Artexte

Du 28 juillet au 27 août 2017

L’avenir se construit au passé : la science-fiction dans l’art contemporain, de 1967 à nos jours.

Artexte présente une exposition de documents tirés de sa collection, qui explorent le thème de la science-fiction dans l’art contemporain. Des affiches, des livres d’artistes, des catalogues d’exposition ainsi que des images témoignent de projets artistiques réalisés à partir de la fin des années 1960 au présent. L’exposition est révélatrice des façons avec lesquelles les artistes examinent et perçoivent l’univers. Ils explorent les réalités sociales, politiques et environnementales, des temporalités passées et présentes et imaginent les possibilités futures du monde.

Theme for 2017

Pasts in the Present. 

35th Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul
July 28 to august 27 2017

The summer of 2017 will be the 35th Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, an event that Françoise Labbé introduced in 1982 as the Symposium international de la jeune peinture du Canada.

On this occasion, the 2017 edition will look at the question of history, presenting the many ways that artists have developed to examine the construction of history. With the decline of the avant-garde model, artists no longer see themselves as continuing the progress of history, but rather draw widely on its resources as well as that of objects, facts, ideas and models of the past.

Our era, moreover, stands out as having lost confidence in the historical perspective, being even disenchanted when faced with the actual future of humanity. During the 1980s, the emergence of technology and of digital tools linked these new production means to the future of society; however, today their use, always more widespread, reduces this promise to a momentary experience and an unrestrained acceleration of successive events.

In this context, contemporary art works produce, perform and represent history differently. Artists appropriate the past, reinterpret it and replay it in order to reinvent our manner of seeing and envisioning the future in a new way.

Here are just a few of the areas to explore these issues:

  1. Forgetfulness and Memory
  1. The Included and the Excluded from History
  2. The Micro Accounts of History
  3. The Setting in Ruins
  4. Anachronisms, Parachronisms and Uchronia
  5. Travelling in Time
  6. Archaeology of the Future
  7. The Idea of Progress
  8. Utopia
  9. Any other art project, exploring the construction of history, or looking towards the future.
Portrait of Marie Perrault. Photo: Louis-Charles Dumais.

Marie Perrault, Artistic Director

Marie Perrault, an art critic and curator, has produced many contemporary art exhibitions and has written numerous essays for art publications and catalogues, as well as monographs on the work of Marie Côté, Jean-Pierre Morin, Pascal Dufaux, Isabelle Hayeur, Alan Storey and Anne Ramsden.

She is interested in singular art practices that are concerned with current social issues, the anthropological and sociological impact of technology and on the implications that public art raises. 

Portrait of Denys Premier. Photo: Paul Simon.

DenysTremblay, president of honour

Denys Tremblay was the main organizer of the International Environmental Sculpture Symposium at Chicoutimi in 1980, and is known for a performance that lasted 14 years in which he became l’illustre Inconnu (a person of obscure repute). This performance enabled him, in particular, to definitively bury metropolitan art history; however, this was reasserted during his exhibition at Centre Pompidou in Paris, and when saving and integrating the Arthur-Villeneuve house into the Pulperie de Chicoutimi Regional Museum and acceding to the municipal kingship in 1997.

After this he was known as Roi de l’Anse (King of the Cove) in Saguenay-Lac-Saint-Jean until he abdicated in 2000. In 2009, Hervé Fischer wrote a well-illustrated book about him titled Un roi américian, published by VLB éditeur.

 

His art practice is concerned with understanding History in order to create a personal narrative that at same time affects the course of events. This interest in historical construction accounts for his invitation to be the president of honour.

 

Stéfanie Requin Tremblay

©Stéfanie Requin-Tremblay, Rincebook. Jour 1, 2011, artist’s book, 16 x 24 cm. Photo courtesy of the artist.

Stefanie Requin Tremblay
Quebec City, Quebec

Approach

For the last few years, Stéfanie Requin Tremblay has drawn literary and graphic inspiration from the Internet. Using her news feed as motivation for her work, she combines minimal and punk aesthetics, poetic texts and incisive images. Away from the computer, her works take diverse printed forms such as photographs, collage, artist’s books, fanzines, photo stories, nourishing a private world that is violent, feminine, obsessed with themes of anxiety, hygiene, karaoke and management, all produced in a pop imagery of the 1980s and 1990s up until the 2000 years.

 

Project

In the framework of the Symposium, she intends to collect notable elements from her news feed, from both the public and the private spheres, gathering articles, commentaries, private messages, news items and images. She will re-appropriate these elements and transpose them into drawings, files, photographs, even as written poetry.

With the idea of “printing the Internet,” she will attempt to counter the Web’s obsolescence by recording these exchanges and this flux of virtual information that is being erased as soon as it is seen and read. Gathering together ephemeral images and articles, she would like to make a portrait showing our current time, thinking of Facebook as a narrative space and recorder of the present, with the objective of maintaining its existence, however it will be, in the future.

 

Biography

Stéfanie Requin-Tremblay has a MFA in visual art from Université du Québec à Chicoutimi (2009). She has presented her work in solo and group exhibitions in Quebec, such as in Saguenay, at the artist-run centre Le Lobe in 2007, at Espace Virtuel and at Centre Bang in 2008, at Galerie de l’Œuvre de l’Autre in 2011, as well as at Centre Sagamie in Alma in 2011 and at VU Photo in Quebec City in 2015.

She also has participated in various events and artist residencies in Quebec, in particular at Folie/Culture in Quebec City and in Saguenay in 2014 and at centre DARE-DARE in Montreal in 2016. She was recently curator in residence at artist-run centre Le Lobe in Saguenay, where she prepared a publication titled Obsolescence pop, highlighting five artists who examine the influence of the Internet and popular culture on contemporary art.

 

For more info: www.stefanierequintremblay.com

Portrait.Photo Max-Antoine Guérin.
© Stéfanie Requin Tremblay. 2017. Photo credit : René Bouchard.
© Stéfanie Requin Tremblay. 2017. Photo credit : René Bouchard.
©Stéfanie Requin-Tremblay, Sels de bain, 2013, digital photo. Photo courtesy of the artist.
©Stéfanie Requin-Tremblay, Sels de bain, 2013, artist’s book. Photo Rocket Lavoie.
©Stéfanie Requin-Tremblay, Sels de bain, 2013, digital print. Photo Nicolas Lévesque.
©Stéfanie Requin-Tremblay, Bronzage molo, 2016, digital collage. Photo courtesy of the artist.

Jean-Charles Remicourt-Marie

© Jean-Charles Remicourt-Marie, Klankstelsel, 2014, 27 x 25 x 21 cm. Photo Michèle Gottstein.

Jean-Charles Remicourt-Marie
Hérouville-Saint-Clair, France

Approach

Jean-Charles Remicourt-Marie’s art process lies at the threshold of art, architecture and historical investigation. In search of a formal language suitable for public space, he produces sculpture and models in dialogue with the history of architectural utopia, as an intellectual outburst, inviting us to discover a new imaginary world.

Within his projects, he explores architectural forms specific to certain political doctrines. He process reveals how a societal project, whether humanist or authoritarian, displays a formal language in public space. The aim of his work is to view the architectural heritage of an area as a continuous weaving in time and space rather than as a succession of historical strata, distinct one from the other. With this viewpoint, his sculpture work is nourished with aesthetic accounts and contradictions related to sites or places, revealing their political ruptures and continuities.

He works mainly with references from the history of utopia, most notably Claude Nicolas Ledoux’s Ideal City of Chaux or Vincent Callebaut’s futuristic-like ecodistrict projects. Famous for their social dimension and their ability to propose new modes of existence, these projects generated a formal language that was at odds with standardised models of the time, a necessity, according to Jean-Charles Remicourt-Marie, to develop a rigorous utopian imagination.

Project

For the Symposium, he will produce works in which the format will maintain a dialogue with the history of utopia. To do this, he would like to play with this formal heritage and produce a succession of sculptures that will be set out as models for projects of a greater scope. Plans, photomontages and drawings along with the models will serve to create an immersive space, so the dynamic process from which utopia arises can be transmitted to the viewer.

In this way, past and future utopias appear as so many lively forms, inviting the viewer to feel concerned by the crucial current questioning.

Biography

Jean-Charles Remicourt-Marie holds a master’s degree in arts visuels from École supérieure d’arts & médias de Caen. His work has been presented at Tama Art Museum in Tokyo (Japan, 2015), at the Biennale des jeunes artistes européens de Mulhouse (2015). In 2016, he produced two public commissions Déversoir et Module #0 in the Aquitaine region, in France. He has participated in residencies at Caraminot, Usine and Caza d’Oro in France during 2016. In 2017, he was an artist in residence at le centre d’art l’Œil de poisson at Complexe Méduse.

Portrait. Photo Marie-Blanche Pron.
© Jean-Charles Rémicourt-Marie. 2017. Photo credit: René Bouchard.
© Jean-Charles Remicourt-Marie, Déversoir (model) 2015, 40 cm (diameter). Photo courtesy of the artist.
© Jean-Charles Remicourt-Marie, Pièces à conviction, 2014, collection of French police badges, 12 cm (diameter) each. Photo Michèle Gottstein.
© Jean-Charles Remicourt-Marie, Peinture de guerre # 1, 2014, mural painting, variable dimensions. Photo Michèle Gottstein.
© Jean-Charles Remicourt-Marie, Module # 0, 2016, 180 x 180 x 200 cm. Photo courtesy of the artist.

The Famille Plouffe

© Guillaume Boudrias-Plouffe, Le billochet, 2012, performance and installation, variable dimensions. Photo Émilie Levert.

The Famille Plouffe
Longueuil, Québec

Approach

The Famille Plouffe updates the “anecdotes” of places that they experience through unpretentious conjuring tricks in order to make us believe in a wonderful and fantastic moment. Through this playful prism of childhood, the material, having a common, everyday domestic quality, passes on the essential delights that the legendary and fabulous suggest.

These works, therefore, are imbued with popular culture, such as stories, familiar expressions, gestures, vernacular objects and know-how, highlighting and taking advantage of passing on the wealth of an “intangible cultural heritage,” not always appreciated as such. This is the raw material at the base of the work.

Elsewhere, the precarious balance of the materials gives body to the favourite themes, showing the fragility of our heritage in the context of worldwide cultural upheavals. Thus, the need to update this individual and collective heritage is still very much alive, sometime seven in spite of everything.

Project

Titled Toute une trotte !, the Famille Plouffe’s para-diorama project will reinterpret stories of popular culture from the Charlevoix region, along with the memories of visitors. This will be displayed in vernacularium form; a presentation of what is talked about, what one cultivates and makes up day-to-day.

The ensemble will be presented as an encounter between an augmented diorama and an historical reinterpretation of regional cultural referents. The work will be imbued with a triad of Charlevoix’s departed, such as the Alexis le Trotteur, the Échassiers de la Baie (Stilt-walkers) and the pinières of Baie-Saint-Paul. The intergenerational exchanges with visitors will be transformed into meeting place performances around reminiscences nourished with a collective popular heritage.

Biography

The Famille Plouffe has worked together since the arrival of each one in the life of the other. However, they only recently decided to use this shared signature. During a family stay at the Maisons Daura, international artists’ residencies at Saint-Cirq-Lapopie in France, their exchanges were revealed as vital to their artistic process, for both the current and previously produced work.

In the past, Guillaume Boudrias-Plouffe, with great support and collaboration from those close to him, has presented projects in Quebec, notably at AXENÉO7 Axe Néo 7 in Gatineau, at Galerie B-312 and DARE-DARE in Montréal, as well as at the Musée d’art contemporain des Laurentides in Saint-Jérôme. He also participated in artists’ residencies at 3e impérial in Granby and at L’Arsenal in Montréal. He has received several prizes such as the emerging artist prize from Conseil montérégien de la culture et des communications, the Prix Joseph-S.-Stauffer, as well as grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec and the Canada Council for the Arts. The Famille Plouffe presentation at the International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul will be the first acknowledgement of their communal signature.

For more info: www.astroclown.net

Portrait.Photo courtesy of the artists.
© The Famille Plouffe. 2017. Photo credit : René Bouchard.
© The Famille Plouffe. 2017. Photo credit : René Bouchard.
© Guillaume Boudrias-Plouffe, in collaboration with Émeline Plouffe, La Princesse des Cantons de l’Est, 2014, photograph. Photo courtesy of the artists.
© Guillaume Boudrias-Plouffe, Envoye-la ta garnotte!, 2015, installation, variable dimensions. Photo courtesy of the artists.
© Guillaume Boudrias-Plouffe, Mines de rien pas pour cinq cennes, 2016, installation, variable dimensions. Photo Daniel Aubin.
© The Famille Plouffe, Éphémérides en vendémiaire de l’an CCXXV, 2017, photomontage. Photo courtesy of the artists.

Catherine Plaisance

© Catherine Plaisance, Coexistence entre le chaud et le froid 2, 2016, Ink-jet print, 67 x 100 cm. Photo courtesy of the artist.

Catherine Plaisance
Montréal, Québec

Approach

Catherine Plaisance explores a world of imaginary disasters and creates landscapes impacted by upheaval and extreme phenomena.

This theme, a favourite of the artist, has slowly become vital to her, the result of a succession of personal experiences and a growing individual and collective concern for the ecology. Her works are inspired by existing places, those she already has visited, memories from her travels and landscape photographs, and are presented as photographic and video fictions produced using models that she has constructed beforehand.

By changing the scale and resorting to simple technology, her work questions our relation to prevailing narratives and images, particularly their truthfulness and their deceptive nature.

Project

For the symposium, Catherine Plaisance will represent five landscapes of the Charlevoix region that she will imagine in the future. For example, she with depict the future of these places according to scientific predictions for the year 2100, if we do not stop the global warming of the planet at less than 2o C. In accordance with this pessimistic scenario, the Arctic and Antarctic icecaps will have almost completely melted and the level of the seawater will have risen several metres, irremediably changing the course of the St Lawrence River.

While creating anachronisms, these historical back and forths will make us aware of the landscape that surrounds us today. By depicting the dystopian vision that prompts this, the project will encourage an exchange with visitors about our ways of life and our feelings about nature and the beauty of the Charlevoix countryside.

Biography

A native of Lotbinière, Catherine Plaisance lives and works in Montreal. She has an MFAin arts visuels et médiatiques from UQAM, for which she received support from the Fonds québécois de recherche sur la société et la culture.

She has participated in numerous exhibitions such as Manif d’art 3 – Biennale de Québec (2005), (Im)mortal Love International – Biennial Warsaw (2007), Peep Art/Art Voyou at L’Écart (Rouyn-Noranda) (2009), Crafting Romance at Athens Institute for Contemporary Art (ATHICA) in Athens (United States, 2009), the 16thedition of the Biennale Internationale de l’Image de Nancy (France) (2010), Se creuser les méninges at Galerie BAC (Montreal, 2013), Vestiges at Galerie BAC (2015) and Proof 22at Gallery 44 (2015). She was active in the artists’ collective Les Fermières Obsédées from 2001 to 2009.

A recipient of grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec and Canada Council for the Arts, she was awarded the Prix Sylvie et Simon Blais for emerging artists in 2011.

For more infowww.catherineplaisance.com

 

Portrait.Courtesy of the artist.
© Catherine Plaisance. 2017. Photo credit: René Bouchard.
© Catherine Plaisance. 2017. Photo credit: René Bouchard.
© Catherine Plaisance, Coexistence entre le chaud et le froid 4, 2016, Ink-jet print, 67 x 100 cm. Photo courtesy of the artist.
© Catherine Plaisance, Coexistence entre le chaud et le froid 6, 2016, Ink-jet print, 67 x 100 cm. Photo courtesy of the artist.
© Catherine Plaisance, Traversée 6, 2014, Ink-jet print, 127 x 190 cm. Photo courtesy of the artist.
© Catherine Plaisance, Traversée 8, 2014, Ink-jet print, 127 x 190 cm. Photo courtesy of the artist.

Mitch Mitchell

© Mitch Mitchell, For Whom You Build, 2016, ink and paper, variable dimensions. Photo Andréanne Godin.

Mitch Mitchell
Montreal, Quebec

Approach

Relying on notions of copying, handmade work and manufactured objects, Mitch Mitchell combines references to art history and images of mass culture consumption, which he reinterprets in order to emphasize their aesthetic, historical and economic worth.

Using recognizable objects, representative of manual skills or manufactured objects, his work raises questions about the value of work or its alienating nature, about the richness or ordinariness of materials, and touches on issues of consumption, heritage preservation and social distinction.

Project

During the Symposium, Mitch Mitchell will reproduce a series of historical Louis XVI chairs, employing materials of today and using assembly methods like those described in the manuals of IKEA or Structube.

The Louis XVI style corresponds to a type of furniture and decoration in use initially in France beginning in 1774, at the start of the reign of the eponymous king, until 1785, just before the French Revolution. It was part of a European return to Classicism.

Using the Louis XVI chair, the artist raises issues linked to the reinterpretation of history, classicism, modern and contemporary art and provokes the viewer to reflect on the contemporary social tensions between the well-to-dos and the have-nots. He also presents the values associated with traditional expertise and the richness of materials to which he contrasts the ordinariness of today’s consumer objects.

Biography

Mitch Mitchell was born on the prairies in the American Midwest, where he obtained a BFA from Illinois State University. He then received a MFA in printmaking from the University of Alberta.

His work has been presented in many solo and group exhibitions in Canada and abroad, notably at Kelowna Art Gallery, at dc3 Art Projects in Edmonton, at Sporobole in Sherbrooke and at Vaste et Vague in Gaspésie. He also represented Canada at the International Printmaking Biennial of Douro, Portugal (2010 and 2012), and in the Contemporary Canadian Print Exhibition at Chongqing National Gallery in China

He has won numerous national and international awards and his work is now in the collections of the Boston Museum of Fine Arts and the Art Gallery of Alberta.

For more info: www.mitchmitchellart.com

Portrait. Photo Andréanne Godin
© Mitch Mitchell. 2017. Photo credit : René Bouchard.
© Mitch Mitchell, For Whom You Build, 2016, ink and paper, variable dimensions. Photo Andréanne Godin.
© Mitch Mitchell, For Whom You Build, 2016, detail, ink and paper, variable dimensions. Photo Andréanne Godin.
© Mitch Mitchell, Trinity Cantos, 2016, performance withrust flour. Video photogram Andréanne Godin.
© Mitch Mitchell, Trinity Cantos, 2016, performance withrust flour. Video photogram Andréanne Godin.

Charles-Étienne Brochu

© Charles-Étienne Brochu, Marathon, 2016, digital drawing, 122 x 203 cm. Photo courtesy of the artist.

Charles-Étienne Brochu
Québec, Québec

Approach

Charles-Étienne Brochu’s intention is to create works that are original and agreeable to look at and reflect his vision of the world and his interests of the moment. In this sense, his approach is intuitive.

In his approach to colour and composition, he respects a certain tradition of contemporary illustration. However, he produces ambiguous images that contrast the brilliant colours of drawing with dark and worrisome themes. His favoured subjects deal with the complexity of the world today, socio-political relations and the accumulation of objects, including relationships of presence and absence, totally fulfilling experiences and those of alienation.

Virtual, digital drawing is his favourite medium. This gives him great freedom in the way he presents his works. He is able to combine images to form artist’s books, flip books and animated drawings and to present them in both a gallery setting and on the Web. Thus, this mode of expression nourishes his interest in the narrative and favours multiple variations, giving the work an overall immersive character.

 

Project

The theme of this year’s Symposium, Pasts in the Present, is in continuity with his art practice as it has developed over the last few years, concerning the relationship between history and society. In fact, Charles-Étienne Brochu explores social, personal, political and temporal relationships that impact our contemporary way of life.

For his project, he will create diverse works, based on digital drawing, encompassing today’s perception of past history and the future. His drawings will function a little like illustrations or representations of a society that is both playful and gloomy, reassuring and apocalyptic.

Biography

A native of Sainte-Ursule in the Mauricie region, Charles-Étienne Brochu lives and works in Quebec City. He likes to draw and spends his time producing books, fanzines, Web art, animated GIFs and short films.

He participates simultaneously in collective events and in exhibitions, particularly the Foire d’art actuel de Québec, ARPRIM, VU Photo and at Manif d’Art. In the spring of 2015, he was part of the exchange project Québec-Nantes, in the context of presentations at Dulcie Galerie in Nantes.

In 2016, he received the Videre Prize from the Ville de Québec for an emerging artist for his exhibition Heureux ensemble presented at Œil de Poisson. Very recently, he wasawarded the grant Première Ovation – Arts visuels, arts médiatiques et métiers d’art, in the category of first solo exhibition sponsored by Manif d’art, for his latest work Bon Deuxième, dealing with sports and physical activity.

For more info: charlesetienneb.com

Portrait. Photo: Sam St-Onge
© Charles-Étienne Brochu. 2017. Photo credit: René Bouchard.
© Charles-Étienne Brochu. 2017. Photo credit: René Bouchard.
© Charles-Étienne Brochu. 2017. Photo credit: René Bouchard.
© Charles-Étienne Brochu, Salle d’entraînement, 2016, animated GIF, variable dimensions. Photo courtesy of the artist.
© Charles-Étienne Brochu, Météores, 2016, digital drawing, 122 x 152 cm. Photo courtesy of the artist.
© Charles-Étienne Brochu, Station service – nuit, 2016, digital drawing, 61 x 91 cm. Photo courtesy of the artist.
© Charles-Étienne Brochu, 35 saucisses, 2016, animated GIF, variable dimensions. Photo courtesy of the artist.

Call for projects

36th International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul

Art & Politics

The philosopher Bernard Stiegler states: “Art is political: aesthetics are political and politics are aesthetic.” This notion dates back to Antiquity[i] and remains even more incisive today. The 2018 International Symposium of Contemporary Art will follow the G7 Summit, another type of symposium, which will be held in June 2018 at La Malbaie a few kilometres from Baie-Saint-Paul. This is no ordinary situation. At the G7, the heads of states will have discussed, among other things, “the advancement of gender equality, the fight against climate change and the promotion of respect for diversity and inclusion.”

With the upheavals and armed conflicts that many regions of the planet are subjected to and to which we are the quasi-powerless witnesses since the fall of the Berlin Wall (1989), the events in Tiananmen Square (1989) and the attacks of September 11, 2001, and closer to us, the laborious process of reconciliation with Indigenous peoples and the reception of refugees, the context and the dynamics of global politics have been completely transformed. The Nation-States need to be redefined (as well as the UN), theocracies and repressive regimes are taking over the geopolitical scene, the globalised and relocatedeconomy has completely altered the labour market and modes of (over)consumption, unrestrained capitalism reigns–accentuating the gap between the rich and the poor, the withdrawal of the United Kingdom from the European Union (Brexit) raises political and economic uncertainty in Europe and for refugees. Donald Trump’s election in the U.S.A.,the alternative facts that have become the rule and the rise in populism make us fear the worst. What will happen to the Paris Accord now that the U.S.A. and its climate sceptics have withdrawn from it? Terrorism and the radicalization of young people are hitting closer and closer to us. These are no longer distant phenomena that don’t concern us. How can we envisage a new paradigm without falling into the paranoia that propaganda is stirring up? Artists have the capacity to imagine ways of getting out of this dreadfully real chaos, ofmaking us emerge from the stagnation.They possess clear-sightedness and intuitive-ness that few of us have. For the younger generations, cynicism no longer seems an option. While we are brooding, without minimizing the situation that the world is now in, could we not, naively perhaps, bring “imagination to power?”, as it was envisioned in the 60’s, by the youth from Europe and North America?

All art disciplines are welcome. Here are just some areas of reflection,among many others, related to the theme:

  1. Censorship and the attack on freedom of speech and of artistic expression.
  2. Women used as weapons of war…
  3. Consequences of destroying part of humanity’s world heritage.
  4. Dystopia becoming reality.
  5. Lies, alternative facts and historical revisionism.
  6. Social networks, hacktivism and art.
  7. Stop the construction of walls between the nations and the welcoming of refugees.
  8. An art practice in areas of conflict.
  9. Can art really change the world?

Deadline to submit a project : December 1st 2017

Submit your project

 

[i]Particularly, Plato’s Banquet (banquet: symposion in Greek and symposium in Latin)

N.B. Since the late Françoise Labbé founded the Symposium of Baie-Saint-Paul in 1982, the tradition has been to invite artists to create works in front of the public, in a communal space. Although the way of working is unusual for a majority of artists, the symposium nevertheless gives rise to fruitful exchanges among the artists, in a convivial dynamics, and results in above all a very rich interaction with the public, which enables the demystifying of art practices. This mediation approach between the creation of art and its public reception represents a political gesture in itself.

N.B.: The themes can be evoked without necessarily being taken literally.

Sylvie Lacerte, Ph.D.
Artistic Director

Mixing Ghosts, une installation-performance de Sarah Wendt et de Pascal Dufaux

Portrait de Pascal Dufaux. Photo Christophe Racat. // Portrait de Sarah Wendt. Photo Pascal Dufaux.

Mixing Ghosts, une installation-performance de Sarah Wendt et de Pascal Dufaux

Samedi 26 août – 16 h 30

Immergés dans une chambre d’échos visuels, entre le temps présent de l’action et le passé immédiat de sa médiatisation, Sarah Wendt et Pascal Dufaux explorent de nouvelles possibilités narratives, perceptuelles, vidéographiques et picturales. Cette installation-performance propose au public une expérience mariant théâtre d’objets, chorégraphies et machines de vision.

Sarah Wendt, danseuse-chorégraphe et musicienne, vit à Montréal. Son travail chorégraphique s’élabore comme une réponse kinesthésique aux contingences de la collaboration. Ses performances ont été présentées notamment à la Galerie de l’UQAM (Montréal), à l’Œil de Poisson (Québec), dans le cadre de l’évènement EnCuentro organisé par l’Institut hémisphérique de performance et de politique, au OK Quoi!? Contemporary Arts Festival (Sackville, Nouveau-Brunswick) et au festival OFFTA (Montréal).

Pascal Dufaux, plasticien né en France, vit à Montréal. Il a étudié en scénographie et en arts visuels à l’Université Concordia. Son travail a été présenté à travers le Canada, au Mexique, en Suisse, en Allemagne, en France et aux États-Unis. Sa production est un assemblage de sculptures biomorphiques et de dispositifs vidéo. Il est représenté à Montréal par les Galeries Roger Bellemare et Christian Lambert.

Pour en savoir plus : pascaldufaux.squarespace.com/

Private: My summer 77

Emplois

Tous nos postes sont comblés pour le moment.

Vous êtes une personne créative et désirez faire partie de notre équipe dynamique? Sachez que nous sommes toujours intéressés à trouver de bons candidats.Faites parvenir votre curriculum vitae et une lettre de présentation à Sandra Lavoie à l’adresse suivante:  s.lavoie@macbsp.com

 

Devenez bénévole

Joignez-vous à l’équipe du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul! Notre événement compte sur l’aide des bénévoles pour l’aider au bon déroulement de ses activités, quotidiennes et ponctuelles. Les tâches consistent à accueillir les visiteurs, vendre les billets d’entrée, à gérer les statistiques d’achalandage et autres tâches connexes.

Une formation sera donnée aux bénévoles.
L’horaire de travail est à déterminer selon vos disponibilités.

Communiquez avec Patricia Aubé en composant le 418-435-3681, ou écrire un courriel à Conservation-education@macbsp.com.

Theme 2017

Mobility

34th International Symposium of Contemporary Art
of Baie-Saint-Paul

July 29th to August 28th, 2016

During the summer of 2016, the artists at the 34th Symposium International d’art Contemporain de Baie-Saint-Paul will explore phenomena concernedwith mobility, its societal consequences and the imagination that motivates it.

Whether one moves oneself or not, mobility occupies a significant place in our everyday life. Throughout the 20thcentury, our societies have been marked by the evolution of transport and communicationsystems, as well as by the development of infrastructures and networks that have made these changes possible. The advent of new technologies, the evermore-rapid circulation of information and communication networking, today contributes to a feeling of widespread mobility.

Infrastructures and networks

Here it will be a matter of examining the movements of people, objects and information, the infrastructures and networks that assure its fluidity and the imagination motivating this effervescence. As well, resistance to this mobility is an opposing view that could be explored. At the dawn of modernity, speed and movement fascinated the Italian Futurists; now, with the beginning of the third industrial revolution based on fluidity, how do today’s artists view this phenomenon, its motivations and its consequences.

This edition of the Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul is part of a series dealing with the changes linked to the development of technology that began in 2015 with Whispers of Everyday Life.

The Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul is the organization appointed to manage the event called Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul.

Photo : Sasha Brunelle
Photo : Sasha Brunelle

Marie Perrault, Artistic Director

As a critic and curator for the past 20 years, Marie Perrault has produced many contemporary art exhibitions and has written numerous essays for art publications and catalogues. Her interests are focused on the impact of technologies viewed from anthropological and social perspectives, and on various aspects of public art. 

 

Sympo carré

Thème 2016

Mobilités

34e Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul
29 juillet au 28 août 2016

Au cours de l’été 2016, la 34e édition du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul explorait les phénomènes liés à la mobilité, à ses conséquences sociétales et aux imaginaires qui l’animent.

Que l’on bouge soi-même ou non, la mobilité occupe une place importante dans nos vies de tous les jours. Tout au long du XXe siècle, nos sociétés ont été marquées par l’évolution des moyens de transport et de communications, ainsi que par le développement des infrastructures et des réseaux ayant rendu ces changements possibles. L’avènement des nouvelles technologies, la circulation toujours plus rapide de l’information et la communication en réseau contribuent aujourd’hui à un sentiment de mobilité généralisée.

Nouvelles technologies

Il s’agissait ici de se pencher sur les mouvements de personnes, d’objets et d’information, sur les infrastructures et les réseaux qui en assurent la fluidité, sur les imaginaires motivant cette effervescence. De même, la résistance à cette mobilité constitue une contrepartie qui pourra être explorée. À l’aube de la modernité, les Futuristes italiens étaient fascinés par la vitesse et le mouvement ; alors que s’amorce aujourd’hui une troisième révolution industrielle ancrée dans la fluidité, quel regard les artistes posent-ils sur ce phénomène, ses motivations et ses conséquences?

Cette édition du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul s’inscrit dans une série traitant des changements liés au développement des technologies et amorcée en 2015 avec Murmures du quotidien.

Le Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul est l’organisme désigné qui gère l’événement nommé Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul.


Photo : Louis-Charles Dumais.

Marie Perrault, directrice artistique

Critique et commissaire, elle a réalisé au cours des 20 dernières années plusieurs expositions en art contemporain et signé de nombreux essais pour des revues spécialisées et des catalogues. Elle s’intéresse à l’impact des technologies sous un angle anthropologique et sociologique, ainsi qu’à différents aspects de l’art public. 

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Artistes 2016

Bauberger
Photo : Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Nicole Bauberger → Whitehorse, Yukon

Elle travaille depuis plusieurs années à une série de tableaux réalisés au rythme d’un à chaque 50 km de la route Transcanadienne. Au Symposium, elle se penchera sur le réseau routier de Charlevoix.

En savoir plus

Beaulieu
Photo : Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Patrick Beaulieu → Orford, QC

Ses oeuvres s’ancrent dans des détails glanés au hasard de voyages transfrontaliers entre le Canada
et les États-Unis. À Baie-Saint-Paul, en altérant la toponymie de la région, il imaginera de courts itinéraires vers des destinations irréelles.

En savoir plus

Bernard-Gravel
Photo : Stéphane Bourgeois.

Camille Bernard-Gravel → Québec, QC

Ses projets s’inspirent de phénomènes où la nature agit comme un écosystème dynamique reliant des éléments instables. Ses sculptures cinétiques interdépendantes mettront en avant  la synergie de la croissance des végétaux.

En savoir plus

Boulva
Photo : Luc Renaud.

Eveline Boulva → Québec, QC

Le territoire et le paysage sont au coeur de sa pratique depuis plusieurs années. Elle réalisera un tableau diptyque s’inspirant de photographies prises d’un hublot lors d’un trajet en avion au-dessus du fleuve Saint-Laurent.

En savoir plus

Breton2
Photo : Christian Baron.

Samuel Breton → Québec, QC

Ses premiers films d’animation exploraient  le trait graphique et la poésie des objets. Dans l’installation vidéo Eskimo de Sorel, la traditionnelle botte d’hiver représentera de manière ludique un igloo, ou une banquise, et permettra de réinterpréter la réalité autochtone.

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Chevalier
Photo : Stéphane Gregory.

Geneviève Chevalier → Eastman, QC

Sa démarche d’artiste et de commissaire porte sur des sites naturels, géographiques ou institutionnels. Autour du Sentier des caps de Charlevoix et de la représentation de l’oiseau, elle réalisera une installation sur la migration saisonnière.

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Photo : Andreas Zimmermann.
Photo : Andreas Zimmermann.

Frédéric Cordier → Lausanne, Suisse / Montréal, QC

Autour du thème du conteneur et du transport de marchandises, il réalisera, en linogravure grand format, une vue portuaire intégrant grues, bateaux et machineries comme autant de motifs et de textures.

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Laget-ro
Photo : Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Thibault Laget-ro → Grosrouvre, France

Il oppose l’expérience des victimes de violence à celle de ceux confrontés à sa représentation médiatique. Après s’être penché sur le conflit israélo-palestinien, le Printemps arabe et la guerre en Syrie, il traitera du phénomène des migrants.

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Mackasey
Photo : Yvan Lebel.

Michèle Mackasey → Saskatoon, Saskatchewan

Son travail vise à développer une certaine responsabilité et des collaborations fondées sur la mixité sociale. Dans Quartier de Souhaits-chez-toit, elle invitera le public du Symposium à réaliser une maison en pensant à une personne itinérante spécifique.

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Provost
Photo : Maude Veilleux.

Guillaume Adjutor Provost → Montréal, QC

Il se réclame d’un art de la mise en exposition. Son projet pour Baie-Saint-Paul s’articule autour d’une collection de cartes QSL, traces écrites  de transmissions radio amateur liées à la culture  des camionneurs, dont il tirera des dessins psychédéliques.

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Photo : Alain Dubouloz
Photo : Alain Dubouloz

Momar Seck → Genève, Suisse / Dakar, Sénégal

Il s’intéresse aux résidus de consommation qu’il investit d’une fonction symbolique forte. Dans le cadre du Symposium, il invitera le public, notamment les enfants, à réaliser de petites barques à partir de canettes et de contenants métalliques variés.

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Turion
Photo : Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Anne-Sophie Turion → Pantin et Marseille, France

Elle se penche sur les récits intimes et collectifs.  À Baie-Saint-Paul, elle abordera la fabrication  de souvenirs au cœur de l’expérience touristique  et transformant les lieux visités en décors de commémorations individuelles.

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Le Symposium sur La Fabrique culturelle

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Découvrez sur La Fabrique culturelle la 34e édition du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul à travers une série de capsules vidéo réalisées par Go-Xplore Charlevoix !

Découvrir sur La Fab

Projection de film : Factory Girl

Dans le cadre du 34e Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, les Filmanthropes présentent le film Factory Girl. À New-York, au cœur de la célèbre Factory, rencontre avec l’icône du Pop Art : Andy Warhol. Du cinéma en plein air au parc du Presbytère, mercredi le 17 août à 20h30.

1965 : Edie Sedgwick, une belle et riche héritière décide de fuir l’univers trop pesant de l’école de Cambridge afin de rejoindre New York pour y poursuivre une carrière artistique. Arrivée sur place, celle-ci, par hasard, fait la rencontre du célèbre artiste Andy Warhol qui lui promet le rôle de sa vie. Elle fait son entrée dans le monde de la célèbre Factory et la gloire ne tarde pas à arriver… Puis la perte des repères et les désillusions d’hier refont surface.

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En savoir plus : filmanthropes.org

 

Rue St-Adolphe : une marche musicale d’Anne-Sophie Turion

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Photo : Anne-Sophie Turion.

Rue Saint-Adolphe

Une marche musicale orchestrée par Anne-Sophie Turion

Samedi 20 août, 20h30, à Baie-St-Paul

Le temps d’une traversée à pied, la rue Saint-Adolphe se met à ressembler à un décor de film. Se faufilant par les fenêtres entrouvertes des maisons, des accords de musique envahissent la rue et teintent le paysage d’une étrangeté hollywoodienne. La fiction est toute proche, tapie dans l’obscurité d’une cour arrière, derrière la porte d’un garage ou les stores baissés d’une chambre.

Lieu de départ : devant la station-service Petro-Canada
(à l’intersection des rues Saint-Jean-Baptiste et Saint-Adolphe)
Durée : environ 10 minutes
Créée avec la participation des habitants de la rue Saint-Adolphe et de la radio CIHO FM Charlevoix.

 

 

Performance de Vicky Sabourin

Portrait de Vicky Sabourin. Photo: Justine Latour.

Performance de Vicky Sabourin

Samedi 5 août  – 16 h 30

S’inspirant de faits divers et d’évènements historiques, l’artiste multidisciplinaire Vicky Sabourin réalise des installations et des tableaux vivants qui tablent sur ses propres réminiscences pour explorer notre imaginaire personnel.

Vivant et travaillant à Montréal, elle détient une maîtrise en arts visuels de l’Université Concordia. Son travail a été présenté au Canada, aux États-Unis et en Europe. Ses récentes expositions Aindividuelles incluent, notamment, Les Curiosités au Musée national des beaux-arts du Québec, Danse Macabre à l’Œil de Poisson (Québec) et Warmblood à Hamilton Artists Inc. (Hamilton, Ontario).

Sa démarche associe la photographie et la performance dans des installations et des récits qui se traduisent en dioramas et en tableaux vivants de longue durée. Embryonnaires, les histoires rejouées ainsi par Vicky Sabourin ont d’abord fortement marqué son imaginaire puis, une fois mises en scène, elles suscitent une forte réaction chez le public.

Pour en savoir plus : www.vickysabourin.com/

Projection de film : Pina

Dans le cadre du 34e Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, les Filmanthropes présentent le film Pina de Wim Wenders en hommage à la chorégraphe et danseuse Pina Bausch. Du cinéma en plein air au parc du Presbytère, mercredi le 10 août à 20h30.

Du réalisateur allemand Wim Wenders, Pina est une mise en images des danses et de la vie de l’une des danseuses et chorégraphes les plus estimés de notre temps : Pina Bausch.

En savoir plus : filmanthropes.org

Bourse Jean-Claude Rochefort 2016

Audrey Laurin_Bourse Jean-Claude Rochefort 2016
Photo : Audrey Laurin.

Offerte par la Fondation de l’UQÀM en hommage Jean-Claude Rochefort, un critique d’art et commissaire originaire de Charlevoix, la bourse à son nom récompense un(e) étudiant(e) des cycles supérieurs en histoire de l’art, invité(e) à présenter brièvement ses recherches dans le cadre du Symposium.

Cette année, le jury a retenu la candidature de Audrey Laurin, doctorante en histoire de l’art avec une concentration en études féministes à l’UQAM. Sa thèse porte sur les discours critiques, éthiques et esthétiques développés autour d’œuvres interrogeant les représentations de la beauté féminine et produites par des femmes artistes depuis 1990.

François Morelli : Moving freely

FM_Portrait (Langue de bois, langue de terre, langue de feu)_Crédit JessicaHébert
Photo : François Morelli.

Moving freely

Honorary President of this edition of the Symposium entitled Mobility, François Morelli is known for his interest for movement and transformation.

Known for his performances, Morelli has done artistic walks in urban context, in Montreal, Vancouver and Berlin, or in the countryside of the Upper Laurentians, Wales and continental Europe. His sculptures and drawings feed on the same concerns and explore our dream of evolving freely. His drawings and sculptures presented here in the hallway of the arena share the same concerns.

The series of drawings in India ink on paper shows individuals interactions, ambiguous regarding the complicities or the rivalries putted into play. The Belt Heads sculptures represent strange puppets, alter ego, easy to manipulate but quickly a manipulator, distant reminders of devices such as the personal computer and the cell phone anchoring today a mobility experience. Featuring hats, a piece of clothing linked to our body movements in social contexts, the utopian public art proposals stands as monuments to this motility.

Marie Perrault
Artistic Director

To know more : 

http://www.joyceyahoudagallery.com/fr/artistes/francois_morelli
http://mariadoering.blogspot.ca/2013/11/doering-editions-presents-ns-belt-heads.html

François Morelli : Électrons libres

FM_Portrait (Langue de bois, langue de terre, langue de feu)_Crédit JessicaHébert
Photo : François Morelli.

Électrons libres

Président d’honneur de la présente édition du Symposium sur le thème Mobilités, François Morelli se démarque par son intérêt pour les notions de passage, de circulation et de transformation. Lors du 34e Symposium international d’art contemporain, les visiteurs pourront apprécier une exposition regroupant une sélection d’oeuvres de Morelli et intitulée Électrons libres.

Il est reconnu pour ses performances axées sur la marche réalisées en contexte urbain notamment à Montréal, à Vancouver et à Berlin, ou à la campagne dans les Hautes-Laurentides, au Pays de Galles et en Europe continentale. Ses sculptures et ses dessins se nourrissent des mêmes préoccupations et poursuivent le rêve d’évoluer librement. Les dessins et les sculptures présentées ici relèvent de cette esthétique.

La série à l’encre de chine sur papier montre des individus en interactions ambigües, relevant autant de complicités que de rivalités. Les Belt Heads composent d’étranges marionnettes, des alter ego tout aussi manipulables et transportables que manipulateurs, rappels lointains des appareils, comme l’ordinateur personnel et le téléphone cellulaire ancrant une expérience de mobilité. Mettant en scène des chapeaux, un vêtement-toit collé à nos déplacements, les propositions publiques utopiques se présentent comme autant de monuments à la déambulation.

Marie Perrault
directrice artistique

Pour en savoir plus :

François Morelli est représenté par la galerie Joyce Yahouda, http://www.joyceyahoudagallery.com/fr/artistes/francois_morelli

Sur l’impression des linogravures de la série Belt Heads :
http://mariadoering.blogspot.ca/2013/11/doering-editions-presents-ns-belt-heads.html

Private: Offre d’emploi

Closing event

Portrait of Guy St-Onge and Roxane Del. Photo Andréanne Gauthier.

Closing event

Sunday, August 27, 4:00 pm

During the closing event, the public is invited to a musical performance by Guy St-Onge, an experienced musician who has played with Michel Fugain, Laurence Jalbert, Natalie Choquette, Marc Hervieux, Bruno Pelletier and Marie Denise Pelletier, and is director of Havre musical de l’Islet, on Isle-aux-Coudres.

For this occasion, Roxane Del will accompany him on violin. She is known for her recent reinterpretations of the Beatles’s repertoire.

 

Guided tour with the artistic director Marie Perrault

Portrait of Marie Perrault. Photo Louis-Charles Dumais.

Guided tour with the artistic director

Sunday, August 27, 3:00 pm

For the closing of the 35th Symposium, Marie Perrault, the artistic director, will give the public a guided tour of the twelve artists’ studios, providing a summary of each participant’s experience and the development of their respective projects.

Radiocarmusic : Presentation by Marie-Christiane Mathieu

 

Photo : courtesy of the artist
Photo : courtesy of the artist

Presentation by Marie-Christiane Mathieu

Radiocarmusic / Still Further West

Saturday, August 27, 4:30 pm

For this presentation, the artist will analyse her methods of creating and will look at works within various contexts that are linked to her movements in a kind of RV mobile studio. Taking as an example, her Musique de char / Toujours plus à l’ouest project, she will explain various concepts of her itinerant art practice that enable her art to take on and become part of reality. She will present a few of the video and audio recordings madeduring the 10,000 kilometres she travelled from Fogo Island in Newfoundland to Vancouver Island as well as works that have emerged while on this journey.

An artist and a teacher at the School of the visual arts at Laval University, Marie-Christiane Mathieu lives and works in Montreal and Quebec City. Using various device, her projects explore the concept of the bubble in which each person lives, what she calls l’aître (être + aire) or one’s zone of being. Her work has been presented in the United States, Mexico and Brazil as well as in Austria, England and Germany. She has had residencies at the Banff Centre, at the Holocenter in New York and at Kunsthochschule fü Medien in Cologne.

mariechristianemathieu.com

Drinks at the Sympo : Nomadic Communities

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Drinks at the Sympo : Nomadic Communities

Thursday, August 25, 4:30 pm
With Gabrielle Shonk

Meeting with artists Guillaume Adjutor Provost, Thibault Laget-ro and Michèle Mackasey who will speak about their respective works.

At various levels, the phenomena of mobility create nomadic communities linked together by singular shared experiences. The works of these artists treat these issues in part.

Atelier Silex at the Symposium

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Atelier Silex

Saturday, August 20, beginning at 12 (noon)

Inside the arena, Isabelle Gauvin, Optometriste-factice, will examine your eyes with the help of barniques to reveal your particular vision of the world. In the parking lot, Henri Morissette’s La Roulotte à Bobby proposes a snack bar sculpture crammed with an ill-assorted collection of objects and tools.

Atelier Silex, an artist-run centre in Trois-Rivières, changes direction and explores the concept of Défenestration, in which the fact of leaving the region and of exploring the grandeur of the Quebec territory leads artists to experiment with new ways of creating.

ateliersilex.info

Sarah Wendt and Pascal Dufaux, Mixing Ghosts, an installation-performance

Portrait of Pascal Dufaux. Photo Christophe Racat. // Portrait of Sarah Wendt. Photo Pascal Dufaux.

Sarah Wendt and Pascal Dufaux, Mixing Ghosts, an installation-performance

Saturday, August 26, 4:30 pm

Immersed in a visual echo chamber, between the present time of the action and the immediate past of its mediatisation, Sarah Wendt and Pascal Dufaux explore new narrative, perceptual, video, and pictorial possibilities. This installation-performance proposes an experience for the public, combining a theatre of objects, choreography and vision machines.

Sarah Wendt is a dancer-choreographer and musician who lives in Montreal. Her choreographic work is elaborated as a kinaesthetic response to the contingences of collaboration. Her performances have been presented most notably at Galerie de l’UQAM (Montreal), l’Œil de Poisson (Quebec City), the event EnCuentro organized by Institut hémisphérique de performance et de politique at, OK Quoi!? Contemporary Arts Festival (Sackville, New Brunswick) and festival OFFTA (Montreal).

Pascal Dufaux is an artist who was born in France and lives in Montréal, where he studied scenography and visual art at Concordia University. His work is an assemblage of biomorphic sculpture and video systems, which has been presented across Canada, in Mexico, Switzerland, Germany, France and the United States. He is represented in Montreal by Galleries Roger Bellemare and Christian Lambert.

 

Presentation of the Déranger project

Photo Déranger. Courtesy of the National Film Board du Canada (ONF).

Presentation of the Déranger project

Saturday, August 19, 4:30 pm

Presentation of the Déranger project, a creation laboratory for Quebec Indigenous artists, produce by the National Film Board of Canada (NFB), in collaboration with Wapikoni mobile and Oboro.

Michèle Bélanger, executive director of Programing and production at the NFB, French Program, together with Caroline Monnet, spokesperson and organizer, conceived of this creative laboratory, which has enabled multidisciplinary artists Sébastien Aubin, Eruoma Awashish, Jani Bellefleur-Kaltush, Ludovic Boney, Geronimo Inutiq, Caroline Monnet and Meky Ottawa to create prototype works, in five days and as a team, and to produce and present them in a public space or a museum context.

Michèle Bélanger, instigator of the project, and Caroline Monnet, spokes person and organizer, will present the overall process, as well as the projects of participating artists, notably that of Caroline Monnet developed in collaboration with Ludovic Bonney.

Caroline Monnet is an emerging filmmaker and visual artist of Breton and Algonquin decent, who is interested in Indigenous identity and bicultural reality.

 

Nocturne at the Symposium with DJ Maxime Dubois

Portrait of DJ Maxime Dubois. Courtesy of the artist.

Nocturne at the Symposium with DJ Maxime Dubois

Friday, August 18, 8:00 pm to midnight

Just this once during the summer, the International Symposium of Contemporay Art of Baie-Saint-Paul will welcome visitors for the whole evening. Come have a glass of wine and meet the artists in a relaxed atmosphere.

Maxime Dubois was trained as a pianist and percussionist, and has been active in radio for more than 12 years. He also has taught music programming at the Collège Radio Télévision de Québec.

He acts regularly as a DJ, particularly with Scolo Productions (Karma Kameleons, Mondance Orchestra and so on), Les Productions K8 (Bestov) and Star Mundo.

 

Jean-François Racine Open Studio at the Symposium site.

Portrait of Jean-François Racine. Courtesy of the artist.

Jean-François Racine Open Studio at the Symposium site.

Wednesday, august 9 to sunday august 13, noon to 5:00 pm

Accustomed to working outdoors, the painter Jean-François Racine will work for a week at the Symposium. While at the event site, he will let this year’s theme of Pasts in the Present inspire him.

A citizen committed to his community, Jean-François Racine uses his art to make people aware of the beauty and nordicity of the area. Concerning his experience as a painter, he has written: “When I go cross-country skiing in the mountains or in search of sites to inspire me in other seasons, what interests me is the land. Beyond documenting my daily life, my artwork consists in highlighting certain places in order to make people aware of them, their beauty and the importance of preserving them. When one looks around at the land, one takes it in and thinks about it, and becomes concerned about how it is used.”

In this spirit, Jean-François Racine paints from the motif and on occasion paints on-the-spot during regional events such as public festivals, in particular, during the 24 hours of Tremblant or at the Massif de Charlevoix. He is represented by several galleries across Canada.

Vicky Sabourin, Performance

Portrait of Vicky Sabourin. Photo Justine Latour.

Vicky Sabourin, Performance
Saturday, August 5, 4:30pm

Vicky Sabourin is inspired by stories in the news and historical events. She is a multidisciplinary artist who creates installations and tableau vivants that rely on her own reminiscences to explore our private imagination.

Vicky Sabourin lives and works in Montreal, and has a MFA in visual arts from Concordia University. Her work has been presented in Canada, the United States and Europe. Recent solo exhibitions of her work have been shown, most notably in Les Curiosités at Musée national des beaux-arts du Québec, Danse Macabre at l’Œil de Poisson (Quebec City) and Warmblood at Hamilton Artists Inc. (Hamilton, Ontario).

She combines photography and performance work in installations and narratives that are set up as dioramas and long-lasting tableaux vivants. In an embryonic state, the stories Vicky Sabourin replays initially have left an intense impression on her imagination and once they are staged, they evoke strong reactions from the public.

Jean-Claude Rochefort Grant, August 25 at 4:00pm

FLORENCE-AGATHE DUBÉ-MOREAU

Winner of the Jean-Claude Rochefort Grant, 2018
Saturday, August 25 at 4:00pm

Biographical note

Florence-Agathe Dubé-Moreau is a Master’s candidate in Art History at the Université du Québec à Montréal. His research focuses on the effects of contemporary art exhibition re-enactment. As an independent curator, his recent projects have been presented at the Critical Distance Center for Curators (Toronto, 2018) and at the UQAM gallery (Montreal, 2016).  She was also assistant curator for the Canadian delegation to the 56th Venice Biennale (2015).

 

Jean-Claude Rochefort Grant

The Jean-Claude Rochefort Grant will be awarded and the winner will give a brief talk.

Created in 2011 and given by the Fondation de l’UQAM, the grant pays tribute to Jean-Claude Rochefort, a native of Charlevoix, who was an art critic and curator. This grant is awarded to a graduate student in art history, who will present his or her research briefly to the Symposium.

Being associated with the awarding of this grant, the International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul highlights the importance of forging ties with University institutions, such as the Université du Québec à Montréal, where many of the event’s participating artists have studied.

Jean-Claude Rochefort was born in 1957 at Saint-Hilarion in Charlevoix. He lived and spent time in the region throughout his life, but also lived in Montréal where he was an art critic (Le Devoir, Spirale, Vie des Arts) and a curator of contemporary art. In 2003, he received his doctorate in Études et Pratiques des arts from Université du Québec à Montréal, his thesis being titled Ruines et Météores : Art contemporain, histoire, sciences du ciel et de la terre.

Coming from the milieu of artist-run centres, Jean-Claude Rochefort was also a gallery director. He supported the work of numerous Quebec, Canadian and international artists. However, he never ceased to make his art, which coloured his aesthetic choices, giving them a unique character: he was an original.

He died on Sunday, June 6, 2010 in a terrible car accident. He is buried in the cemetery in Saint-Hilarion but his spirit lives on in the Charlevoix region that he loved so much.

Florence-Agathe Dubé-Moreau, Winner of the Jean-Claude Rochefort Grant, 2018              (c) Ève Lafontaine, 2015

 

 

Jean-Claude Rochefort
(c) Raymonde April, 2017

Performance and artist talk from Denys Premier, Roi de l’Anse

Portrait of Denys Premier. Photo Paul Simon.

Perfomance and artist talk from Denys Premier, Roi de l’Anse

Saturday, July 29, 2016, 4:30 pm

Denys Tremblay holds a doctorate in fine arts, and is professor emerit us and, above all, an interdisciplinary artist who exceeds the conventions of art. He is one of the first to think of périphérisme and to inventthereally-madeconcept that enables reconciling the idealness of art to social reality.

By referendum, he was legally proclaimed Roi de L’Anse-Saint-Jean; a famous much debated character of the Saguenay-Lac-Saint-Jean area. He thus became the first of what would be a succession of kings, an alternately non-hereditary succession.

 

Official Opening of the 35th Symposium

Photo: Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul

Officiel Opening of the 35th Symposium

Friday, July 28 7:30 pm

The official opening of the 35th International Symposium of Contemporary Art of Baie Saint Paul begins with a fanfare. The Pé Na Rua band will parade through the streets of central Baie-Saint-Paul in the company of the Roi de l’Anse, artist Denys Tremblay, president of honour and the participating artists.

In 2005, Flavia Nascimento founded the Brazilian percussion group Pé Na Rua (translated as “Feet in the street”) that travels the streets of Quebec to make you DANCE to the sounds of maracatu, coco, ciranda or samba. Composed of musicians from Brazil, Quebec and elsewhere, they propose a heart-warming VOYAGE to Pernambuco, a region in Northeastern BRAZIL, an area rich in popular culture!

“A roar of thunder on the street corner… All the passersby suddenly look up at the sky, yet it is clear blue and the sun is blazing. But where is this storm coming from? It is the DRUMS of Pé Na Rua that carry you along in this tempest of Brazilian rhythms.

 

Program 2018

Programmation 2018

 

…. À venir…

Organ Mood

Photo : Organ Mood.
Photo : Organ Mood.

Organ Mood

Dimanche 28 août – 16 h

Organ Mood est un collectif constitué d’artistes visuels et sonores, Christophe Lamarche et Mathieu Jacques, qui s’exécute à l’aide de synthétiseurs analogiques, de rétroprojecteurs et d’instruments de leur cru, reliés électroniquement avec l’auditoire.

Leur travail a été présenté dans le cadre de divers festivals, notamment MEG MUTEK et les Escales improbables à Montréal et le Festival de musique émergente (FME) en Abitibi.Ils ont transformé le Musée d’art contemporain de Montréal en un espace psychédélique et la cour du centre d’artistes l’Écart de Rouyn-Noranda en mini rave improvisé. Ils ont également livré une prestation dans une église à Saint-Jean-Port-Joli.

organmood.bandcamp.com/

Marie-Christiane Mathieu : Musique de char

Photo : courtoisie de l'artiste.
Photo : courtoisie de l’artiste.

Marie-Christiane Mathieu

Musique de char / Toujours plus à l’ouest

Samedi 27 août – 16h30

Cette présentation analyse les méthodes de création de l’artiste, dont les œuvres s’inscrivent dans différents contextes reliés à ses déplacements dans un camion-outil. En prenant à titre d’exemple son projet Musique de char / Toujours plus à l’ouest, elle expliquera les différents concepts entourant sa pratique itinérante et permettant que son art s’attache et s’attaque au réel. Elle profitera de l’occasion pour présenter quelques archives audio et vidéo recueillies sur les 10 000 kilomètres parcourus entre l’île Fogo à Terre-Neuve de l’île de Vancouver ainsi que les œuvres qui ont émergé au cours de ce trajet.

Artiste et professeure à l’École des arts visuels de l’Université Laval, Marie-Christiane Mathieu vit et travaille entre Montréal et Québec. Au moyen de différents dispositifs, ses projets explorent le concept de la bulle dans laquelle vit chaque individu et qu’elle nomme l’aître (être+aire). Son travail a été présenté aux États-Unis, au Mexique et au Brésil ainsi qu’en Autriche, en Angleterre et en Allemagne. Elle a participé à des résidences de travail au Banff Centre, au Holocenter de New York et à la Kunsthochschule für Medien de Cologne.

mariechristianemathieu.com/

Apéros du Sympo : Communautés nomades

Photo : Gabrielle Shonk.
Photo : Gabrielle Shonk.

Apéros du Symposium : Communautés nomades

Jeudi 25 août – 16 h 30

Rencontres avec les artistes Guillaume Adjutor Provost, Thibault Laget-ro et Michèle Mackasey qui parleront de leurs démarches respectives.

Les phénomènes de mobilité créent, à différentes échelles, des communautés nomades liées entre elles par des expériences singulières partagées. Les travaux de ces artistes traitent en partie de ces questions.

Avec une performance musicale de Gabrielle Shonk

Originaire du Rhode Island aux Etats-Unis, Gabrielle Shonk est arrivée au Québec à l’âge de 5 ans. Issue d’une famille d’artistes, elle a commencé à chanter, jouer de la guitare et écrire ses propres chansons dès l’âge de 12 ans.

La musique ayant toujours été sa plus grande passion, elle décide de poursuivre des études en musique au CÉGEP (Campus Notre-Dame-de-Foy) et à l’Université (Université Laval) ou elle obtient une technique et un baccalauréat en chant jazz. C’est pendant ses études qu’elle commence à faire des spectacles sur une base régulière avec différentes formations jazz, folk et pop un peu partout dans les évènements de la ville de Québec.

En 2014, elle participe à l’émission La Voix et fait craquer les 4 coachs lors de son audition à l’aveugle. C’est Louis-Jean Cormier qu’elle choisira pour l’accompagner dans cette aventure. Ayant gagné le coeur de nouveaux fans parmi les 2,7 millions de téléspectateurs de l’émission grâce à ses performances sensibles et touchantes, Gabrielle profite de cet élan pour travailler sur la production de son premier album, dont la sortie est prévue en 2016.

Atelier Silex

Photo : Fontaine Leriche.
Photo : Fontaine Leriche.

Atelier Silex

Présentation de kiosques mobiles en collaboration avec l’atelier Silex de Trois-Rivières

Samedi 20 août – À compter de 12 h (midi)

À l’intérieur de l’aréna, l’Optométriste-factice Isabelle Gauvin examinera votre vue à l’aide de barniques révélant votre vision singulière du monde. Sur l’aire de stationnement, La Roulotte à Bobby d’Henri Morissette propose un casse-croûte sculptural regorgeant d’objets et d’outils hétéroclites.

L’Atelier Silex, centre d’artistes de Trois-Rivières, se déporte et explore le concept de la Défenestration, où le fait de sortir de la région et d’explorer le territoire grandiose du Québec les amène à expérimenter de nouvelles avenues de création.

ateliersilex.info

Apéros du Sympo : Moyens de transport et réseaux

Photo : Downtown Trio
Photo : Downtown Trio

Apéros du Symposium : Moyens de transport et réseaux

Jeudi 18 août – 16 h 30

Rencontres avec les artistes Nicole Bauberger, Samuel Breton et Eveline Boulva qui parleront de leurs démarches respectives. Ces artistes abordent les expériences singulières liées aux moyens de transport, qui, même simples, influent sur la perception, l’appréhension et la définition du territoire.

Avec une performance musicale de Downtown Trio

Downtown Trio est la réunion de Ève-Marie Laflamme, Nicolas Tétreault et Gaétan Paquette  qui poursuivent tous trois une maîtrise en interprétation jazz à l’Université Laval. Ayant chacun de leur côté une carrière déjà florissante, ils se réunissent ici dans une formule plus intime qui se marie à merveille avec le pop acoustique.

Downtown Trio est un projet acoustique proposant des arrangements de grand succès pops des dernières années. Influencé par le jazz et la bossa nova ainsi que par le folk et le country il s’approprie les pièces sans les dénaturer. Downtown Trio est un groupe dynamique offrant un répertoire diversifié et accessible.

Événement de clôture

Portrait de Guy St-Onge et Roxane Del. Photo: Andréanne Gauthier.

Événement de clôture

Dimanche 27 août – 16 h 00

Lors d’un évènement de clôture, le public est convié à assister à une prestation musicale de Guy St-Onge, musicien chevronné qui a joué avec notamment Michel Fugain, Laurence Jalbert, Natalie Choquette, Marc Hervieux, Bruno Pelletier, Marie Denise Pelletier, et directeur du Havre musical de l’Islet, à l’Isle-aux-Coudres.

Pour cette prestation, il sera accompagné de la violoniste Roxane Del, connue pour ses récentes réinterprétations du répertoire des Beatles.

Visite guidée de la directrice artistique

Visite guidée de la directrice artistique

Dimanche 27 août – 15 h 00

Pour clore le 36e Symposium, la directrice artistique offrira au public une visite commentée des douze ateliers d’artiste, dressant un constat sur l’expérience de chacun et sur l’évolution de leur projet respectif.

Présentation du projet DÉRANGER

Avec l’aimable concours de l’Office national du film (ONF) du Canada.

Présentation du projet DÉRANGER

Samedi 19 août – 16 h 30

Présentation du projet DÉranger, un laboratoire de création destiné aux artistes autochtones du Québec, réalisé par l’Office national du film (ONF) du Canada, en collaboration avec le Wapikoni mobile et Oboro.

Conçu par Michèle Bélanger, directrice exécutive, Programmation et production au Programme français à l’ONF, de concert avec Caroline Monnet, porte-parole et commissaire, ce laboratoire de création a permis aux artistes multidisciplinaires Sébastien Aubin, Eruoma Awashish, Jani Bellefleur-Kaltush, Ludovic Boney, Geronimo Inutiq, Caroline Monnet, Meky Ottawa de créer, en cinq jours et en équipe, des prototypes d’œuvres à réaliser et à diffuser dans l’espace public ou en contexte muséal.

Michèle Bélanger, l’instigatrice du projet, et Caroline Monnet, porte-parole et commissaire, présenteront l’ensemble de la démarche, ainsi que les projets des artistes participants, notamment celui de Caroline Monnet développé en collaboration avec Ludovic Bonney.

Cinéaste et artiste visuelle émergente aux origines bretonnes et algonquines, Caroline Monnet s’intéresse à l’identité autochtone et à la réalité biculturelle.

Pour en savoir plus http://blogue.onf.ca/

Atelier ouvert de Jean-François Racine

Portrait de Jean-François Racine. Avec l’aimable concours de l’artiste.

Atelier ouvert de Jean-François Racine

Mercredi 9 août au dimanche 13 août – de midi à 17h00

Habitué du pleinairisme, le peintre Jean-François Racine s’installera pour une semaine au Symposium, afin d’y consigner sur place le déroulement de l’évènement, en s’inspirant du thème Passés au présent.

Citoyen engagé dans sa collectivité, Jean-Francois Racine utilise son art afin de sensibiliser à la beauté et à la nordicité. À propos de son expérience de peintre, il écrit : « Lorsque je pars en randonnée de ski en montagne, ou à la recherche de sites inspirants en d’autres saisons, ce qui m’intéresse, c’est le territoire. Au-delà de documenter mon quotidien, ma démarche artistique consiste aussi à mettre en valeur certains lieux afin de sensibiliser la population à leur existence, à leur beauté et à l’importance de les préserver. Lorsqu’on arpente un territoire, on se l’approprie et on devient davantage concerné par l’usage qu’on en fait. »

Dans cet esprit, Jean-François Racine peint sur le motif et performe à l’occasion lors d’évènements festifs publics marquant l’actualité, notamment lors de 24 heures de Tremblant ou au Massif de Charlevoix. Il est représenté par plusieurs galeries à travers le Canada.

Pour en savoir plus : www.jfracine.com

 

Anne-Sophie Miclo récipiendaire de la bourse Jean-Claude-Rochefort 24 août

Offerte par la Fondation de l’UQÀM en hommage Jean-Claude Rochefort, un critique d’art et commissaire originaire de Charlevoix, cette bourse récompense un(e) étudiant(e) des cycles supérieurs en histoire de l’art, invité(e) à présenter ses recherches dans le cadre du Symposium. Cette présentation se déroulera le 24 août à 16h30 dans la salle Casino de Charlevoix du Pavillon Jacques Saint-Gelais Tremblay du MACBSP.

Cette année, le jury a retenu la candidature d’Anne-Sophie Miclo, doctorante en histoire de l’art à l’UQAM. Ses recherches portent sur les problématiques liées à l’impact du vivant sur les pratiques muséales et les changements que cela induit. Elle est l’auteur de nombreux textes, articles et catalogues d’exposition sur la création actuelle. Commissaire de plusieurs expositions, elle vient de collaborer à l’exposition de Sarah Nance à la Galerie Octave Cowbell (Metz, France – 2019).

Jean-Claude Rochefort est né à Saint-Hilarion de Charlevoix en 1957. Il a vécu dans Charlevoix et à Montréal, où il a travaillé à titre de critique d’art (Le Devoir, Spirale, Vie des Arts) et de conservateur indépendant. Galeriste et commissaire en art contemporain, il a été un animateur incontournable et inspiré de la scène de l’art contemporain à Montréal. Il est décédé tragiquement en juin 2010. Cette bourse nous rappelle que son esprit voyage toujours par monts et par vaux dans son Charlevoix qu’il aimait tant.

 

 

Lauréate de la
Bourse 2019
Anne-Sophie Miclo

Jean-Claude Rochefort
(c) Raymonde April, 2017

Prestation et conférence de Denys Premier, Roi de l’Anse

Portrait de Denys Premier. Photo: Paul Simon.

Prestation et conférence de Denys Premier, Roi de l’Anse

Samedi 29 juillet – 16h30

Déjouer l’Histoire, rejouer la nôtre
Prestation et conférence de Denys Premier, Roi de l’Anse, président d’honneur du 35e Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul.

Détenteur d’un doctorat en arts plastiques, Denys Tremblay est un professeur émérite et, surtout, un artiste transdisciplinaire outrepassant les conventions de l’art. C’est l’un des premiers penseurs du périphérisme et l’inventeur du concept de really-made qui permet de réconcilier l’idéalité de l’art à la réalité sociale.

Il a été proclamé légalement par référendum Roi de L’Anse-Saint-Jean, un personnage controversé célèbre du Saguenay-Lac-Saint-Jean. Il devenait le ainsi premier de ce qui devait être une succession de rois, succession non héréditaire avec alternance.

Ouverture officielle du 35e Symposium

Photo: Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul

Ouverture officielle du 35e Symposium

Vendredi 28 juillet – 19 h 30

Ouverture officielle de la 35e édition du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, avec la fanfare Pé Na Rua et défilé dans les rues du centre-ville de Baie-Saint-Paul, en compagnie du Roi de l’Anse, l’artiste Denys Tremblay, président d’honneur, et des artistes participants.

Fondé en 2005 par Flavia Nascimento, l’ensemble de percussions brésiliennes Pé Na Rua, qu’on traduit par « Pieds dans la rue », sillonne les rues du Québec pour vous faire DANSER au son du maracatu, du coco, de la ciranda ou de la samba. Composé de musiciens du Brésil, du Québec et d’ailleurs, il propose un chaleureux VOYAGE à Pernambuco, une région au « nordeste » du BRÉSIL, terre riche en culture populaire !

« Un tonnerre gronde au coin de la rue… Tous les passants regardent soudainement le ciel, pourtant bleu limpide et brillant de soleil. Mais d’où vient cet orage ? Ce sont les TAMBOURS de Pé Na Rua, qui vous entraînent dans sa tempête de RYTHMES brésiliens ! »

Anne-Sophie Turion

© Anne-Sophie Turion, Céline Dion, 2015, intervention dans l'espace public, dimensions variables. Photo : Gabriel Buret.
© Anne-Sophie Turion, Lou Reed, 2015. Intervention in public space, variable dimensions. Photo: Gabriel Buret.

 

ANNE-SOPHIE TURION
Pantin and Marseille (France)

Approach

Anne-Sophie Turion favours forms of fragmented narrative, appearing as so many potential stories and possible situations toexplore.

She proceeds with a collage of narrative elements, stemming from distinct states of mind and through the use of artistic techniques borrowed from both theatre and film such as props, stage directions, soundtracks, sound effects and voice off. She works with these codes, and eloquently spoken formulas, that she combines with allusions revealing the holes, gaps and flaws of the initial remarks, into which seep the absurd and the burlesque.

By means of visual suggestions  and performative actions, she attempts above all to reveal the fabrication of our private and collective stories. Her works highlight the thresholds in which the private and the collective intermingle. The project that she would like to produce during the Symposium is structured around these questions.

Project

For Anne-Sophie Turion, the matter of mobility raises, among others things,there collection of places, spaces travelled through and left behind as a tourist. The fabricationof memories is at the heart of the travelling experience. Places visited then become the settings for a multitude of personalimpressions, backed up notably with photographs, videos and so on.

Since she has never visited Baie-Saint-Paul, the experience of the Symposium will be the ideal opportunity for the artist to slip into the skin of a traveller and examine the “tourist consumption” of the area through temporary, staged and documented interventions in her workspace at the arena.

Biography

Born in Paris, Anne-Sophie Turion received a degree, summa cum laude, in scenography from the École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris in 2010. Previously, she studied directing at the Université du Québec à Montréal and design at the École nationale supérieure des arts decorative de Paris.

Working on the borders of traditional artistic disciplines, she has created many stage settings and soundscapes as well as art works such as photographs, performances and installations in public spaces. She has exhibited in France at Centre d’art contemporain de la Ferme du Buisson, Noisiel, at Centre d’art de la Villa Arson, Nice, at the Abattoirs, Toulouse and at Friche La Belle de Mai, Marseille, as well as at Centrale Fies, Italy. She also has presented her work at VIVO Media Arts Centre in Vancouver, Canadaand in Beijing, China,and has participated in numerous artist residencies in France and abroad.

For more info:

annesophieturion.com

Photo : Courtesy of the artist.
Photo : Courtesy of the artist.
© Anne-Sophie Turion, Lou Reed, 2015, intervention dans l'espace public, dimensions variables. Photo : Gabriel Buret.
© Anne-Sophie Turion, The Beach Boys, 2015. Intervention in public space, variable dimensions. Photo : Gabriel Buret.

 

Momar Seck

© MomarSeck, Embouteillage, 2014.Installationdetail,20 m2. Photo: Alain Dubouloz.
© Momar Seck, Embouteillage, 2014. Installation (detail), 20 m2. Photo:
Alain Dubouloz.

MOMAR SECK
Geneva (Switzerland) and Dakar (Senegal)

Approach

Momar Seck is interested in discarded objects that are seen as essentiallyworthless, which he then gives anappropriate symbolic charge. The mixing of materials, colours, poetry and numerous effects creates an actual porosity between various cultures and diverse cosmogonies in the form ofa happy blending.

He attempts thus to thrust the viewer into the realities of everyday life in which puzzles and debris evoke memories and traces of beginnings, as well as ruptures, shifts and changes. Beyond appearances, a reflection develops about reality, the singularity of objects and the ingenuity of artists, as well as about the interdisciplinarity and plurality of cultures, in which the artist takes pleasure in highlighting the playful and enjoyable aspectof creating.

Project

In the context of the Symposium, the artist will invite visitors, particularly children, to participate with him in creating small boats made of wood and salvaged materials such as old cans and various thin metal and aluminum containers. These boats then will be painted in varying colours and attached to a large wooden structure also in the shape of a boat.

The installation will accentuate the variety of colours in order to create a symbol of movement and the phenomena of mobility through a lively visual presentation, linking the salvaged objects to commerce and the transportation of merchandise.

Biography

Born in Dakar in Senegal, Momar Seck lives and works in Dakar and in Geneva, Switzerland. He holds a degree from the École normale supérieur d’éducation artistique de Dakar and from the École supérieur des Beaix-Arts de Geneva. He also has completed a doctorate in fine arts at the Université de Strasbourg in France.

He has presented his work in solo and group exhibitions in Switzerland, France and Italy as well as in Senegal, Cameroun and Mali.

His participation in the Baie-Saint-Paul International Symposium of Contemporary Art will be the second time that he presents his work in America aftertaking part in the 12th Havana Biennialin Cuba.

For more info:

Seck.ch

Seck
Photo: Alain Dubouloz.
© Momar Seck, Planes, 2015. Installation, 16 m2. Photo : Alain Dubouloz.
© Momar Seck, Planes, 2015. Installation, 16 m2. Photo : Alain Dubouloz.
© Momar Seck, Planes (detail), 2015. Installation, 16 m2. Photo : Alain Dubouloz.
© Momar Seck, Planes (detail), 2015. Installation, 16 m2. Photo : Alain Dubouloz.

Guillaume Adjutor Provost

© Guillaume Adjutor Provost. Bonne Fortune, 2016.
© Guillaume Adjutor Provost. Bonne Fortune, 2016. Vue d’exposition au Centre Clark, Montréal, dimensions variables. Photo : Paul Litherland.

GUILLAUME ADJUTOR PROVOST
Montreal (Quebec)

Approach

Through a certain indeterminism of forms, Guillaume Adjutor Provost’s work probes expressions of the unconscious, notions of the use and construction of ideas. His artistic practice becomes a space for research, a place to examine our relation to contemporaneity: navigating within its deceptions and states of uncertainty.

More specifically, he broaches issues on the periphery of what makes history: the counterculture, personal archives, queer theories, the psychedelic state and science fiction.

Project

His project for the Symposium is based on a collection of QSL cards referring to the culture of truck drivers from the years 1970-80, showing the universe of this nomadic community.

According to an article in Wikipedia, in the early days of radio broadcasting, the ability of a radio set to capture faraway signals was a source of pride for numerous users and enthusiasts. Similar to postcards, the QSL cards were written confirmations of a transmission between two amateur radio operators. On this, one usually found the address and details of the broadcast frequency, as well as an illustration depicting the name or pseudonym of the operator.

A series of psychedelic drawings will be produced from an extract of the components on these QSL cards.

Biography

Guillaume Adjutor Provost currently is completing a doctorate in art studies and practice at the Université du Québec à Montréal. His research in both the practical and academic fields is concerned with the notion of art curating, namely the use of interdisciplinary approaches to presenting an exhibition as a mode of creation.

His work has been presented in solo and group exhibitions in Canada, in particular at Centre Clark and Les Territoires in Montreal, at Axenéo7 in Gatineau, at La Chambre Blanche and L’Œil de Poisson in Quebec City, at The New Gallery in Calgary, at Couvent des Récollets in France and at Fondation Christoph Merian in Switzerland. He has a studio at the Darling Foundry in Montreal.

Over the past few years, he has received grants from the Conseil des arts et des lettres du Québec, the Canada Council for the Arts, the Offices jeunesse internationaux du Québec and la Société de développement des entreprises culturelles. He has also participated in several artist residencies in Canada and abroad.

During the 2015 Symposium, he was awarded the Jean-Claude Rochefort grant,highlighting his original contribution the study of contemporary art practices and exhibition curating.

For more info :

guillaumeadjutorprovost.com

Photo: Maude Veilleux.
Photo: Maude Veilleux.
© Guillaume Adjutor Provost, Bonne Fortune, 2016.
© Guillaume Adjutor Provost, On avait tellement hâte de se rencontrer qu’on a botché nos langages, 2016. Chemises de travail, cartes QSL érotiques imprimées sur lin, supports en acier, cintres, dimensions variables (détail). Photo : Paul Litherland.
© Guillaume Adjutor Provost, Les sangs, 2015.Graphite on paper, 30 cm x 21 cm. Photo : Courtesy of the artist.
© Guillaume Adjutor Provost, Les sangs, 2015.Graphite on paper, 30 cm x 21 cm. Photo : Courtesy of the artist.

Michèle Mackasey

© Michèle Mackasey, Wish-Home Neighbourhood (in collaboration with residents of the YWCA ‒ Saskatoon), 2013. Photo : Courtesy of the artist.
© Michèle Mackasey, Wish-Home Neighbourhood (in collaboration with residents of the YWCA ‒ Saskatoon), 2013. Photo : Courtesy of the artist.

 

MICHELE MACKASEY
Saskatoon (Saskatchewan)

Approach

As an artist, Michèle Mackasey feels a certain social responsibility and her works present many occasions for inclusive collaborations.

At a time when the media and the public are focused on refugees from everywhere in the world, migrants on a global scale, she looks at itinerancy,which is rampant in Canada and in our cities, in order to find a solution to the negligence and disregard that victimize the homeless people we meet everyday.

Project

During the Symposium, Michèle Mackasey will produce a series in the context of her huge project Quartier Souhaits-chez-toits (Wish-Home Neighbourhood) created with the participation of visitors and in collaboration with various community centres and organizations providing emergency shelter.

The grouping will be composed of small houses made in aid of the homeless. In a certain gesture of empathy, the visitors will be invited to draw a dwelling for a family or someone alone, from an account of their own situation. Attached to a grid hanging from the ceiling, the small houses will serve as support for drawings and will be displayed so as to create a small area of the city or a neighbourhood of wish homes, a dream on the way to becoming a reality. A component of the work will be made up of illuminated small houses, the light showing that the dwelling is inhabited.

The artist thus contrasts a certain mobility linked to the luxury and privilege of some, with the itinerancy that causes enormous stress daily for people and families who do not have a home.

Biography

Born in Chibougamau, Quebec, Michèle Mackasey now lives and works in Saskatoon. In 1991, she completed a fine arts degree with distinction in drawing and painting at the Ontario College of Art and Design.

Since then, she has presented her work in solo exhibitions in particular Face à nous at the Mendel Art Gallery in Saskatoon, at Godfrey Den Art Gallery in Yorkton and Grace Campbell Gallery in Prince Albert and then in duo with Joe Fafard in L’art Fransaskois at the Musée de la civilisation in Quebec City.

From 2012 to 2014, she had an artist residency to work in the community at the YWCA in Saskatoon. She currentlyis working in collaboration with the Band Council and the members of the English River Dene Nation.

For more info:

michelemackasey.com

Photo: Yvan Lebel.
Photo: Yvan Lebel.
© Michèle Mackasey, Wish-Home Neighbourhood (in collaboration with residents of the YWCA ‒ Saskatoon), 2013. Photo : Courtesy of the artist.
© Michèle Mackasey, Wish-Home Neighbourhood (in collaboration with residents of the YWCA ‒ Saskatoon), 2013. Photo : Courtesy of the artist.
© Michèle Mackasey, Wish-Home Neighbourhood (en collaboration avec les résidents du YWCA ‒ Saskatoon), 2013. Avec l'aimable autorisation de l'artiste.
© Michèle Mackasey, Wish-Home Neighbourhood (in collaboration with residents of the YWCA ‒ Saskatoon), 2013. Photo : Courtesy of the artist.
© Michèle Mackasey, Wish in the Dark(en collaboration avec les résidentsduYWCA ‒ Saskatoon), 2013. Photo : Radio-Canada (Arrêt sur image).
© Michèle Mackasey, Wish in the Dark (in collaboration with residents of the YWCA ‒ Saskatoon), 2013. Photo : Radio-Canada (Still image).

 

 

Thibault Laget-ro

© Thibault Laget-ro, Transmigration, 2015, acrylique sur toile, 180 cm x 240 cm. Photo : Avec l'aimable autorisation de l'artiste.
© Thibault Laget-ro, Transmigration, 2015. Acrylic on canvas, 180 cm x 240 cm. Photo : Courtesy of the artist.

THIBAULT LAGET-RO
Grosrouvre (France)

Approach

For several years, Thibault Laget-ro has been interested in the concept of freedom and in one person’s experience of itrelative tothat of another and according to various cultural contexts. His art practice contrasts those who live through events that undermine freedom and their violent consequences, with those who witness these tensions, at a later time several thousand kilometers away in considerable comfort.

To do this, he works in collaboration with war correspondents. This is the way that he has looked at the Israeli-Palestinian conflict, the Arab Spring and, more recently, the war in Syria before this became an international concern.

Gradually, the exodus, this ultimate flight to escape death, has become his main concern. Since then, he has endeavoured to trace this journey of crossing the Mediterranean Sea, one of the most perilous and dreaded expanses of water.

Project

In the context of the Symposium, the artist will explore the notion of pied-à-terre in a very graphic pictorial style. Taking inspiration from ships passing by off the coast of Baie-Saint-Paul and looking atthe streets, beaches and docks, he will imagine these same places receiving a great number of migrant families. Common and well-known places, elements of daily life that are humdrum for some, will be shown as the promise of a better life for others.

In parallel to thisimagined scene and taking a more conceptual approach, he will produce a series of 200 passports, documents providing proof of identity, of belonging and the advantage of a certain freedom. Over the course of the event, these 200 passports that “open doors” will be distributed to visitors, giving them the chance to become aware of their privileged position. With time, these documents will become damaged,lost or stolen, and with a little luck they even will cross some borders. This chain will not go on forever and its fading will emphasize that freedom is both invaluable and ephemeral.

Biography

Born in Tokyo, Thibault Laget-ro is a figurative painter. He has a degree in economics from Université Sorbonne 1, and was a student in the studios of Hubert de Chalvron and Jean-Marc Thommen at the École normale supérieur des beaux-arts de Paris. He then worked with sculptor Arnaud Kasper and continued his training at a residency in Santa Fe in the United States.

Along with his activities as a painter, he published a collection of short stories at Éditions Kalara in 2012. The same year, he received the third Daniel Walter short story prize for another work at the Summerlied Festival.

For more info:

laget-ro.com

Photo: Courtesy of the artist.
Photo: Courtesy of the artist.
© Thibault Laget-ro, Le départ, 2014, acrylique sur toile, 97 cm x 130 cm. Photo : Avec l'aimable autorisation de l'artiste.
© Thibault Laget-ro, Le départ, 2014. Acrylic on canvas, 97 cm x 130 cm. Photo : Courtesy of the artist.
© Thibault Laget-ro, Nage à Alep, 2014, acrylique sur toile, 140 cm x 160 cm. Photo : Avec l'aimable autorisation de l'artiste.
© Thibault Laget-ro, Nage à Alep, 2014. Acrylic on canvas, 140 cm x 160 cm. Photo : Courtesy of the artist.
© Thibault Laget-ro, Arrivée, 2015, acrylique sur toile, 80 cm x 80 cm. Photo : Avec l'aimable autorisation de l'artiste.
© Thibault Laget-ro, Arrivée, 2015. Acrylic on canvas, 80 cm x 80 cm. Photo : Courtesy of the artist.

Frédéric Cordier

© Frédéric Cordier, Olfacto, 2014. Detail of Ink installation, linocut, 106 cm x 106 cm. Photo: Ivan Binet.
© Frédéric Cordier, Olfacto, 2014. Detail of Ink installation, linocut, 106 cm x 106 cm. Photo : Ivan Binet.

FREDERIC CORDIER
Montreal (Quebec) and Lausanne (Switzerland)

Approach

Photographs taken and observations carried out around industrial sites inspire Frédéric Cordier tocompose his prints. These visits enable him to absorb the atmosphere of these places and create a landscape, using simplified graphic forms that evoke a certain abstraction and the reproduction of manufactured materials.

These juxtaposed motifs and forms produce an unreal ambience, in which heavy industry is associated with more evanescent visibility phenomena, being rendered as psychedelic motifs and compositions relating to Op art and pointillism.

Project

For the Symposium, the artist will create a harbour view, integrating cranes, boats and other machinery into large-scale linocuts on the theme of the container, an icon serving as a pretext to create new motifs and a variety of textures.

In contrast to the fixed and immobile infrastructure that the factory represents, the container embodies the mobile modal unit of our modern economy. Conceived of as an easy means of transit, it represents the constant flow of merchandise created by international commercial exchange.

This same adaptability also enables it to be transformed into a dwelling during emergency situations or assembled in the form of architect’s houses, all expressions linked to the conditions of contemporary mobility.

Biography

Born in Canada, Frédéric Cordier lives and workstoday in Lausanne Switzerland and in Montreal.

He holds a BFA from the École cantonale d’art of Lausanne (ECAL), an internationally-renown school of higher learning. In 2008, his final school project was awarded the Ernest Manganel Prize. Two years later, he carried out research focusing on wallpaper and its spatial placement for his master’s degree.

He produced wallpaper installations, in particular at La Chapellede Tell de Montbenon in Lausanne and in vacant factories in Tbilisi, Georgia and in Paris. In 2011, he had a six-month residency in the Canton de Vaud studio at Cité international des arts in Paris where he worked on large linocuts. During the same year, he was awarded a prestigious cultural grant from the Fondation Leenaards.

On his return to Quebec, he presented a solo exhibition at Engramme in December 2015. He also exhibited his work at URDLA Centre international estampe and livre at Villeurbanne in 2013 and 2014.

For more info:

frederic-cordier.ca

Photo : Andreas Zimmermann.
Photo : Andreas Zimmermann.
© Frédéric Cordier, Ink, 2015. Installation and linocuts, variable dimensions. Photo: Ivan Binet.
© Frédéric Cordier, Ink, 2015. Installation and linocuts, variable dimensions. Photo : Ivan Binet.
© Frédéric Cordier, Olfacto, 2014. Detail of Ink installation, linocut, 106 cm x 106 cm. Photo: Ivan Binet.
© Frédéric Cordier, Olfacto, 2014. Detail of Ink installation, linocut, 106 cm x 106 cm. Photo : Ivan Binet.
© Frédéric Cordier, Chapelle de Tell revisitée, 2010. Installation and wallpaper. Photo: Daniela Droz.
© Frédéric Cordier, Chapelle de Tell revisitée, 2010. Installation and wallpaper. Photo : Daniela Droz.

Geneviève Chevalier

© Geneviève Chevalier, Mon boisé, 2014. Installation, variable dimensions. Photo: Courtesy of the artist.
© Geneviève Chevalier, … & l’enchantement, oeuvre du projet Mon boisé, phase II, 2014-2015, impression à jet d’encre sur papier, 53 cm x 73 cm. Photo : Courtesy of the artist.

 

GENEVIEVE CHEVALIER
Eastman (Quebec)

Approach

Acting as an artist, curator and academic researcher, Geneviève Chavalier broaches her artistic practice in a conceptual and contextual manner. Her work develops both in the exhibition space and through academic research and critical writing. She is interested in current socio-political and ecological issues related to natural, geographic, institutional or discursive sites.

Making the gallery a place for sensory experience and research, she uses objects, images and text to explore the possibilities that their organized presentation revealsas an exhibition. She is always seeking to expand the boundaries of this staging, in particular through the presentation of object collections and facts gathered at the sites that she explores or studies.

Project

At Baie-Saint-Paul, she would like to create an installation project in the form of a collection concerned with the seasonal migration of birds, a phenomenon destined to change in the near future. From observations carried out while on the Sentier des caps de Charlevoix (a hikingtrail in the Charlevoix region), she will make a list of the bird species present during the summer and study their migration routes, dwelling on the alterationsthey make because of climate change.

The final work will be a presentation of the collection, grouping together material from the artist’s observations (photographs, sketches and audio recordings) and her research (varied works, instruments and documents given by participants). The text indications about the elements will present diverse reflections that are scientific, poetic and conceptual. The work also will encourage public participation, inviting people to contribute their own observations to the project, particularly from their bird-watching outings.

Biography

Geneviève Chevalier is an artist and independent curator. With a grant from the Fonds de recherché du Québec – Society et culture (FRQSC) –she is currently doing post-doctoral work in museum studies at the École multidisciplinaire de l’image at Université du Québec en Outaouais (UQO).

As an artist, she has presented her work in group exhibitions at the Musée Lachine in Montreal and at LŒil de Poisson in Quebec City in 2015, as well as at the 7th edition of Manif d’art in Quebec City in 2014. Her installation Mon Boisé was shown at Maison de la culture Notre-Dame-de-Grace, Montreal in 2016 and Orford: Insular Territory, at the Thames Art Gallery in Chatham, Ontario in 2014.

For close to 10 years, she has had her texts published regularly in art magazines and journals and has worked as anexhibitioncurator. She has participated in residencies for artists and curators at Centre Sagamie in Alma, at the Banff Centre in Alberta and at the Vermont Studio Center in the USA.

For more info:

genevievechevalier.ca

Photo: Stéphane Gregory.
Photo : Stéphane Gregory.
© Geneviève Chevalier, Mon boisé, 2014. Installation, variable dimensions. Photo: Courtesy of the artist.
© Geneviève Chevalier, … & l’enchantement, oeuvre du projet Mon boisé, phase II, 2014-2015, impression à jet d’encre sur film translucide, 40 cm x 59 cm. Photo : Courtesy of the artist.
© Geneviève Chevalier, Cabinet du lac-Saint-Louis, 2015.Installation, variable dimensions. Photo: Richard-Max Tremblay.
© Geneviève Chevalier, … & l’enchantement, oeuvre du projet Mon Boisé, phase II, 2014-2015, impression à jet d’encre sur film translucide, 40 cm x 59 cm. Photo : Courtesy of the artist.
© Geneviève Chevalier, Orford : territoire insulaire, 2015.Ink-jet print on paper, 56 cm x 56 cm. Photo: Courtesy of the artist.
© Geneviève Chevalier, … & l’enchantement, oeuvre du projet Mon Boisé, phase II, 2014-2015, impression à jet d’encre sur papier, 60 cm x 42 cm. Photo : Courtesy of the artist.

Eveline Boulva

© Eveline Boulva, La Forêt noire ; veille nocturne, 2012, crayon et acrylique sur contreplaqué, 122 cm x 122 cm. Avec l'aimable autorisation de l'artiste.
© Eveline Boulva, La Forêt noire ; veille nocturne, 2012. Pencil and acrylic on plywood, 122 cm x 122 cm. Photo: Courtesy of the artist.

EVELINE BOULVA
Quebec City (Quebec)

Approach

Themes of territory and landscape are central to Eveline Boulva’s art practice. Territory here is defined as a geo-social space in which collective identities and imagination are an integral part. This is the raw material of landscape from which the artist’s subjective perception of natural or humanized spaces is conceived.

Preliminary trips and journeys are an essential part of Eveline Boulva’s creative process. This is when she observes and experiences the territory in order to analyse it and understand its specific character. She then tries to translate and express the intrinsic heterogeneousness and the specificities of these spaces in the form of paintings and drawings, conveyors of a sense of belonging to one’s milieu.

Project

During the Symposium, the artist will work from photographs taken while on an airplane, flying over the St. Lawrence River. These paintings will express experiences of the journey, and evoke moments of both dreaming and analytically observing the land.

In the form of diptychs, the paintings will be built up through superposing multiple layers of meticulously applied acrylic glazing, starting from lightly tinted gray to coloured glazes. The digital matrix isolating each of these nuances will be cut out of vinyl film and serve as a stencil for applying the successive layers of pictorial matter.

In this sense, the representation here takes on a topographic character in which the darkest tones are applied first,and then superposed on them are increasingly lighter tones up until white, gradually constructing reliefs.

Biography

Eveline Boulva was born in Quebec City where she lives and works. She holds a PhD from Laval University, combining visual arts and geography.

For the past fifteen years, she has presented her work in many solo exhibitions at the Musée du Bas-Saint-Laurent, at Expression: Centre d’exposition in Saint-Hyacinthe and at the Centres d’exposition Rouyn-Noranda and Shawinigan as well as in group exhibitions, such as C’est arrive près de chez vous at the Musée national des Beaux-arts du Québec in 2008. She also has participated in artist residencies in Canada and internationally. She has produced public art works and her artworks are in private and museum collections in Canada and abroad. She is represented by Galerie Lacerte.

In 2008, she received the Prix Videre for her exhibition Épures presented at galerie Engramme in 2007.

For more info:

evelineboulva.com

galerielacerte.com

Photo: Luc Renaud.
Photo: Luc Renaud.
© Eveline Boulva, Ville (brouillement I), 2015. Pencil and acrylic on plywood, 122 cm x 122 cm. Photo: Courtesy of the artist.
© Eveline Boulva, Ville (brouillement I), 2015. Pencil and acrylic on plywood, 122 cm x 122 cm. Photo: Courtesy of the artist.
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© Eveline Boulva, Incursions… En train (scène 1), 2013. Watercolour, gouache and pencil on paper, 56 cm x 77 cm. Photo : Courtesy of the artist.
© Eveline Boulva, La Forêt noire ; veille nocturne, 2012. Pencil and acrylic on plywood, 122 cm x 122 cm. Photo: Courtesy of the artist.
© Eveline Boulva, La Forêt noire ; veille nocturne, 2012. Pencil and acrylic on plywood, 122 cm x 122 cm. Photo: Courtesy of the artist.

Camille Bernard-Gravel

© Camille Bernard-Gravel, Éviers, 2013, techniques mixtes, 213 x 244 x 51 cm.
© Camille Bernard-Gravel, Éviers, 2013, techniques mixtes, 213 x 244 x 51 cm.

CAMILLE BERNARD-GRAVEL
Quebec City (Quebec)

Camille Bernard-Gravel is inspired by simple natural phenomena, easily observed on a daily bases in our immediate environment. Her art research is nourished by her attention to the interactions that water, air and light createas well as the movement and sounds these elements produce.

She uses material stemming from human activity, particularly in the urban environment, in order to reinterpret the phenomena of rain, wind, the reflection of light on water and the sounds of these natural events. In her videos, installations, kinetic sculpture and sound work, she evokes the immaterial nature of the elements.

Her work resorts to mechanicalnotions and in a kind of performance, links the elements in a fluid system to make us think about the poetry of nature.

Project

The artist looksat naturepoetically, perceiving it as a network oflively,mobile interrelations. Her project emphasizes the synergy between plantgrowth and the forces that contribute to this natural phenomenon. Although immobile, plants in fact growthrough a kinematics that is particular to them in the context of a more extensive ecosystem.

She will create kinetic sculptures inspired by the development of plants. Motors and mechanisms will create movement imitating their growth and the disruptions that natural phenomena or external interventions inflict on them. With the help of various captors, visitors will be able to interact with the work and will become disrupting elements within the biomechanicallycreated ecosystem.

Biography

A native of Quebec City, Camille Bernard-Gravel received a BFA with distinction in visual and media arts from Laval University in 2014.

Since then she has produced sculpture, kinetic installations and videos. Her work has been presented in solo exhibitions at Centre d’exposition Val-d’Or in 2016, at Œil de Poisson (Quebec City) in 2015 and at the Residencia Corazón (La Plata, Argentina) in 2014. Her worksalso have been shown in exhibitions at artist residencies in France, Thailand and Mexico as well as group exhibitions in Quebec City, Montreal and New York.

In June 2016, she will present work from her Mexico residency in Montreal and at Langage Plus in Alma, and in early 2017,after her participation in the Symposium, shewill exhibit work at Galerie d’art du Parc in Trois-Rivières.

For more info:

camillebernardgravel.com

Bernard-Gravel
Photo: Stéphane Bourgeois.
© Camille Bernard-Gravel, Éole, 2015. Mixed mediums, variable dimensions. Photo: Ivan Binet.
© Camille Bernard-Gravel, Éole, 2015. Mixed mediums, variable dimensions. Photo: Ivan Binet.
© Camille Bernard-Gravel, Construire la pluie, 2014. Mixed mediums, variable dimensions. Photo: Courtesy of the artist.
© Camille Bernard-Gravel, Construire la pluie, 2014. Mixed mediums, variable dimensions. Photo: Courtesy of the artist.
© Camille Bernard-Gravel, Champ de blé, 2014. Mixed mediums, 183 cm x 201 cm x 61 cm. Photo: Courtesy of the artist.
© Camille Bernard-Gravel, Champ de blé, 2014. Mixed mediums, 183 cm x 201 cm x 61 cm. Photo: Courtesy of the artist.

Private: Communiqué 27 avril 2016 – Casino de Charlevoix

Patrick Beaulieu

© Patrick Beaulieu, Monarca mobile, 2010, photographie numérique.
© Patrick Beaulieu, Monarca mobile, 2010, photographie numérique.

PATRICK BEAULIEU
Orford (Quebec)

Approach

Patrick Beaulieu is a multidisciplinary artist whose art is expressed through performative journeys, sculpture, videos, photography and installations.

For about 12 years, his work has evolved around the experiences and encounters he has had on his poetic, performative journeys across North America, Europe and Asia, particularly Méandre, L’échelle de Beaufort – La marche du vent, Transfriable, as well Vegas, Ventury and Vecteur Monarque that he has carried out in collaboration with writers, philosophers, graphic designers and landscape architects.

The result of these travels is a corpus of visual work inspired by natural phenomena (winds, tides and migratory cycles), luck, chance or the synchronicity of situations.

Project

In the context of the Baie-Saint-Paul Symposium, Patrick Beaulieu will go on a series of short performative excursions during which he will attempt to arrive at imaginary destinations with the aid of people he meets along the way. By exploring and altering the region’s toponyms, he will try to identify and reach fictive places, relating to local geography and history. He may very well be able to find some of his imagined places.

His work in front of the visitors will be to assemble the vestiges of these ambulatory experiences and to share them in the form of short videos, photographs, geo-poetical maps and diverse collections of objects. During the last week of the eventat the end of August, Patrick Beaulieu will invite the public to accompany him to discover the improbable places that he has found.

Biography

Patrick Beaulieu lives and works in Orford in the Eastern Townships. He holds a BFA in visual art from the Université du Québec à Montréal.

For more than 12 years, he has exhibited his work regularly in Canada, Quebec and abroad, particularly in Belgium, France, Singapore and Mexico, a country where he has participated in several artist residencies. He also has produced numerous public art works for schools, libraries, health-care institutions and parks in several Quebec regions. He is represented by Galerie Art Mûr in Montreal.

For more info:

patrickbeaulieu.ca

artmur.com

Courtesy of the artist.
Courtesy of the artist.
© Patrick Beaulieu, Méandre - Lac Champlain, 2016. Digital photograph. Photo: Courtesy of the artist and Galerie Art Mûr.
© Patrick Beaulieu, Méandre – Lac Champlain, 2016. Digital photograph. Photo: Courtesy of the artist and Galerie Art Mûr.
© Patrick Beaulieu, Méandre–Lac Champlain, 2016. Digital photograph. Photo: Courtesy of the artist and Galerie Art Mûr.
© Patrick Beaulieu, Méandre -Yakety Yak, 2016. Digital photograph. Photo: Courtesy of the artist and Galerie Art Mûr.
© Patrick Beaulieu, Magic Dart, 2014. Digital photograph. Photo: Courtesy of the artist and Galerie Art Mûr.
© Patrick Beaulieu, Magic Dart, 2014. Digital photograph. Photo: Courtesy of the artist and Galerie Art Mûr.

 

Magali Baribeau-Marchand and Sara Létourneau

© Sara Létourneau, Magali Baribeau-Marchand, Le vieillard et les amoureux, 2016, mixed mediums, variable dimensions. Photo courtesy of the artists.

Magali Baribeau-Marchand et Sara Létourneau
Saguenay, Québec

Approach

Magali Baribeau-Marchand and Sara Létourneau appropriate discarded everyday objects that are loaded with a narrative of sensory potential. They bring these objects back to life, integrating them into installations.

With the objective of making the process of memory tangible, they thus produce works that deal with wonder, particularly around the idea of commemoration and tribute. In their installations, plantings of vegetation also display the rhythm of natural growth.

In this way, the artists revive the affective charge of objects and traditional know-how, all while looking into the moments marking the passage of a human life and the changing cycles of nature.

Project

At the Symposium, they will use the notion of a tribute to give form to a work of memory, gleaning discarded artificial flowers from Charlevoix cemeteries, constructing a music box and integrating elements into some plantings.

Initially they will be involved with collecting artificial flowers, discarded or blown away to the edges of cemeteries in the Charlevoix region. In a painstaking work of assemblage, they then will produce a quilt for each cemetery visited, showing the features of each one through composition, motifs and colours.

Magali Baribeau-Marchand and Sara Létourneau also will construct a music box and ask visitors to remember a loved one who has passed away and to write their name on a perforated musical partition: the length of the melody will increase with the number of participants. By letting the musical phrase continue, the partition ribbon and the confetti of perforated paper will accumulate, revealing the symbolic consequences of each one’s gesture in a participative and openly evolving work.

These two elements will be accompanied by a micro-area of vegetation, in which a village of small wooden houses is placed on soil planted with grains of wheat and topped with grow lights. During the Symposium, the buildings will become submerged in the greenery, thus raising questions about our relationship to nature, to heritage buildings and to the land.

 

Biographies

Magali Baribeau-Marchand has a practice of sculpture, installation and drawing and is implicated in micropublishing. She edits Lapin Lièvre, an opuscule that brings together several artists and writers around drawing and literature for each issue. Her own work has been presented in solo and group exhibitions in various Quebec regions such as Saguenay–Lac-Saint-Jean, Bas-Saint-Laurent, Îles-de-la-Madeleine and Montreal, as well as in Athens, Greece.

Sara Létourneau is a multidisciplinary artist who has given performances at more than forty events in Canada, the United States, Europe and Asia. She has participated in many theatre projects as an actor, set designer, singer and performer. Since 2015, she has worked on Stellaire, a Francophone project of performing electro-folk songs.

Both artists have degrees from Université du Québec à Chicoutimi and have worked together as a duo since 2015. Their work has been presented at centre d’art actuel Bang in Saguenay and at Langage Plus in Alma.

For more info:

magalibaribeaumarchand.blogspot.ca

saraletourneau.ca

Portrait. Courtesy of the artists.
© Magali Baribeau-Marchand et Sara Létourneau. 2017. Photo credit : René Bouchard.
© Sara Létourneau, Magali Baribeau-Marchand, Natures mortes, 2017, mixed mediums, variable dimensions. Photo courtesy of the artists.
© Sara Létourneau, Magali Baribeau-Marchand, Fleurs de cimetière,mixed mediums, variable dimensions. Photo courtesy of the artists.
© Sara Létourneau, Magali Baribeau-Marchand, Sara Létourneau, Magali Baribeau-Marchand, Fleurs de cimetières (work in progress), mixed mediums, variable dimensions. Photo courtesy of the artists.

Charles-Étienne Brochu

© Charles-Étienne Brochu, Marathon, 2016, dessin numérique, 122 x 203 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.

Charles-Étienne Brochu
Québec, Québec

Démarche

Charles-Étienne Brochu vise à réaliser des œuvres originales et agréables au regard, qui reflètent sa vision du monde ou ses intérêts du moment. En ce sens, son approche serait intuitive.

Il aborde la couleur et la composition en respectant une certaine tradition de l’illustration contemporaine. Il réalise toutefois des images ambiguës mettant en contraste les couleurs éclatantes du dessin et des thèmes sombres et préoccupants. Ses sujets privilégiés abordent la complexité du monde actuel, les relations sociopolitiques et l’accumulation d’objets, incluant les relations de présence et d’absence et les expériences d’épanouissement et d’aliénation.

Virtuel, le dessin numérique constitue son médium de prédilection. Il lui offre beaucoup de liberté quant au mode de présentation des œuvres. Il lui permet de combiner les images sous forme de livres d’artistes, de folioscopes (flip books) et de dessins animés, et de les diffuser tant en galerie que sur le Web. En ce sens, ce mode d’expression nourrit son intérêt pour la narration et favorise de multiples variations conférant à l’ensemble un caractère immersif.

Projet

La thématique Passés au présent de cette édition du Symposium s’inscrit en continuité avec sa pratique telle qu’elle se développe depuis quelques années autour de la relation entre histoire et société. En effet, Charles-Étienne Brochu explore les relations sociales, personnelles, politiques et temporelles marquant notre mode de vie contemporain.

Son projet consistera à créer diverses œuvres, basées sur le dessin numérique, englobant la perception actuelle de l’histoire passée et du futur. Ses dessins fonctionneront un peu comme des illustrations ou des représentations d’une société à la fois ludique et sombre, rassurante et apocalyptique.

Biographie

Originaire de Sainte-Ursule en Mauricie, Charles-Étienne Brochu vit et travaille à Québec. Il aime dessiner et occupe son temps à réaliser des livres, des fanzines, de l’art Web, des GIF animés et des courts métrages.

Il cumule différentes participations à des évènements collectifs et à des expositions, notamment la Foire d’art actuel de Québec, à ARPRIM, à VU Photo et à Manif d’Art. Au printemps 2015, il a participé au projet d’échange Québec-Nantes, dans le contexte de présentations à la Dulcie Galerie à Nantes.

Il a été le récipiendaire du prix Videre pour la relève décerné par la Ville de Québec en 2016 pour son exposition Heureux ensemble présentée à l’Œil de Poisson. Tout récemment, il a obtenu une bourse Première Ovation – Arts visuels, arts médiatiques et métiers d’art, dans la catégorie Première exposition individuelle parrainée par Manif d’art, pour sa dernière création, Bon Deuxième, traitant du sport et de l’activité physique.

Pour en savoir plus : charlesetienneb.com

Portrait de l’artiste Photo: Sam St-Onge
© Charles-Étienne Brochu. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Charles-Étienne Brochu. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Charles-Étienne Brochu. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Charles-Étienne Brochu, Salle d’entraînement, 2016, GIF animé, dimension variable. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Charles-Étienne Brochu, Météores, 2016, dessin numérique, 122 x 152 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Charles-Étienne Brochu, Station service – nuit, 2016, dessin numérique, 61 x 91 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Charles-Étienne Brochu, 35 saucisses, 2016, GIF animé, dimension variable. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.

Stéfanie Requin Tremblay

© Stéfanie Requin-Tremblay, Rincebook. Jour 1, 2011, livre d’artiste, 16 x 24 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.

Stéfanie Requin Tremblay
Québec, Québec

Démarche

Depuis quelques années, Stéfanie Requin Tremblay puise ses inspirations graphiques et littéraires dans la culture Internet. Utilisant son fil d’actualité comme moteur de création, elle combine, en une esthétique minimale et punk, textes poétiques et images incisives. Hors de l’ordinateur, ses œuvres prennent diverses formes imprimées – photographies, collages, livres d’artistes, fanzines, photoromans – et nourrissent un univers intime, violent, féminin, obsédé par les thèmes de l’anxiété, de l’hygiène, du karaoké et de l’administration, le tout réalisé dans une imagerie pop des années 1980 et 1990, jusqu’aux années 2000.

 

Projet

Dans le cadre du Symposium, elle compte colliger des éléments marquants de son fil d’actualité, autant du coté de la sphère publique que privée, en récoltant des statuts, des commentaires, des messages privés, des images ou des faits de l’actualité. Elle se réappropriera ces éléments afin de les transposer en dessins, en archives, en photos, voire en poésie écrite.

Avec l’idée d’« imprimer Internet », elle tentera de contrer l’obsolescence du Web en archivant ces échanges et ce flux d’information virtuels s’effaçant dès qu’ils ont été vus ou lus. En rassemblant des images et des statuts éphémères, elle aimerait dresser un portrait témoin de l’époque actuelle, réfléchir Facebook comme un espace narratif et archiver le présent, dans le but d’en maintenir l’existence, quelle qu’elle soit, dans l’avenir.

Biographie

Titulaire d’une maîtrise en arts visuels de l’Université du Québec à Chicoutimi (2009), Stéfanie Requin-Tremblay a présenté son travail dans le cadre d’expositions individuelles et collectives au Québec, notamment à Saguenay, au centre d’artiste Le Lobe en 2007, à Espace Virtuel et au Centre Bang en 2008, à la Galerie de l’Œuvre de l’Autre en 2011, ainsi qu’au Centre Sagamie à Alma en 2011) et à VU Photo à Québec en 2015.

Elle a également participé à des évènements et à des résidences de création au Québec, notamment lors de Folie/Culture à Québec et à Saguenay en 2014 et avec le centre DARE-DARE à Montréal en 2016. Elle est actuellement commissaire en résidence au centre d’artistes Le Lobe à Saguenay. Elle y prépare une publication intitulée Obsolescence pop, mettant en relief cinq artistes qui interrogent l’influence d’Internet et de la culture populaire sur la création contemporaine.

Pour en savoir pluswww.stefanierequintremblay.com

Portrait de l’artiste. Photo Max-Antoine Guérin.
© Stéfanie Requin Tremblay. 2017. Crédit photo: René Bouchard.
© Stéfanie Requin Tremblay. 2017. Crédit photo: René Bouchard.
© Stéfanie Requin-Tremblay, Sels de bain, 2013, photo numérique. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Stéfanie Requin-Tremblay, Sels de bain, 2013, livre d’artiste. Photo Rocket Lavoie.
© Stéfanie Requin-Tremblay, Sels de bain, 2013, impression numérique. Photo Nicolas Lévesque.
© Stéfanie Requin-Tremblay, Bronzage molo, 2016, collage numérique. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.

La Famille Plouffe

© Guillaume Boudrias-Plouffe, Le billochet, 2012, performance et installation, dimension variable. Photo Émilie Levert.

La Famille Plouffe
Longueuil, Québec

Démarche

La Famille Plouffe réactualise la « petite histoire » des lieux qu’elle investit à travers des tours de passe-passe sans prétention pour faire croire un instant au merveilleux et au fantastique. À travers ce prisme ludique de l’enfance, ses matériaux empreints du domestique, du commun et du quotidien transmettent l’essence du transport proposé par le légendaire et le fabuleux.

Ses œuvres sont ainsi imprégnées d’une culture populaire (récits, expressions familières, gestes, objets ou savoir-faire vernaculaires), mettant en valeur et à profit la richesse de la transmission d’un « patrimoine culturel immatériel », pas toujours apprécié comme tel. Voilà la matière première au fondement de l’œuvre.

Par ailleurs, l’équilibre précaire des matériaux donne corps à ces thèmes de prédilection en témoignant de la fragilité de notre héritage dans le contexte des bouleversements culturels mondiaux. D’où la nécessaire réactualisation de ce patrimoine individuel et collectif toujours bien vivant, parfois bien malgré tout.

Projet

Intitulé Toute une trotte !, le projet de para-diorama de La Famille Plouffe réinterprètera des histoires de la culture populaire de la région de Charlevoix, ainsi que les souvenirs des visiteurs. Il se déploiera sous forme de vernacularium, une présentation de ce qu’on se raconte, de ce qu’on cultive et fabrique au quotidien.

L’ensemble se présentera comme la rencontre d’un diorama augmenté et d’une réinterprétation historique de référents culturels régionaux. L’œuvre sera imprégnée de la triade des disparus de Charlevoix, soit Alexis le Trotteur, les Échassiers de la Baie et les pinières de Baie-Saint-Paul. Les échanges intergénérationnels avec les visiteurs se transformeront en rendez-vous performés autour de réminiscences nourries d’un patrimoine populaire collectif.

Biographie

La Famille Plouffe œuvre ensemble depuis l’arrivée de chacun dans la vie de l’autre. C’est toutefois seulement tout récemment qu’ils ont décidé de mettre en avant cette signature commune. Lors d’un séjour familial aux Maisons Daura, résidences internationales d’artistes, à Saint-Cirq-Lapopie en France, leurs échanges se sont révélés essentiels à leur démarche artistique, tant pour le travail en cours que pour celui réalisé auparavant.

Par le passé, Guillaume Boudrias-Plouffe, riche de l’apport et de la collaboration de ses proches, avait présenté des projets au Québec, notamment à AXENÉO7 à Gatineau, à la Galerie B-312 et à DARE-DARE à Montréal, ainsi qu’au Musée d’art contemporain des Laurentides de Saint-Jérôme. Il a aussi participé à des résidences d’artistes au 3e impérial à Granby et à L’Arsenal à Montréal. Il a reçu plusieurs prix dont le prix relève du Conseil montérégien de la culture et des communications, le prix Joseph-S.-Stauffer, de même que des bourses du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada. La prestation de La Famille Plouffe au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul constitue la première reconnaissance de leur signature commune.

Pour en savoir pluswww.astroclown.net

 

Portrait des artistes. Photo avec l’aimable concours des artistes.
© La famille Plouffe. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© La famille Plouffe. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Guillaume Boudrias-Plouffe, avec la collaboration d’Emeline Plouffe, La Princesse des Cantons de l’Est, 2014, photographie. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Guillaume Boudrias-Plouffe, Envoye-la ta garnotte!, 2015, installation, dimension variable. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Guillaume Boudrias-Plouffe, Mines de rien pas pour cinq cennes, 2016, installation, dimension variable. Photo Daniel Aubin.
© La Famille Plouffe, Éphémérides en vendémiaire de l’an CCXXV, 2017, photomontage. Photo avec l’aimable concours des artistes.

 

Jean-Charles Remicourt-Marie

© Jean-Charles Remicourt-Marie, Klankstelsel, 2014, 27 x 25 x 21 cm. Photo Michèle Gottstein.

Jean-Charles Remicourt-Marie
Hérouville-Saint-Clair, France

Démarche

La démarche de Jean-Charles Remicourt-Marie s’inscrit au seuil de l’art, de l’architecture et de l’investigation historique. À la recherche d’un langage formel adapté à l’espace public, il réalise des sculptures et des maquettes en dialogue avec l’histoire de l’utopie architecturale, en tant qu’explosion intellectuelle convoquant un nouvel imaginaire à découvrir.

Au sein de ses projets, il explore des formes architecturales spécifiques à certaines doctrines politiques. Sa démarche consiste à révéler comment un projet sociétal, qu’il soit humaniste ou autoritaire, déploie un langage formel dans l’espace public. La finalité de son travail est d’envisager le patrimoine architectural d’un territoire non pas comme une succession de strates historiques, distinctes les unes des autres, mais plutôt comme un tissu continu dans le temps et l’espace. Dans cette perspective, son travail de sculpture se nourrit des échos et des contradictions esthétiques portés par des lieux ou des sites, afin d’en révéler les continuités ou les ruptures politiques.

Il travaille principalement à partir de références à l’histoire de l’utopie, notamment à la Cité idéale de Claude Nicolas Ledoux ou aux éco-quartiers durables futuristes de Vincent Callebaut. Célèbres pour leur dimension sociale et pour leur capacité à proposer de nouveaux modes d’existence, ces projets génèrent un langage formel en rupture avec les modèles standardisés de leur époque, une nécessité, selon Jean-Charles Remicourt-Marie, pour développer un imaginaire utopique et rigoureux.

Projet

Dans le cadre du Symposium, il réalisera des pièces dont le format entretiendra un dialogue avec l’histoire de l’utopie. Pour ce faire, il souhaite jouer avec cet héritage formel en réalisant une succession de sculptures qui seraient proposées comme des maquettes de projets de plus grande envergure. Accompagnées de plans, de photomontages et de dessins, les maquettes serviront à imaginer un espace immersif, permettant de transmettre au spectateur le processus dynamique d’où surgit de l’utopie.

De cette manière, les utopies passées et futures apparaissent comme autant de formes vivantes, invitant le spectateur à se sentir interpellé par des questionnement actuels cruciaux.

Biographie

Jean-Charles Remicourt-Marie détient un diplôme de maîtrise en arts visuels de l’École supérieure d’arts & médias de Caen. Son travail a été présenté au Tama Art Museum de Tokyo (Japon, 2015), à la Biennale des jeunes artistes européens de Mulhouse (2015). En 2016, il a réalisé deux commandes publiques Déversoir et Module #0 dans la région Aquitaine, en France. Il a participé aux résidences Caraminot, Usine Utopik et Caza d’Oro en France au cours de l’année 2016. En 2017, il était un artiste accueilli en résidence par le centre d’art l’Œil de poisson au Complexe Méduse.

Portrait de l’artiste             Photo: Marie-Blanche Pron
© Jean-Charles Rémicourt-Marie. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Jean-Charles Remicourt-Marie, Déversoir (maquette) 2015, 40 cm (diamètre). Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Jean-Charles Remicourt-Marie, Pièces à conviction, 2014, collection d’insignes de la police française, 12 cm (diamètre) chacun. Photo Michèle Gottstein.
© Jean-Charles Remicourt-Marie, Peinture de guerre # 1, 2014, peinture murale, dimension variable. Photo Michèle Gottstein.
© Jean-Charles Remicourt-Marie, Module # 0, 2016, 180 x 180 x 200 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.

Catherine Plaisance

© Catherine Plaisance, Coexistence entre le chaud et le froid 2, 2016, impression au jet d’encre, 67 x 100 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.

Catherine Plaisance
Montréal, Québec

Démarche

Catherine Plaisance explore l’imaginaire de la catastrophe et crée des paysages marqués par des bouleversements et des phénomènes extrêmes.

Ce thème de prédilection s’est peu à peu imposé à elle, à cause d’une succession d’expériences personnelles marquantes et d’une préoccupation croissante, tant individuelle que collective, pour l’écologie. Ses œuvres s’inspirent d’endroits existants, de lieux déjà fréquentés, de souvenirs de voyage et de photographies de paysage, se présentant comme des fictions photographiques et vidéographiques réalisées à partir de maquettes qu’elle a préalablement fabriquées.

Par des changements d’échelle et le recours à des technologies simples, son travail questionnera ainsi notre rapport aux récits ambiants et à l’image, notamment leur véracité et leur caractère trompeur.

Projet

Pour le Symposium, Catherine Plaisance représentera cinq paysages de la région de Charlevoix qu’elle imaginera dans le futur. À titre d’exemple, elle imaginera l’avenir de ces lieux conformément aux prévisions scientifiques pour l’an 2100, si nous n’arrivons pas à restreindre le réchauffement de la planète à moins 2 °C. En vertu de ce scénario pessimiste, les calottes glaciaires arctique et antarctique auront presque complètement fondu et le niveau de la mer augmentera de plusieurs mètres, changeant irrémédiablement le cours du fleuve Saint-Laurent.

Tout en créant des anachronismes, ces allers-retours historiques nous sensibiliseront aux paysages qui nous entourent aujourd’hui. En dépit de la vision dystopique qui l’anime, le projet favorisera les échanges avec les visiteurs autour de nos habitudes de vie, de l’amour de la nature et de la beauté des paysages de la région.

Biographie

Originaire de Lotbinière, Catherine Plaisance vit et travaille à Montréal. Elle détient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’UQAM, laquelle fut appuyée par le Fonds québécois de recherche sur la société et la culture.

Elle a participé à de nombreuses expositions dont la Manif d’art 3 – Biennale de Québec (2005), (Im)mortal Love International – Biennial Warsaw (2007), Peep Art/Art Voyou à L’Écart (Rouyn-Noranda) (2009), Crafting Romance au Athens Institute for Contemporary Art (ATHICA) à Athens (États-Unis, 2009), la 16e édition de la Biennale Internationale de l’Image de Nancy (France) (2010), Se creuser les méninges à la Galerie BAC (Montréal, 2013), Vestiges à la Galerie BAC (2015) et Proof 22 à la Gallery 44 (2015). Elle a été active au sein du collectif d’artistes Les Fermières Obsédées de 2001 à 2009.

Boursière du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada, elle a obtenu en 2011 le Prix Sylvie et Simon Blais pour la relève.

Pour en savoir pluswww.catherineplaisance.com

Portrait de l’artiste. Avec l’aimable concours de l’artiste.
© Catherine Plaisance. 2017. Crédit photo : René Bouchard.
© Catherine Plaisance. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Catherine Plaisance, Coexistence entre le chaud et le froid 4, 2016, impression au jet d’encre, 67 x 100 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Catherine Plaisance, Coexistence entre le chaud et le froid 6, 2016, impression au jet d’encre, 67 x 100 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Catherine Plaisance, Traversée 6, 2014, impression au jet d’encre, 127 x 190 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Catherine Plaisance, Traversée 8, 2014, impression au jet d’encre, 127 x 190 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.

Mitch Mitchell

© Mitch Mitchell, For Whom You Build, 2016, encre et papier, dimension variable. Photo Andréanne Godin.

Mitch Mitchell
Montréal, Québec

Démarche

Tablant sur les notions de copie, de travail fait à la main et d’objets manufacturés, Mitch Mitchell combine des références à l’histoire de l’art et des images de la culture de consommation de masse, qu’il réinterprète afin d’en souligner les valeurs esthétiques, historiques ou économiques.

Autour d’objets reconnaissables, représentatifs d’un savoir manuel ou d’objets manufacturés, son propos suscite un questionnement sur la valeur du travail, ou son caractère aliénant, sur la richesse ou la banalité des matériaux, et touche à des enjeux de consommation, de préservation du patrimoine et de distinction sociale.

Projet

Pendant toute la durée du Symposium, Mitch Mitchell copiera, avec des matériaux courants, une série de fauteuils historiques Louis XVI, à partir de techniques d’assemblages décrites dans les manuels de type « IKEA » ou « Structube ».

Le style Louis XVI correspond à un genre d’ameublement et de décoration en usage d’abord en France à compter de 1774, au début du règne du roi éponyme, jusqu’en 1785, tout juste avant la révolution française. Il s’inscrit dans un mouvement européen de retour au classicisme.

En utilisant la chaise Louis XVI, l’artiste soulève des questions liées à la réinterprétation de l’histoire, au classicisme, à l’art moderne et contemporain, et provoque une réflexion chez le spectateur sur les tensions sociales contemporaines entre riches et mal nantis. Il met aussi en avant les valeurs associées au savoir-faire artisanal et à la richesse des matériaux, auxquelles il oppose la banalisation des objets de consommation courante.

Biographie

Mitch Mitchell est né dans les prairies du Midwest des États-Unis, où il a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de l’Illinois State University, avant d’obtenir une maîtrise en gravure à l’Université de l’Alberta.

Son travail a été présenté dans plusieurs expositions individuelles et collectives au Canada et à l’étranger, notamment à la Kelowna Art Gallery, à dc3 Art Projects à Edmonton, à Sporobole à Sherbrooke et à Vaste et Vague en Gaspésie. Il a également représenté le Canada à la Biennale de gravure de Douro, au Portugal (2010 et 2012), et lors de l’exposition de gravures canadiennes contemporaines présentée au Musée national des beaux-arts de Chongqing, en Chine.

Ses œuvres lui ont valu de nombreux prix nationaux et internationaux et font partie notamment des collections du Musée des beaux-arts de Boston et du Musée des beaux-arts de l’Alberta.

Pour en savoir pluswww.mitchmitchellart.com

Portrait de l’artiste. Photo: Andréanne Godin
© Mitch Mitchell. 2017. Crédit photo : René Bouchard.
© Mitch Mitchell, For Whom You Build, 2016, encre et papier, dimension variable. Photo Andréanne Godin.
© Mitch Mitchell, For Whom You Build, 2016, détail, encre et papier, dimension variable. Photo Andréanne Godin.
© Mitch Mitchell, Trinity Cantos, 2016, performance avec farine de rouille. Photogramme vidéo Andréanne Godin.
© Mitch Mitchell, Trinity Cantos, 2016, performance avec farine de rouille. Photogramme vidéo Andréanne Godin.

 

Contest

Contest for the Public’s Favourite Artist

Presented by

 

Visit the Symposium and vote for your favourite artist!

has joined with Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul to award a prize of $2,000 to the public’s favourite artist.

Concours

Concours Coup de cœur du public

 

Visitez le Symposium et votez pour votre artiste coup de cœur !

 

Les règlements du concours seront dévoilés prochainement.

Conférence de Patrice Loubier

Photo : Éloi Desjardins
Photo : Éloi Desjardins

CONFÉRENCE DE PATRICE LOUBIER
Vendredi 21 août à 16h30

Critique et historien de l’art, Patrice Loubier est professeur au Département d’histoire de l’art de l’Université du Québec à Montréal depuis 2009. Il a signé de nombreux textes dans des périodiques, des ouvrages collectifs et des catalogues d’exposition, en s’intéressant notamment à  l’art  d’intervention  et  aux  nouvelles  formes  d’art  public.  Avec  Anne-Marie  Ninacs,  il  est d’ailleurs à l’origine des Commensaux, programmation spéciale du Centre des arts actuels Skol (Montréal) consacrée à ce type de démarches en 2000-2001. Il s’est aussi penché sur la portée politique de l’art au fil de certaines réalisations comme la Manif d’art 3 de Québec, consacrée aux formes du cynisme contemporain (dont il assurait le commissariat en 2005 avec André-Louis Paré), ou  dans des  articles  comme  « Faire  jouir,  faire  faire :  de  l’incertain  pouvoir  de  l’art », publié dans la revue Espace d’automne 2009.

Au ras du quotidien : la vie œuvrée  

Des avant-gardes historiques à Sophie Calle ou On Kawara, l’art du 20e siècle a travaillé l’existence comme une forme esthétique à part entière, faisant par exemple du quotidien la scène d’une invention de soi où la création tend à se fondre avec la vie de l’artiste. Dans cette foulée, Patrice Loubier s’intéressera à des pratiques actuelles qui, usant de routines régissant l’existence quotidienne de leurs auteurs, renouvellent aujourd’hui cette tradition, à l’ère d’une précarité généralisée et de l’interpénétration croissante de la vie et du travail induite par le post-fordisme.

Private: Communiqué

Communiqué de presse

Pour diffusion immédiate

 

Murmures du quotidien au 33e Symposium international d’art contemporain

L’artiste Diane Landry en performance à Baie-Saint-Paul

 

Baie-Saint-Paul, le 11 août 2015. – Une semaine après l’ouverture du 33e Symposium, les 12 artistes participants ont déjà attiré un nombre record de visiteurs! Pour la deuxième semaine de sa programmation, la directrice artistique Marie Perrault a le plaisir d’inviter l’artiste Diane Landry, récipiendaire de la bourse de carrière Jean-Paul-Riopelle du Conseil des arts et des lettres du Québec et de la prestigieuse bourse Guggenheim de la fondation américaine John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Elle réalisera, le vendredi 14 août à 16h30, une performance à ne pas manquer intitulée La Morue en lien avec le thème du quotidien.

 

Le même jour à 16h, la bourse Jean-Claude Rochefort, offerte par la Fondation de l’UQÀM, sera remise à Guillaume Provost pour la qualité de ses réalisations dans son domaine de recherche et de création. Le récipiendaire présentera pour l’occasion une courte synthèse de ses travaux sur l’art commissarial. Créée en hommage au critique d’art charlevoisien Jean-Claude Rochefort, cette bourse souligne l’excellence d’un(e) étudiant(e) aux cycles supérieurs en histoire de l’art.

 

À chaque samedi, quatre des douze artistes du 33e Symposium viendront présenter leur démarche artistique et mettront en lumière leur contribution au symposium. Venez participer à ces riches échanges avec les artistes en intervenant librement le samedi 15 août à 16h30. Cette semaine, les artistes Suzanne Joos (Montréal), Marie-France Tremblay (Québec), Mirimari Väyrynen (Helsinki) et Mathieu Cardin (Montréal) entretiendront le public du projet qu’ils réalisent à Baie-Saint-Paul.

 

Enfin, dans le cadre des Déambulatoires, une série de courtes interventions musicales, présentées en collaboration avec l’Hôtel Le Germain Charlevoix, permettent de découvrir des artistes émergents de la scène musicale! À 10h40 et 12h30 à l’Hôtel, à 13h30 sur le parvis du Musée d’art contemporain et à 14h30 au Symposium. Cette semaine, découvrez Coco Méliès.

 

Pour obtenir de plus amples informations, veuillez communiquer avec :

 

Relations de presse 

Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul – François Maltais – Adjoint aux communications, responsable du marketing et des relations publiques

418.435.3681 communications@macbsp.com

 

Communications Paulette Dufour – Relationniste de presse

418.525.5455 (bur) | 418.576.3585 pdufourcom@videotron.ca

 

 

 

The Team

Jacques St-Gelais Tremblay
Executive Director
j.s.tremblay@macbsp.com

Sylvie Lacerte Ph. D.
Artistic Director
info@macbsp.com

Sandra Lavoie
Executive Assistant, Programming and Operations
s.lavoie@macbsp.com

Hélène Thivierge
Communication Officer
symposium_communications@macbsp.com

Laurence Garneau
Coordinator and Communication Assistant
coordo@macbsp.com

Patricia Aubé
Curator-teacher
conservation-education@macbsp.com

Richard Ferland
Chief Technician
technique@macbsp.com

Graphic design
Dominique Mousseau

Web development
Patrick Vézina

Board of Directors

Mathieu Simard
Chairman of the Board
Architect

Gilles Charest
First Vice-Chairman of the Board
Gallery Owner

Jocelyn Gilbert
Second Vice-Chairman of the Board
Retired from Health care services

Isabelle Rioux
Treasurer
Accountant

Chantale Gagné
Secretary of the Board
Consultant

Jean Fortin
Administrator
Mayor of Baie-Saint-Paul

Raymond Brodeur
Administrator
Businessman

Martin Girard
Administrator
Businessman

André Ouellet
Administrator
Businessman

Martine Tremblay
Administrator
Consultant

Céline White
Artist
Independent worker

 

Call for proposals – New deadline December 15, 2017

36th International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul
2018 Call for Projects

Art & Politics

The philosopher Bernard Stiegler states: “Art is political: aesthetics is political and politics are aesthetic.” This notion dates back to Antiquityi and remains even more incisive today. The 2018International Symposium of Contemporary Art will follow the G7 Summit, another type of symposium, which will be held in June 2018 at La Malbaie a few kilometres from Baie-Saint-Paul. This is noordinary situation. At the G7, the heads of states will have discussed, among other things, “the advancement of gender equality, the fight against climate change and the promotion of respect for diversity and inclusion.”
With the upheavals and armed conflicts that many regions of the planet are subjected to and to which we are the quasi-powerless witnesses since the fall of the Berlin Wall (1989), the events in Tiananmen Square (1989) and the attacks of September 11, 2001, and closer to us, the laborious process of reconciliation with Indigenous peoples and the reception of refugees, the context and the dynamics of global politics have been completely transformed. The Nation-States need to be redefined (as well as the UN), theocracies and repressive regimes are taking over the geopolitical scene, the globalised and relocatedeconomy has completely altered the labour market and modes of(over)consumption,unrestrained capitalism reigns–accentuating the gap between the rich and the poor, the withdrawal of the United Kingdom from the European Union (Brexit) raises political and economic uncertainty in Europe and for refugees. Donald Trump’s election in the U.S.A.,the alternative facts that have become the rule and the rise in populism make us fear the worst. What will happen to the Paris Accord now that the U.S.A.and its climate sceptics have withdrawn from it? Terrorism and the radicalization of young people are hittingcloser and closer to us. These are no longer distant phenomena that don’t concern us. How can we envisage a new paradigm without falling into the paranoia that propaganda is stirring up? Artists have the capacity to imagine ways of getting out of this dreadfully real chaos, ofmaking us emerge from the stagnation.They possess clear-sightedness and intuitive-ness that few of us have. For the younger generations, cynicism no longer seems an option. While we are brooding, without minimizing the situation that the world is nowin, could we not, naively perhaps, bring “imagination to power?”, as it was envisioned in the 60’s, by the youth from Europe and North America?
All art disciplines are welcome. Here are just some areas of reflection,among many others, related to the theme:
1. Censorship and the attack on freedom of expression and art.
2. Women used as weapons of war…
3. Consequences of destroying part of humanity’s world heritage.
4. Dystopia becoming reality.
5. Lies, alternative facts and historical revisionism.
6. Social networks, hacktivism and art.
7. Stop the construction of walls between the nations and the welcoming of refugees.
8. An art practice in areas of conflict.
9. Can art really change the world?

iParticularly, Plato’s Banquet (banquet: symposion in Greek and symposium in Latin)

N.B. Since the late Françoise Labbé founded the Symposium of Baie-Saint-Paul in 1982, the tradition has been to invite artists to create works in front of the public, in a communal space. Although the way of working is unusual for a majority of artists, the symposium nevertheless gives rise to fruitful exchanges among the artists, in a convivial dynamics, and results in above all a very rich interaction with the public, which enables the demystifying of art practices. This mediation approach between the creation of art and its public reception represents a political gesture in itself.
N.B.: The themes can be evoked without necessarily being taken literally.
Sylvie Lacerte, Ph.D.
Artistic Director
July 19, 2017

 

Submission form

 

Diaporama (en)

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Diaporama

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Marie-France Tremblay

Biography

Marie-France Tremblay grew up in the Abitibi-Témiscamingue region and she now lives in Québec City. After studies in graphic communication, she obtained a bachelor’s degree in visual arts education from Université Laval in 2005.

Her works have been exhibited in solo and group exhibitions in various Québec localities, particularly at L’Écart, in Rouyn-Noranda, at Montréal’s Galerie B-312 and the Musée d’art contemporain des Laurentides, in Saint-Jérôme. By invitation, she has participated in artist residencies in Québec and elsewhere: Centre Sagamie, in Alma, the Imago print workshop, in Moncton (N.B.) and the Glasgow Print Studio, in Glasgow, Scotland.

She finds much stimulation in the opportunity to execute a project at the International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul. She is particularly pleased that she will be meeting members of the public with whom she has close ties, as well as artists from diverse horizons.

© Marie-France Tremblay, Le Potlach (detail) 2014. Photo: Christian Bujold

Approach

Marie-France Tremblay is interested in various techniques — silkscreen printing, knitting, sewing and video animation — and she finds inspiration in everyday life. Her artistic research feeds on random happenings which she transforms into small series of objects, images or motifs. Her most recent works have been monumental panoramas, some of which have been created in situ. They illustrate scenes that are at once banal and disturbing and populated by a multitude of actors.

For over five years, under the name marie-dessine, she has been publishing a daily image on her personal Web site. Her ongoing creative activity is deployed in multiple ways and under many forms.

Project

During the Symposium, Marie-France Tremblay will produce a large-size work inspired by everyday situations and gestures. These will supply motifs which will be submitted to unusual repetitions and variations. This mural will deploy on an animated and puzzling stage where hundreds of actors who, while engaged in various banal activities and interacting with common objects, will challenge the spectators to reflect amusingly on our everyday lives.

Marie-France Tremblay at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Marie-France Tremblay at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Marie-France Tremblay at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Marie-France Tremblay at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Marie-France Tremblay at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Marie-France Tremblay at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.

For more information:
http://marie-dessine.blogspot.ca

Photo : With the permission of the artist

 

© Marie-France Tremblay, Le Potlach (detail) 2014. Photo: Christian Bujold
© Marie-France Tremblay, Le Potlach, 2014. Photo: Christian Bujold

Mirimari Väyrynen

Biography

Mirimari Vayrynen was born in Helsinki, Finland, where she lives and works. She holds a master’s degree in fine arts from Aalto University of Helsinki and a bachelor’s degree from the Turku Arts Academy.

Over the past 10 years, her works have been exhibited in Europe, particularly at Madrid’s Villa Mostoles and at the Contemporary Art Museum Malaga, in Spain, at Berlin’s Pleiku Gallery and in numerous museums and exhibition centres across Finland. In 2014, in connection with a residency at the Méduse cooperative in Quebec City, L’Oeil de Poisson held a solo exhibition entitled Changes in Reality Denying Stays Unreal (https://www.youtube.com/watch?v=Wp55w-iqe0c).

The artist’s participation in the International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul is a follow‑up to her first residency in Québec City and to her participations in the Helsinki International Artist Programme, in 2014, the Saari Residence of the Kone Foundation and in Berlin and the Pleiku GalerieResidence in Berlin.

© Mirimari Väyrinen, Dialective Nature, 2014. Photo: Pirjo Väyrynen

Approach

Mirimari Vayrynen is interested in nature and in its manifestations as landscapes. She explores its pictorial tradition that she deconstructs and recomposes in order to pose environmental questions. She considers the landscape in ecological terms and from a human perspective, as it relates to nature and the world.

She uses the pictorial approach as a tool for reflection and research. The purpose is not only to create bi-dimensional images, but also to make use of its material qualities related to space and real objects and to raw material that makes shapes possible.

Project

While in Baie-Saint-Paul, Mirimari Vayrynen will realise a landscaping plan using real and artificial plants. She will also include landscape paintings where very fluid pictorial matter will make reference to the organic nature of the landscape, and in which the use of black pigment will allude to the fact that the forest is vulnerable to fire. Her installation will deal with environmental issues and will underscore the interdependence between our well-being and the preservation of nature.

Mirimari Väyrynen at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Mirimari Väyrynen at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Mirimari Väyrynen at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Mirimari Väyrynen at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Mirimari Väyrynen at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Mirimari Väyrynen at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Mirimari Väyrynen at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
Mirimari Väyrynen at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.

For more information:
https://www.works.io/mirimari-annika-vayrynen

Photo : Pirzo Väyrynen

 

© Mirimari Väyrinen, Dialective Nature, 2014. Photo: Pirjo Väyrynen
© Mirimari Väyrinen, Dialective Nature, 2014. Photo : Pirzo Väyrynen.

Laura St.Pierre

© Laura St.Pierre, Boréal 1, 2016, photograph, 175 x 117 cm. Photo courtesy of the artist.

Laura St.Pierre
Saskatoon, Saskatchewan

Approach

For the past few years, Laura St.Pierre has collected plants and is interested in what they reveal of the past, present and future of a place.

Using a technique borrowed from botanists, she preserves the plants in isopropylic alcohol in order to maintain their three dimensional form; however, this alters their colour. She then gives them an enduring life as large high-definition photographs.  Using the light and increasing the scale of the plants creates images that refer both to landscape and still life, just as intriguing as they are revealing.

To conserve the collected plants, she uses household vessels, pots and glass bottles such as our grandmothers used. While at the time they served to keep food or drink, Laura St.Pierre today preserves specimens showing the changes affecting the land. Neither rare nor unusual, these plants could become so one day, their collection making up, in some way, archaeology of the future.

Project

For some time now, Laura St.Pierre has been gathering and collecting plants in the Saskatoon area, the city where she has identified four types of ecosystems vulnerable to climate change: the boreal forest, the prairie wet lands, the prairie grasslands and the banks of the Saskatchewan River.

At the Symposium, she will look at the ecosystem of the St Lawrence River, a site already changing today. As the sea level rises, the water becomes warmer and contains more acidity, precipitation increases and the vegetation growing in and near the river changes. Throughout the event, Laura St.Pierre will collect specimens from along the riverbanks and in the water, preserving, like in her other projects, traces of the river, what is not yet just a memory. She then will use the fruit of her gatherings to create new photographs.

Biography

Laura St.Pierre is a multidisciplinary artist. For the last six years, her installations, videos and photographs have been presented across Canada as well as abroad.

She holds a MFA in visual art from Concordia University completed in 2006. She has been awarded numerous and significant grants from the Saskatchewan Arts Board, from the Conseil des arts et lettres du Québec, the Alberta Foundation for the Arts and the Canada Council for the Arts.

For more info: http://laurastpierre.com

 

Portrait. Photo courtesy of the artist.
© Laura St.Pierre. 2017. Photo credit : René Bouchard.
© Laura St.Pierre. 2017. Photo credit : René Bouchard.
© Laura St.Pierre. 2017. Photo credit : René Bouchard.
© Laura St.Pierre, Boréal 3, 2016, photograph, 160 x 143 m. Photo courtesy of the artist.
© Laura St.Pierre, Holiday Park, 2015, photograph, 97 x 64 cm. Photo courtesy of the artist.
©Laura St.Pierre, Wong’s, 2015, photograph, 107 x 74 cm. Photo courtesy of the artist.
© Laura St.Pierre, Avalon, 2014, photograph, 175 x 117 cm. Photo courtesy of the artist.

Laura St. Pierre

© Laura St.Pierre, Boréal 1, 2016, photographie, 175 x 117 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.

Laura St. Pierre
Saskatoon, Saskatchewan

Démarche

Depuis plusieurs années, Laura St.Pierre collectionne les plantes et s’intéresse à ce qu’elles révèlent sur le passé, le présent et l’avenir d’un lieu.

En utilisant une technique empruntée aux botanistes, elle préserve les plantes dans l’alcool isopropylique, afin de maintenir leur forme tridimensionnelle, en altérant toutefois leur couleur. Elle les immortalise ensuite dans de grandes photographies à très haute définition. L’utilisation de la lumière et l’augmentation de l’échelle des végétaux créent alors des images référant à la fois au paysage et à la nature morte, aussi intrigantes que révélatrices.

Pour conserver les plantes recueillies, elle utilise des vases domestiques, tels des pots et des bouteilles de verre jadis utilisés par nos grands-mères. Alors qu’ils servaient à l’époque à conserver la nourriture ou la boisson, Laura St.Pierre y préserve aujourd’hui des spécimens témoignant des changements affectant le territoire. Ni rares, ni inhabituelles, ces plantes pourraient le devenir un jour, leur collection constituant en quelque sorte une archéologie du futur.

Projet

Depuis un moment déjà, Laura St.Pierre recueille et collectionne des plantes des environs de Saskatoon, la ville où elle a identifié quatre types d’écosystèmes vulnérables aux changements climatiques : la forêt boréale, les terres humides des prairies, les prairies à fétuque et les berges de la rivière Saskatchewan.

Au Symposium, elle se penchera sur l’écosystème du fleuve Saint-Laurent, un site aujourd’hui déjà en transformation. Au fur et à mesure que le niveau de la mer monte, les eaux se réchauffent et deviennent plus acides, les précipitations augmentent et le couvert végétal dans et près du fleuve change. Tout au long de l’évènement, Laura St.Pierre recueillera des spécimens le long des rives et dans l’eau, en préservant, comme dans ses autres projets, la trace du fleuve, de ce qui n’y est pas encore qu’un souvenir. Elle utilisera ensuite le fruit de ses récoltes pour créer de nouvelles photographies.

Biographie

Laura St.Pierre est une artiste multidisciplinaire. Depuis plus de dix ans, ses installations, ses vidéos et ses photographies ont été présentées partout à travers le Canada, ainsi qu’à l’étranger.

Elle détient une maîtrise en beaux-arts de l’Université Concordia, obtenue en 2006. Elle s’est vue octroyer de nombreuses bourses importantes du Saskatchewan Arts Board, du Conseil des arts et lettres du Québec, de l’Alberta Foundation for the Arts et du Conseil des arts du Canada.

Pour en savoir plushttp://laurastpierre.com

Portrait de l’artiste. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Laura St.Pierre. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Laura St.Pierre. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Laura St.Pierre. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Laura St.Pierre, Boréal 3, 2016, photographie, 160 x 143 m. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Laura St.Pierre, Holiday Park, 2015, photographie, 97 x 64 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Laura St.Pierre, Wong’s, 2015, photographie, 107 x 74 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Laura St.Pierre, Avalon, 2014, photographie, 175 x 117 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.

Karine Locatelli

© Karine Locatelli, Falaise (rivière du Gouffre), 2015, Chinese ink on canvas, 165 x 198 cm. Photo Louis Laliberté.

Karine Locatelli
Baie-Saint-Paul, Québec

Approach

Landscape artist, Karine Locatelli explores her relationship to the urban and natural environment, creating landscapes inspired by her sensations and personal reflections. For her, drawing from the motif is an essential stage of reflection that enables her to understand her environment and have a responsive and sincere relationship to it.

Consequently, her creative process begins with directly observing nature, studying and notating the phenomena in small format sketches, and then creating large-scale drawings from them. Her works are a kind of materialization of her strolling about and the thoughts that the Charlevoix area and Quebec generally provoke and inspire in her, particularly its Nordic aspect. On first glance, they seem as traight forward aesthetic representation, but in which her intention touches on more wide-ranging reflections of a sociological, cultural and political nature.

Project

In response to the constant changes in the land caused by human interventions and natural phenomena, Karine Locatelli will create landscapes based on her personal experience of the Charlevoix region, large-format drawings along with preparatory sketches from observation.

She will create an immersive space, giving the feeling of an enveloping panoramic landscape, in which some components, connected to strings, may become animated through the manipulations of visitors. The devise will become a kind of metaphor for human intervention in the landscape.

As part of the landscape tradition and the practice of working in nature, which is a feature of the Charlevoix region, this project refers to the cultural history of the place and revives it. As well, although current, the landscapes represented will show past events that have changed the land profoundly, all while proposing a questioning of its fragility and its future.

Biography

A native of Lévis, Karine Locatelli draws landscapes, inspired by the Nordicity of the Quebec land. She has had solo exhibitions at Centre culturel Pauline-Julien in Trois-Rivières and at Carrefour culturel Paul-Médéric in Baie-Saint-Paul, as well as about a dozen group shows, most notably at Galerie Art Mur in Montréal, at Galerie L’œuvre de l’autre in Saguenay and at Art’Chipel in Lévis. She has participated in artist residencies at Atelier de l’île in Val-David and at Atelier Presse Papier in Trois-Rivières. She works on projects that favour producing art in the countryside, one of which is the creation of the artists’ residence Résidence nomade on Anticosti.

Sheholds a BFAin arts visuels et médiatiques fromLaval Universityand is now studying in the MFA arts visuels program at Université du Québec à Chicoutimi.

For more info: www.karinelocatelliartsvisuels.com

Portrait of Karine Locatelli. Photo Patrice Baillargeon .
© Karine Locatelli. 2017. Photo credit : René Bouchard.
© Karine Locatelli. 2017. Photo credit : René Bouchard.
© Karine Locatelli, Falaise (rivière du Gouffre), 2015, Chinese ink on canvas, 165 x 198 cm, detail. Photo Louis Laliberté.
© Karine Locatelli, Glaciel, 2016, 127 x 216 cm, video projection on canvas. Photo Louis Moulin.
© Karine Locatelli, Les états transitoires, 2016, Chinese ink and watercolour ink on canvas, 178 cm x 193 cm. Photo Louis Moulin.
© Karine Locatelli, Les états transitoires, 2016, Chinese ink and watercolour ink on canvas, 178 cm x 193 cm. Photo Louis Moulin.

Karine Locatelli

© Karine Locatelli, Falaise (rivière du Gouffre), 2015, encre de Chine sur toile, 165 x 198 cm. Photo Louis Laliberté.

Karine Locatelli
Baie-Saint-Paul, Québec

Démarche

Paysagiste, Karine Locatelli explore son propre rapport à l’environnement urbain ou naturel en créant des paysages inspirés de ses sensations et de ses réflexions personnelles. Dessiner sur le motif devient donc pour elle une étape de réflexion essentielle lui permettant de bien saisir son environnement et d’entretenir avec lui un rapport affectif et sincère.

Dès lors, son processus de création passe par une observation directe de la nature et par la consignation de phénomènes étudiés en petits formats, pour se déployer en atelier dans de grands tableaux dessinés. Ses œuvres sont en quelque sorte la matérialisation des flâneries et des pensées que provoque et lui inspire le territoire de Charlevoix et plus largement du Québec, notamment par leur caractère nordique. Une représentation esthétique simple de prime abord, mais dont le propos touche à des réflexions plus vastes d’ordre sociologique, culturel ou politique.

Projet

En écho aux modifications constantes du territoire causées par des interventions humaines ou des phénomènes naturels, Karine Locatelli réalisera des paysages basés sur son expérience personnelle de la région de Charlevoix, des dessins de grande dimension accompagnés d’esquisses préparatoires exécutées sur le vif.

Elle créera ainsi un espace immersif donnant le sentiment d’un paysage panoramique enveloppant, dont certaines composantes reliées à des ficelles pourront s’animer au gré des manipulations de visiteurs. Ces dispositifs deviendront en quelque sorte une métaphore de l’intervention humaine sur le paysage.

S’inscrivant dans la tradition paysagiste et la pratique du pleinairisme propre à la région de Charlevoix, ce projet renvoie à l’histoire culturelle du lieu et la renouvelle. De plus, bien qu’actuels, les paysages représentés attesteront d’évènements passés qui ont modifié en profondeur le territoire, tout en proposant un questionnement sur sa fragilité et son devenir.

Biographie

Native de Lévis, Karine Locatelli dessine des paysages en s’inspirant de la nordicité du territoire québécois. Elle compte à son actif des expositions individuelles au Centre culturel Pauline-Julien à Trois-Rivières et au Carrefour culturel Paul-Médéric de Baie-Saint-Paul, ainsi qu’une dizaine de présentations collectives notamment à la galerie Art Mur à Montréal, à la galerie L’œuvre de l’autre à Saguenay et à Art’Chipel à Lévis. Elle a participé à des résidences d’artistes à l’Atelier de l’île à Val-David et à l’atelier Presse Papier de Trois-Rivières. Elle s’investit dans des projets favorisant la production artistique en région, dont la création de la résidence d’artistes Résidence nomade à Anticosti.

Elle est titulaire d’un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’Université Laval et entame présentement une maîtrise en arts visuels à l’Université du Québec à Chicoutimi.

Pour en savoir pluswww.karinelocatelliartsvisuels.com

 

Portrait de l’artiste                   Photo: Benjamin Méheust
© Karine Locatelli. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Karine Locatelli. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Karine Locatelli, Falaise (rivière du Gouffre), 2015, encre de Chine sur toile, 165 x 198 cm, détail. Photo Louis Laliberté.
© Karine Locatelli, Glaciel, 2016, 127 x 216 cm, projection vidéo sur toile. Photo Louis Moulin.
© Karine Locatelli, Les états transitoires, 2016, encre de Chine et encre aquarelle sur toile, 178 cm x 193 cm. Photo Louis Moulin.
© Karine Locatelli, Les états transitoires, 2016, encre de Chine et encre aquarelle sur toile, 178 cm x 193 cm. Photo Louis Moulin.

 

John Player

Biography

John Player was born in Victoria (B.C.). He now lives and works in Montréal. In 2014, he completed a master’s degree in painting at Concordia University. He exhibits his works regularly in solo and group exhibitions. In Montréal, he has exhibited at Galerie Pierre-François Ouellette Art Contemporain, by whom he is represented, and Art Mûr. He has also exhibited his works in Volta, New York, with the emerging artists at Art Basel, and at the Art Toronto international art show.

© John Player, Remand Centre, 2014. Photo: With the permission of the artist

Approach

John Player’s art centres on the climate of mass surveillance that prevails presently and the progressive militarisation of everyday life. It represents in paintings — a medium that is usually confined to the private sphere — equipment and infrastructures that produce satellite imagery and aerial photography, as well as electronic systems for detection and for surveillance in public spaces.

There are no vindictive overtones in the documentation. It is matter-of-fact and detached from the culture of surveillance, and it leaves the interpretation to the spectator. By appropriating images borrowed from mass media, newspapers and archives available on the Internet, the artist reveals the scope of a menace that is well known and pervasive, but barely visible. The time devoted to the execution of the paintings and to their contemplation and interpretation is in opposition to the dominant culture’s obsession for speed, transmission and remote control in real time that is characteristic of a military economy.

Project

In Baie-Saint-Paul, John Player will push further in that direction. He will discuss with the public the political and social issues raised in his paintings, with a view of raising consciousness and even stirring resistance to a worrisome alarmist logic. Painting, his chosen means for criticizing the current geopolitical discourse, may appear to be outdated in the presence of contemporary concerns. In fact, it simplifies and humanises the technological alienation of the world, and it calls on the largest number of individuals to engage in a debate on issues related to peace and social justice.

John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.
John Player at the 33rd International Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul.

For more information:
www.johnplayer.net (in English)

Photo : With the permission of the artist

 

© John Player, Watch Floor, 2014. Photo: With the permission of the artist
© John Player, Listening Station, 2014. Photo: With the permission of the artist

Elise R Peterson

© Elise R. Peterson, Tupac Meets Matisse, 2016, digital collage 76 x 61 cm. Photo courtesy of the artist.

Elise R. Peterson
Brooklyn, United States

Approach

Based in Brooklyn, Elise R. Peterson is concerned with the people who are excluded from history and narratives about Blackness. She revisits masterpieces of Western art and integrates figures of Black people, thus revealing their relative invisibility in these contexts. She also is dedicated to producing objects and images that highlight the difficult conditions of Black lives.

She is attentive in particular to the experiences of marginalized people. A large portion of her work responds then to the quasi-absent representation of people of colour, especially in the field of fine arts. In reaction to this disturbing record, Elise R Peterson has appropriated the resources of technology to alter seminal works of traditional art and counter this invisibility. Her use of digital tools, today within reach of an increasing number of people, also shows that it is possible to have a cultural impact without using significant means and to be an example of someone able to rally support in this respect.

Project

In the context of the Symposium, Elise R. Peterson will expand her work-in-progress series of digital collages titled Black Folk, introducing widely mediatized African-American figures into the masterpieces of modern art history. In this way, she criticizes the fine art system and the little place given to artists of colour, and at the same time, she draws attention to the stereotyped representation of Black people that the media conveys.

Along with her work on this series, she will develop her presentation into the form of an installation, notably around the work Tupac Meets Matisse, which integrates an image of the legendary rapper Tupac Shakur into Henri Matisse’s Blue Nude II. To this collage, attached to the wall, the artist will add pillows with inscriptions representative of the difficult existence of African-Americans that Tupac Shakur raps about. These pillows will invite visitors to appreciate a little comfort while reflecting on the reality of Black lives, in contrast to this ideal plenitude. Archival audio recordings of Tupac Shakur discussing his philosophy will complete the presentation.

The intention of this work is to create an open dialogue about contemporary Black experience and to show various perspectives of the Black cultural heritage in the world and for the future of art.

Biography

Based in New York, Elise R. Peterson is a writer, visual artist and an educator. Her essays concern narratives about Blackness, and the nuances of identity, touching on these marginalized communities, particularly those relating to sexuality. She has published articles in magazines such as Adult Magazine, Paper Magazine, Elle, Lenny Letter and Nerve.

As a visual artist, she continues her work on reinterpreting the past, examining notions of Blackness, of intimacy and intergenerational relations in the framework of evolving technology.

Elise R. Peterson has studied graphic design at Parson’s School of Design in New York.

 

For more info: www.eliserpeterson.com

Portrait. Photo Tavish Timothy
© Elise R Peterson. 2017. Photo credit: René Bouchard.
© Elise R. Peterson, Untitled, 2016, pastel on digital photograph, 84 x 61 cm. Photo courtesy of the artist.
© Elise R. Peterson, Prince Meets Matisse, 2016, digital collage 61 x 76 cm. Photo courtesy of the artist.
© Elise R. Peterson, Untitled, 2016, pastel on digital photograph, 79 x 61 cm. Photo courtesy of the artist.
© Elise R. Peterson, Frida Meets Matisse, 2016, digital collage, 53 x 91 cm. Photo courtesy of the artist.

Elise R Peterson

 

© Elise R Peterson, Tupac Meets Matisse, 2016, collage numérique 76 x 61 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.

Elise R Peterson
Brooklyn, États-Unis

Démarche

Basée à Brooklyn, Elise R Peterson s’intéresse aux exclus de l’histoire et aux récits de la négritude. Elle revisite des chefs-d’œuvre de l’art occidental en y intégrant des figures de race noire, révélant ainsi leur relative invisibilité dans ces contextes. Elle se consacre également à la réalisation d’objets et d’images mettant en relief les conditions de vie difficiles des Noirs.

Sa démarche s’articule notamment autour d’une insistance sur l’expérience des personnes marginalisées. Une large part de ses œuvres répond donc à une quasi-absence de représentation des personnes de couleur, notamment dans le champ des beaux-arts. En réaction à ce constat navrant, Elise R Peterson s’est approprié les ressources de la technologie pour modifier des œuvres-phares de la tradition artistique afin de contrer cette invisibilité. Son utilisation des outils numériques, aujourd’hui à la portée d’un nombre toujours croissant de personnes, témoigne aussi qu’il est possible d’avoir un impact culturel sans mobiliser des moyens importants, et fait figure d’exemple mobilisateur à cet égard.

 

Projet

Dans le cadre du Symposium, Elise R Peterson développera sa série de collages numériques en cours intitulée Black Folk, introduisant dans des chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art moderne des figures d’Afro-américains largement médiatisées. Elle critique ainsi le système des beaux-arts et le peu de place accordé aux artistes racisés, en même temps qu’elle souligne la représentation stéréotypée de la négritude véhiculée par les médias.

Au travail sur cette série s’ajoutera le développement de sa présentation sous forme d’installation, notamment autour de l’œuvre Tupac Meets Matisse, intégrant une image du rappeur légendaire Tupac Shakur dans le Nu Bleu II d’Henri Matisse. À ce collage fixé au mur s’additionneront des oreillers portant une inscription représentative de l’existence difficile des Afro-américains dénoncée par le rappeur. Ces oreillers inviteront les visiteurs à apprécier un certain confort tout en réfléchissant à la réalité de la vie des Noirs, en contraste avec cet idéal de plénitude. Des enregistrements audio archivistiques de Tupac Skakur discutant de sa philosophie complèteront la présentation.

Ce travail vise à susciter un dialogue ouvert sur l’expérience noire contemporaine et à exposer des perspectives différentes sur l’héritage culturel des Noirs dans le monde et pour l’avenir de l’art.

Biographie

Basée à New York, Elise R Peterson est écrivaine, artiste visuelle et éducatrice. Ses textes portent sur les récits liés à la négritude, sur les nuances d’identité touchant ces communautés marginalisées, notamment en lien avec la sexualité. Elle a publié de courts textes notamment dans les revues Adult Magazine, Paper Magazine, Elle, Lenny Letter et Nerves.

En tant qu’artiste plasticienne, elle poursuit des recherches portant sur la réinterprétation du passé autour des notions de négritude, d’intimité et de rapports intergénérationnels, dans le contexte de l’évolution des outils technologiques. Son travail a été présenté dans des expositions collectives et individuelles dans des grandes villes des États-Unis dont New York et Los Angeles, où elle a aussi donné plusieurs ateliers de formation.

Elise Peterson détient un diplôme en design graphique de la New School de la Parson’s School of Design de New York.

Pour en savoir pluswww.eliserpeterson.com

 

Portrait de l’artiste Photo: Tavish Timothy
© Elise R Peterson. 2017. Crédit Photo : René Bouchard.
© Elise R Peterson, Sans titre, 2016, pastel sur photographie numérisée, 84 x 61 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Elise R Peterson, Prince Meets Matisse, 2016, collage numérique 61 x 76 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.
© Elise R Peterson, Sans titre, 2016, pastel sur photographie numérisée, 79 x 61 cm. Photo avec l’aimable concours de l’artiste.